31 de mayo de 2011

Pantallas de la era digital

Fluid Screens, Expanded Cinema de Janine Marchessault y Susan Lord (Ed.). University of Toronto Press. Canada, 2008.


Publicado en la Revista Secuencias. Primavera, 2011.

Existen estudios que reconocen la tradición teórica en la que se insertan desde el mismo título que los identifica. Es una estrategia que sirve como reclamo para aquellos lectores ya iniciados, interesados en recorridos críticos concretos, que varían en función de los momentos históricos en los que se debaten. Este es el caso del volumen Fluid screens, expanded cinema. El conjunto de textos seleccionados por Janine Marschessault y Susan Lord mantiene un vínculo directo con la situación cinematográfica analizada por el teórico Gene Youngblood en el contexto estadounidense de 1970. Las reflexiones que Gene Youngblood escribió en su imprescindible Expanded cinema son el punto de partida de una nueva recopilación de artículos analíticos que sitúan, sobre el papel, las cuestiones principales que atañen al desarrollo de la tecnología digital, en relación al cine y los medios de masas del escenario actual. Es un cine entendido en su mayor amplitud que inevitablemente moldea el espacio público de la contemporaneidad. Si Expanded cinema dibujaba una amplia concepción cinematográfica que abrazaba todas y cada una de las iniciativas artísticas realizadas con las nuevas tecnologías de la época, Fluid screens, expanded cinema hace lo propio, meditando sobre el papel de la imagen digital y sus ilimitadas potencialidades; haciendo especial hincapié en las iniciativas surgidas en una plataforma especialmente fructífera como es internet. Uno de los puntos de partida de esta compilación de artículos es la idea de que el espacio mediático de la actualidad está dominado por una multitud de medios que dominan la política económica, las prácticas culturales y las nuevas articulaciones de identidad. Gracias a la fluidez de la imagen digital se pone a prueba el espectáculo cinematográfico tradicional, traspasando las fronteras de lo interactivo y lo performativo en los networks media. Todos los análisis aquí incluidos quedan englobados bajo los cultural studies, la teoría post-fílmica, los estudios de comunicación y la teoría de los nuevos media. La multiplicidad de puntos de vista dispuestos en ellos demuestran cómo las tecnologías digitales transforman la cultura visual, moldeando la esfera pública en la que se insertan.

Las primeras películas por computadora realizadas por cineastas como Jordan Belson o los hermanos Whitney, los experimentos televisivos de artistas como Nam June Paik o Aldo Tambellini, las metamorfosis videográficas de John Stehura y Jud Yalkut, las performances multimedia de Carolee Schneemann o Robert Whitman, las arquitecturas sensoriales envolventes −como el Movie Drome diseñado por el cineasta Stan VanDerBeek−, y los espectáculos expansivos de proyecciones múltiples −como el celebrado HPSCHD de John Cage y Ronald Namerth−, eran algunas de las manifestaciones artísticas estudiadas por Gene Youngblood en su ensayo Expanded cinema. Tomando como referencia lo cinematográfico, el autor exploraba la estética de los medios de comunicación audiovisuales en relación a nuevas dimensiones fenomenológicas, de resonancias epistemológicas. El arquitecto y ensayista Buckminster Fuller era el encargado de escribir la introducción de un libro, que él mismo identificaba como “el principio de una nueva era del sistema educacional”. Era una manera de entender unas reflexiones que ponían las bases para una pedagogía interactiva, apta para el desarrollo del conocimiento y la apertura de la conciencia. Esas palabras visualizaban la importancia de las herramientas basadas en la emisión y recepción de sonidos e imágenes en movimiento, para el futuro de la humanidad. La extensión de los límites de la pantalla hacia formas culturales interconectadas, envolventes e interactivas, quedaban estructuradas por Gene Youngblood mediante tres ejes principales: la sinestesia, lo intermedial y lo global.

El cine es el arte de organizar una corriente de eventos audiovisuales en el tiempo. Es un evento temporal, tal y como sucede con la música. Para Gene Youngblood la tecnología audiovisual es un dispositivo que permite ampliar la conciencia del espectador y ensanchar las capacidades de su mente. Ese nexo común entre medio y mente es uno de los puntos concretados por especialistas de la evolución de la imagen electrónica y el vídeo, de finales de los años sesenta. Fluid screens, expanded cinema retoma estas consideraciones casi cuarenta años más tarde. Lo hace para evidenciar nuevas perspectivas surgidas en un contexto radicalmente distinto −no solo a nivel temporal, sino también a nivel geográfico−. En esta ocasión los artículos redactados toman como referencia los desarrollos acaecidos en Canadá y, especialmente, en las ciudades de Toronto y Montreal. Tal y como indican las editoras en la introducción del libro, la iniciativa de compilar esta serie de textos surge durante un simposio celebrado en una de las últimas ediciones del Images Festival for Independent Film and Media de Toronto. Por esta razón la mayoría de autores participantes son de procedencia canadiense. Así, muchos de sus objetos de estudio pertenecen a los desarrollos estéticos y conceptuales concentrados en este basto espacio geográfico. Es en esta misma introducción donde se establece el marco teórico que gira alrededor de los tres capítulos que dividen el libro. Si el título del mismo remite a concepciones como el de la modernidad líquida descrita por el ensayista Zygmunt Bauman, es por el paralelismo que establece entre la convergencia espacio-temporal de las sociedades occidentales regidas por el sistema capitalista, y las manifestaciones fílmicas que surgen de ella. Según Bauman la fluidez de los estados líquidos sirve como metáfora para entender la flexibilidad de espacios desplazados y tiempos ilimitados, perceptibles en la actualidad. Es un modo de identificar la fragmentación, la maleabilidad y la fugacidad de lo presente.

Expanded cinema – Inmersion es el título de la primera parte del libro. Los seis ensayos de los que consta esta sección tratan sobre la influencia que los soportes arquitectónicos diseñados para proyecciones fílmicas provocan sobre las experiencias sensoriales de los espectadores que se sumergen en ellas. Partiendo de las innovaciones introducidas en la exposición internacional de Montreal de 1967, Janine Marchessault considera en su texto Multi-screen and future cinema: The Labyrinth Project at Expo 67 la relevancia de las aportaciones cinematográficas realizadas para los pabellones de la muestra, concentrando su interés en el proyecto The Labyrinth. Esta multiproyección diseñada por Colin Low, junto a Roman Kroitor, fue una de las piezas más complejas de una Expo 67 plagada de obras fílmicas, identificadas por parte de los técnicos y artistas mediante términos como Circle Vision, Polyvision, Kino-Automat o Diapolyecran. Descrita por Marchessault, la instalación Labyrinth consta de tres salas que muestran lo fílmico como ambiental, introduciendo nuevas consideraciones sobre la vivencia de la simultaneidad. Es un film site specific de cuarenta y cinco minutos que narra, a modo de ritual, la autorealización de un individuo a lo largo de toda su vida. Multiproyecciones discontinuas invitan a una divagación de los sentidos que, a la vez, activan la imaginación sin renunciar a la memoria –acciones que, según Gene Youngblood, conjugan el paseo del espectador con el cine sinestésico–. Marchessault finaliza su texto recalcando que la omnipresencia de instalaciones fílmicas en la Expo 67 es un claro precedente de la ubicuidad de pantallas y la maleabilidad de la imagen del presente. Sounds complicated: what sixties audio experiments can teach us about the new media environments es otro de los textos destacados de esta primera parte. Aquí Stephen Crocker se encarga de estudiar cómo el sonido estructura los espacios que nos rodean, alterando, de un modo prácticamente imperceptible, nuestra conciencia. Lo hace atendiendo a cuestiones como la naturaleza omnidireccional del sonido y la pasividad con el que lo recibe el ser humano. Transitando entre conceptos como el arte de los ruidos de Luigi Russolo, la escucha reducida de Michel Chion y Pierre Schaeffer, y las reflexiones del montador y sound designer Walter Murch, Stephen Crocker se decanta, como Marshall McLuhan y John Cage, hacia el estudio del sonido atendiendo a las estructuras organizadas de las sensaciones, y no a sus fuentes sonoras. The network screen: moving images, materiality, and the aesthetics of size de Haidee Wasson repasa la evolución tecnológica de las pantallas, para revelar lo que subyace en dos ejemplos paradigmáticos: IMAX y QuickTime. La espectacularidad global de un dispositivo y la pequeñez individual del otro permiten establecer comparaciones, que concluyen con apreciaciones como el hecho de que el Kinetoscopio de Edison sea un claro precedente de las pequeñas películas disponibles en la Web.

El segundo apartado del libro se centra en nociones temporales, históricas y memorísticas. Entre los escritos englobados en una sección identificada con el título Digital Time − Archive, cabe mencionar From sequence to stream: historiography and media art de Susan Lord. Aquí la autora argumenta la existencia de una imaginería historiográfica puesta a punto por artistas e intelectuales, gracias a procesos como el copyleft, las narrativas de bases de datos, el intercambio o el saqueo de archivos (archive plundering). Bajo experiencias de grupos políticamente comprometidos como Vision Machine o Walid Raad y The Atlas Group, Susan Lord disecciona el cambio de las relaciones temporales secuenciales, a la estética digital y las imágenes virtuales. Liquid Space − Mobility es la tercera y última sección de Fluid screens, expanded cinema. En ella se encuentra una serie de recomendaciones de Sean Cubbit en Precepts for digital work. Aquí el autor toma en consideración la traducción que se produce entre el trasvase de lo analógico a lo digital, afirmando que son los espacios vacíos que emergen de la fragmentación, lo verdaderamente relevante de la digitalización. La naturaleza efímera, el carácter procesual, el aspecto incompleto y el acabado imperfecto son algunas de las características que halla en unas artes digitales que acaba definiendo como cyborg. Para Sean Cubitt lo digital es antes un soporte comunicativo que uno representacional.

El apéndice Afterword: what we must do firmado por el propio Gene Youngblood se pregunta si existe la posibilidad de organizar un evento interactivo y participativo de alcance mundial, difundido a través de internet. Visibilizar una conciencia común del ser humano, ligada a unos desarrollos tecnológicos factibles, parece ser la razón de esta propuesta utópica que coge como ejemplo las manifestaciones contra la guerra de Irak sucedidas en febrero de 2003. Es una manera de plantear la importancia que puede llegar a adquirir lo digital respecto a la estética de los media y a las experiencias espacio-temporales ligadas al capitalismo.

30 de mayo de 2011

Taller de animación experimental

Apropiación, montaje y collage sobre película de 35mm

La primera semana de julio se organiza en Circuit Torçat otro curso de cine experimental, reciclaje, desmontaje y cine de animación sin cámara. Si el último estuvo dedicado al soporte super 8, el de ahora se centra en el 35mm. Los días 1, 2, 3 y 8 de julio de 2011 Oriol Sánchez impartirá un taller teórico y práctico en el que se visionaran piezas de cineastas como Cécile Fontaine o Steven Woloshen.

Más información: http://www.circuittorcat.com/35mm







La Pêche Miraculeuse (1995) Cécile Fontaine

27 de mayo de 2011

El efecto del cine. Ilusión, realidad e imagen en movimiento


You and I, Horizontal II (2006) Anthony McCall

El efecto del cine. Ilusión, realidad e imagen en movimiento es el título de una exposición producida en 2008 por el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington, D.F. Presentando una conjunto de piezas fílmicas, videoinstalaciones y proyecciones de cineastas o artistas contemporáneos, la comisaria Kelly Gordon elabora un recorrido por instalaciones y piezas monocanal que dialogan alrededor de lo cinematográfico en el contexto artístico. Esta muestra sobre el arte de las imágenes en movimiento se divide en dos partes llamadas Realismo y Sueños. La primera se pudo ver recientemente en el Caixafòrum de Madrid, la segunda se inauguró la semana pasada en el mismo centro de arte de la ciudad de Barcelona. Del 25 de octubre de 2011 al 29 de enero de 2012 se podrá visitar la exposición completa en el de Palma de Mallorca.

La película Sleep de Andy Warhol inicia un itinerario sobre la representación del insomnio, la vigilia y el sueño, que continúa con piezas de found footage (dos filmes oníricos de Bruce Conner y una pesadilla angustiosa de Cristoph Giradet, a partir de un plano del clásico King Kong), películas paisajísticas (una documentación de los reflejos de un edificio por parte de Tacita Dean y una lluvia volcánica de efectos digitales a cargo de Kelly Richardson),  instalaciones postminimalistas (la proyección sobre una cortina roja de Douglas Gordon y la confrotación entre aparatos añejos de Rodney Graham) y expanded cinema revisitado (ese Line Discriving a Cone de Antonhy McCall rebautizado como You and I, Horizontal II). Las demás aportaciones fluctúan entre documentaciones contemplativas ligeramente sugerentes y puestas en escena teatralizadas de escaso interés. Existe algo de impostado en esa acumulación de impactos visuales y sonoros en busca de un efecto postproducido que les de legitimidad (voz en off, gráficos digitales, loops ad infinitum). Como si el envoltorio estuviera por delante de cualquier posible discurso más o menos significativo.


Reihnmetall/Victoria 8 (2003) Rodney Graham

20 de mayo de 2011

Cherry Kino – Programme of Super8 films


Nightlight (2009) Dagie Brundert

Cherry Kino es una plataforma ubicada en Leeds (Inglaterra), dedicada a la causa del cine experimental. Tal y como indican en su página web Cherry Kino Maker es un "lover and shower of wondermental film". Entre las actividades que organizan se encuentran talleres, análisis escritos y proyecciones dedicados al cine de artistas, al cine amateur y la experimentación en celuloide. El último fin de semana de mayo presentan un programa de películas realizadas originalmente en formato super 8 que se integrarán dentro del Leeds Internationl Film Festival. Las películas seleccionadas se mostrarán en el  Mobile Cinema del Saltaire Arts Trail de la ciudad de Bradford y el Cherry Kino Lab. Entre los realizadores de las piezas escogidas se hallan nombres reconocidos del experimental como el británico Ian Helliwell o el irlandés Maximilian Le Cain. Pero por encima de todo destaca una notable representación española, a cargo de cineastas singulares como Alberto Cabrera Bernal, Pere Ginard, Laura Ginès o un servidor.

Canción última – dir. Dan Hildred / UK / 2010 / 3 mins
Untitled [2] – dir. Nathan Cyprys / Canada / 2009 / 3 mins
Nightlight – dir. Dagie Brundert / Germany / 2009 / 2 mins
The Palm Tree Song Line – dir. Dagie Brundert / Germany / 2008 / 1 min
Radl (Bike) – dir. Viktoria Schmid / Austria / 3 mins
In the Streets – dir. Robert Harris / USA / 2009 / 5 mins
Monster – dir. Marta Daeuble / France / 2004 / 40 secs
Fishquay – dir. Matt Sutcliffe / UK / 2011 / 4 mins 53 secs
Preludio (Prelude) – dir. Albert Alcoz / Spain / 2010 / 3 mins
This is a test reel – dir. Matoula Eolou Gekko / Greece / 2010 / 3 mins
Solar Eyes – dir. Rosie Parsons / UK / 2011 /
Hotel La Mirage – dir. Maximilian Le Cain / Ireland & Greece / 2010 / 5 mins
You Can Never Hurt Me – dir. Jon Perez / USA / 3 mins
De Luce 1: Vegetare – dir. Janis Crystal Lipzin / USA / 2009 / 5 mins
Untitled– dir. Elina Street / UK / 2011 / 2 mins
Cada cuatro fotogramas (Every Four Frames) – dir. Alberto Cabrera Bernal / Spain / 2009 / 1 min
In My Dreams – dir. Stephanie Wuertz / 3 mins
Song Before Dying - dirs. Pere Ginard & Laura Ginès / Spain / 2011 / 4 mins
LOVE – dirs. Rasa / Lithuania / 2011 /
Red Road – dir. Arturo Almanza / Colombia /
Colour Stream – dir. Ian Helliwell / UK / 2002 / 4 mins


De Luce 1: Vegetare (2009) Janis Crystal Lipzin

19 de mayo de 2011

Tejido Conectivo, Film Performance



El viernes 20 de mayo de 2011 se presenta en la sala Miscelanea de Barcelona una multi-proyección fílmica del proyecto Tejido Conectivo. Oriol Sánchez, Luis Macías y Adriana Vila son los tres responsables de una performance fílmica que recupera películas amateurs antiguas en formatos como el 8 mm, el super 8 y el 16 mm.  Como indican en la página web las diversas mutaciones practicadas mediante este metraje de filmaciones caseras permiten "re-visitar el pasado a través de lo que queda de registros personales". La documentación de un pasado ajeno se alía con la experimentación formal de un presente hecho de asociaciones visuales y contrastes sonoros.


14 de mayo de 2011

WEIRD WAR

WEIRD WAR
Year: 2011
Duration: 9 minutes
Original format: super 8
Screening format: miniDV
Director: Albert Alcoz

Project description:
Weird War is a found footage film about a super 8 documentary of the World War II. Using cameraless techniques the film shows explosions in the sky backwards, soldiers wound and erased, damaged frames, perforations and abstract images painted. The soundtrack is made by a distorted voice over, analog music tranformed into raw noises and takeoff airplanes. It is the nonsense of the war. 

Weird War es una película de found footage que recupera un documental en súper 8 de la Segunda Guerra Mundial. Utilizando técnicas del cine sin cámara el filme muestra explosiones en el cielo al revés, soldados heridos y borrados, perforaciones sobre el celuloide e imágenes abstractas pintadas. La banda sonora está construido a partir de una voz en off distorsionada, música transformada en ruidos incómodos y sonidos de aviones despegando. Todo ello conforma el sinsentido de la guerra.











13 de mayo de 2011

LOOP Festival - Screen From Barcelona


Situació Color (1976) Antoni Miralda y Jaume Xifra

El pasado 10 de mayo se inauguró en el Arts Santa Mònica el festival de videoarte LOOP. Con expectativas renovadas, esta muestra llamada Screen From Barcelona estará presente del 11 al 21 de mayo en diversos museos, centros de arte, fundaciones, galerías, restaurantes y demás espacios públicos dedicados promover las manifestaciones artísticas. Entre las innumerables actividades ofertadas llama la atención el gran número de exposiciones y proyecciones programadas. El Efecto del Cine: Sueño es una exposición de recorrido internacional comisariada por Kerry Brougher, Anne Ellegood, Kelly Gordon y Kristen Hileman, que reflexiona sobre la relación entre el Arte y el medio cinematográfico con piezas de artistas actuales que trabajan con el celuloide (Tacita Dean), videoartistas consagrados (Douglas Gordon) y cineastas clásicos de la experimentación como Andy Warhol, Bruce Conner o Anthony McCall. La Fundació Suñol muestra dos creaciones audiovisuales realizadas por Antoni Miralda junto a Jaume Xifra, y Antoni Muntadas en 1976. Situació Color y Retrat de Pep Suñol son sus títulos. En Mobile art, experiencias móviles –organizado por Clara Puig, Adrián Soler para la Fundación Francisco Godia– se incluyen algunas de las prácticas audiovisuales actuales registradas con móviles; Antoni Abad, María Cañas y Andrés Duque son algunos de los participantes. Por lo que respecta a las proyecciones destacan las sesiones dedicadas a Valie Export, Isaac Julien, Robert Cahen y Allan Sekula (junto a Noël Burch), así como la presentación del proyecto inacabado eGolem, por parte de Eugeni Bonet. Entre las actividades programadas durante la Feria en el Hotel Catalonia Ramblas cabe remarcar la conferencia Video diffusion on Internet a cargo de Stuart Comer (TATE Modern), Bart Rutten (Stedelijk Museum) y el coleccionista Jean-Conrad Lemaître.


The Forgotten Space (2011) Allan Sekula

10 de mayo de 2011

Imágenes en disputa: Emergencias y apropiaciones audiovisuales


Matar a Hitchcock (2008) Alberto Cabrera Bernal

Del 4 al 7 de julio de 2011 la Facultad de Bellas Artes de Altea y el Camon Alicante acogen el curso "Imágenes en disputa: Emergencias y apropiaciones audiovisuales", organizado por la Universidad Miguel Hernández en colaboración con Camon. Este seminario consta de cuatro módulos alrededor  del apropiacionismo, con especial atención a su presencia en el área audiovisual. La obra y la metodología de trabajo del cineasta Alberto Cabrera Bernal es uno de los ejes principales a partir del cual reflexionar sobre las experiencias audiovisuales alternativas que se están desarrollando en España. El profesorado del curso estará formado por Teresa Marín García, Xose Prieto Souto y Alberto Cabrera Bernal.

El programa del curso es el siguiente:
1. Prácticas creativas de reciclaje (Facultad de Bellas Artes de Altea, 4 de julio). 2. El soporte fílmico como campo de batalla (Camon Alicante, 5 de julio).
3. Creación y postproducción: Un debate sobre autoría y apropiación (Facultad de Bellas Artes de Altea, 6 de julio).
4. ¿Y qué pasa con lo nuevo? (Facultad de Bellas Artes de Altea, 7 de julio)

Más información: http://www.umh.es/fpo/fichaCursoFPO.asp?id_edicion=3517&caca=2010


Matar a Hitchcock (2008) Alberto Cabrera Bernal

9 de mayo de 2011

No podemos prometer hacer más que un experimento


  Sretanja/Encounters (1963) Vladimir Petek

Del 18 de mayo al 6 de julio el Macba de Barcelona acoge un ciclo de películas experimentales realizadas en Yugoslavia durante las décadas de 1960 y 1970. Bajo el título No podemos prometer hacer más que un experimento se engloba una muestra cinematográfica que acompaña la exposición Museo de narrativas paralelas. En el marco de La Internacional. La selección de títulos, a cargo de la comisaria Ana Janevski, representa el cine de la antigua República Socialista Federativa de Yugoslavia: el anticine (Zagreb), el cine alternativo (Belgrado), la escuela de cine de Split y el grupo de artistas visuales de Novi Sad (Serbia). Las películas estructuralistas y el arte corporal de Tomislav Gotovac, la narraciones subversivas de Dušan Makavejev, al cine amateur de género de Želimir Žilnik, el oficio de Karpo Godina, las intervenciones performativas del colectivo KOD o las películas de artistas visuales como Vladimir Kristl, Neša Paripović, Zoran Popović o Mladen Stilinović, serán algunas de las piezas a proyectarse en esta singular muestra.

Programa:
Miércoles a las 19h.

18 de mayo
Presentación a cargo de Ana Janevski.
25 de mayo
El anticine y nosotros y más aún. La producción de cineclubs. Belgrado, Split, Zagreb
1 de junio
Želimir Žilnik – Cine negro
8 junio
Películas de artistas
22 de junio
En cuanto abro los ojos veo una película – Tomislav Gotovac
29 de junio
Karpo Godina – Alegría de vivir
6 julio
Dušan Makavejev y la guerra de guerrillas en el cine

Más información:
Macba


W. R. Los misterios del organismo (1971) Dušan Makavejev

5 de mayo de 2011

Madchester approaches

por Blanca Viñas