27 de marzo de 2016

Crossroads 2016 – San Francisco Cinematheque


Love Me (2014) Barbara Sternberg

A partir del 1 de abril el festival Crossroads 2016 de San Francisco celebra una nueva edición con una amplia selección de filmes y vídeos recientes realizados por artistas internacionales. Steve Polta ha sido el responsable de escoger y englobar decenas de trabajos en nueve programas organizados como sesiones eclécticas, estructuradas bajo similitudes conceptuales. La noción de hallazgo, la percepción anticipada del futuro, la saturación lumínica, el devenir topográfico, el valor del cuerpo, el poder de la imaginación y los confines de la mortalidad son, a grandes rasgos, los ejes temáticos sobre los que giran la selección de películas incluidas. Craig Baldwin, Stephen Broomer, Karissa Hahn, Jane Crystal Lipzin, April Simmons, Gina Basso, Dana Berman Duff, Mike StoltzYin-Ju Chen y Lana Z Caplan son algunos de los cineastas que presentarán sus últimas creaciones en una muestra convertida en uno de los grandes referentes de la escena experimental. El programa completo, coordinado junto a la distribuidora Canyon Cinema, el Center for New Music, la compañía Oddball Film + Video y las proyecciones mensuales del Shapeshifters Cinema, se puede consultar en este enlace.


Mad Ladders (2015) Michael Robinson
On The Evening (2014) Olivia Ciummo
Iron Condor (2015) Meredith Lackey
Half Human, Half Vapor (2015) Mike Stoltz

26 de marzo de 2016

Shoot Shoot Shoot: The London Film-Makers’ Co-operative 1966-76


Footsteps (1974) Marilyn Halford

El 27 de abril de 2016 se inaugura la exposición Shoot Shoot Shoot: The London Film-Makers’ Co-operative 1966-76 en la Tate Britain de Londres. Hasta el 17 de julio se podrá visitar una muestra comisariada por el Mark Webber que recoge documentos y filmes producidos alrededor de esta cooperativa inglesa defensora de las prácticas fílmicas artísticas. Fundada en 1966, la LFMC estuvo dedicada a fomentar la realización y la difusión del cine de vanguardia mediante un sistema de distribución, una sala fílmica y un laboratorio. Decenas de cineastas elaboraron su trabajo fílmico en un contexto donde se fomentó la búsqueda de texturas visuales metafílmicas, el uso de la copiadora óptica bajo nociones repetitivas o las proyecciones performáticas ligadas al concepto de cine expandido. La exposición, presentada por LUX junto a la British Artists’ Film and Video Study Collection, es también un anticipo de la próxima publicación de un volumen titulado Shoot Shoot Shoot: The First Decade of the London Film-Makers’ Co-operative & British Avant-Garde Film 1966-76 que tendrá lugar en otoño de este año. En 2006 ya reseñamos brevemente otra publicación ligada a esta misma iniciativa de recuperación de un momento culminante de la cinematografía brtitánica, en este caso en formato DVD.


Leading Light (1975) John Smith
Shepherd's Bush (1971) Mike Leggett
Slides (1970) Annabel Nicholson

25 de marzo de 2016

Remote – Jesse McLean



Publicado el primer volumen de Angular

Remote, Jesse McLean
Video, 11 min., 2011, USA

English version:

Elemental particles

The title of this work refers both to things that are far away and to the television remote control. In Jesse McLean's video, "remote" should be taken to express its strangest and most hostile adjectival meanings in order to connect the sinister character of the unknown with a troubling display of sounds and images recorded on video. The presence of an invisible and persistent ancestral life force gives shape to a hyperbolic leitmotif that, once tracing a dismal path, invites spectators to satiate their visual appetites.

Jesse McLean appropriates images from nightmarish scenes to devise an evocative sequence of phantasmagorical sets, dimly lit scenes and supposedly tormented subjective gazes, all of which are accompanied by a moving soundtrack. By selecting dozens of fragments from horror films - edited together as a collage along with original footage of devastating landscapes - the filmmaker recalls the common clichés of sinister fictional works, while eluding any explicit horror. The monstrous, morbid and violent elements of the original films disappear, prompting a suspended state of alertness, a sensation of permanent danger, which also pays homage to the cinephilic rage felt in relation to the television screen.

The attraction towards the representation of fear, experienced in a safe and placid everyday setting, is visualized in a piece whose subtle sound design - evanescent textures, unexpected noises and trembling monologues - induces a nightmarish dream state with ambiguous conclusions. The Freudian concept of Unheimliche - the ominous, a sudden feeling of terror towards something that is familiar - is constantly invoked in its auditory dimension; however, it is ultimately embodied visually by a motionless hand discretely emerging from the swamp. If the remote is far away from a physical perspective; paradoxically, what the remote expresses could be perceived in our minds as close-at-hand.

Often the diabolical makes itself known during the mind's unpredictable journeys while dreaming, always with the eyes closed. It is during this unconscious unfolding of dreams when all that is negated during waking life can be revealed in a discerning light. In Remote, the flux of heard and imagined events is marked by a highly oneiric causal development where "the impacting eruption of electric energy" is only a thematic pretext to confront the silence and darkness of fear.

Versión es español:

Partículas elementales

En inglés el término Remote hace referencia tanto a aquello que se encuentra alejado, como al aparato que permite controlar la emisión televisiva desde la distancia. En el vídeo de Jesse McLean esta palabra designa las acepciones adjetivales más desconocidas e inhóspitas, para conectar el carácter siniestro de lo ignoto con un despliegue inquietante hecho de sonidos e imágenes videográficas. La presencia de una fuerza vital ancestral, invisible y persistente, permite elucubrar un hilo conductor hiperbólico que, al trazar un recorrido tenebroso, invita a saciar el placer escópico del espectador. 

Apropiándose de escenas pesadillescas, Jesse McLean elabora una concatenación evocadora de decorados fantasmagóricos, escenarios en penumbra y miradas subjetivas supuestamente atormentadas, puntuadas por una banda sonora conmovedora. Seleccionado decenas de fragmentos fílmicos del género de terror –desmontados como un collage junto a registros originales de paisajes desoladores–, la autora invoca los lugares comunes de la ficción más siniestra, eludiendo lo explícito del horror. Todo los monstruoso, morboso y violento de los largometrajes primigenios desaparece para dar lugar a un estado de alerta suspendido, una sensación de peligro permanente, que es también un homenaje al arrebato cinefílico sucedido ante el monitor de televisión.

La atracción hacia la representación del temor, consumida en un entorno cotidiano, seguro y apacible, queda visualizada en una pieza cuyo sutil tratamiento sonoro –hecho de texturas evanescentes, ruidos sorpresivos y monólogos temblorosos–, sugiere una ensoñación pesadillesca de conclusión ambigua. El Unheimlich descrito por Freud –lo ominoso, la súbita irrupción del espanto en medio de lo familiar–, se invoca constantemente en su dimensión auditiva, pero queda finalmente encarnado en la mano inerte que emerge discretamente del pantano.

Si desde un punto de vista físico lo remoto queda lejos, paradójicamente, aquello que designa puede percibirse cercano en la mente de cada uno. A menudo lo diabólico hace acto de presencia a lo largo de los imprevisibles recorridos de la mente durante la ensoñación, siempre con los ojos cerrados. Es en el devenir inconsciente de los sueños donde puede visualizarse de modo clarividente todo lo negado por la consciencia durante la vigilia. En Remote el flujo de acontecimientos escuchados e imaginados viene marcado por un desarrollo causal eminentemente onírico donde “la erupción impactante de energía eléctrica” es sólo un pretexto argumental para encarar el miedo, su silencio y su oscuridad.

Walkscapes

por Blanca Viñas




14 de marzo de 2016

The Pirate Cinema – Nicolas Maigret




The Pirate Cinema es una videoinstalación del artista francés Nicolas Maigret que se puede visitar en la exposición Real Time, Arte en tiempo real, organizada por el Arts Santa Mónica de Barcelona. Esta muestra comisariada por Pau Waelder cuenta con un conjunto de obras contemporáneas preocupadas por evidenciar cómo se articulan los acontecimientos que suceden en tiempo real, analizando qué estrategias facilitan su representación y qué métodos permiten su comprensión. De este modo la decena de piezas expuestas tratan la inmediatez de los sucesos representados en los medios de comunicación y las redes sociales en relación al presente individual. La exposición cuestiona la noción de "tiempo real" planteando "cómo medimos el tiempo y de qué manera esta medida es relativa, aunque determina nuestra percepción de la realidad".

El contador digital que indica las horas, los minutos y los segundos que la obra ha sido percibida por algún espectador, a cargo de Guillem Bayo; el panel informativo que informa de cada uno de los vuelos que se producen en todos los aeropuertos internacionales del mundo, por parte de Martin John Callahan; y los diez metrónomos que calculan los ritmos de las ciudades en función del uso de las redes sociales en esos entornos urbanos identificados, creado por Varvara Guljajeva y Mar Canet, son algunos de los trabajos más brillantes y sutiles de Real Time. Pero entre todos ellos sobresale The Pirate Cinema. Tres pantallas de grandes dimensiones dispuestas una al lado de la otra, forman un tríptico donde se proyectan breves fragmentos de planos diversos. Son imágenes pixeladas de todo tipo de producciones audiovisuales internacionales que corresponden a algunas de las transferencias P2P, innumerables capturas de archivos compartidos online por miles de usuarios activos en todo el mundo, en tiempo real. Como indica Nicolas Maigret en su página web, este proyecto hace visible una actividad invisible como es la de descargar contenidos videográficos a través de plataformas como las que utiliza el sistema BitTorrent. Como consecuencia "the installation produces an arbitrary cut-up of the files currently being exchanged", demostrando el imparable intercambio de información digital que ocurre en internet. Las indicaciones escritas mostradas en los márgenes superiores de cada uno de los planos indican, fugazmente, los países de origen y destino de unos archivos cuyos datos han sido interceptados. Un programario que descarga los torrents visualizados, los proyecta y los elimina prácticamente al instante.

El caos sonoro y visual que se sucede incesantemente en la sala es una respuesta perpetua a la actividad del ciberespacio, que sitúa en primer plano los mecanismos de consumo audiovisual tras la consolidación tanto de los dispositivos digitales para registrar imágenes como de la existencia de la World Wide Web para la exhibición e intercambio de las mismas. La fragmentación de la representación y la imperfección de su resolución son dos de las cualidades principales de una videoinstalación que expone la imparable diseminación online de vídeos digitales. Lo hace para reflexionar sobre los usos de los internautas ante un escenario caracterizado por el continuo flujo de datos. De este modo el espectador de The Pirate Cinema puede entretenerse tratando de reconocer algunas de las imágenes mostradas –como el frame que muestra al personaje que interpreta Harrison Ford en Blade Runner (1982), que aquí ilustra esta entrada–. Pero también puede intentar hallar lógicas narrativas, más o menos coherentes, ante el despliegue de imágenes divergentes, percibir cierta musicalidad rítmica en su construcción o teorizar sobre cuestiones geográficas que evidencian el indudable dominio de las producciones cinematográficas estadounidenses sobre el contexto internacional. En este enlace se puede experimentar el ritmo frenético que propone la pieza, en esta ocasión sólo en su versión monocanal.




11 de marzo de 2016

Angular – Novedades




El primer volumen de Angular ya se puede adquirir en la página web de Re:Voir –la editora y distribuidora francesa especializada en cine experimental–, y en las librerías La Central de Madrid y Barcelona, así como en Numax de Santiago de Compostela. También continua disponible en la pestaña de compra de la misma página web de Angular. Hasta el momento, críticos de cine como Gonzalo de Pedro, Andrés Hispano y Luís E. Parés han escrito diversas reseñas elogiosas sobre el DVD y el libro para medios impresos como Caimán, Cuadernos de cine, el suplemento Cultura/s de La Vanguardia o la web Otros Cines Europa. Adjuntamos algunas de sus opiniones:

“(…) una iniciativa ineludible, un proyecto que viene a crear algo que es España es prácticamente desconocido: un espacio de reivindicación y reflexión sobre el cine de vanguardia (…) Lo importante en Angular es el objeto: ese cofre extraordinariamente diseñado, ese libreto perfectamente maquetado, con esos textos bien seleccionados y bien encargados, con transfers bien realizados, todo ello con un rigor y una coherencia prácticamente inéditos en la edición en DVD en nuestro país”. 
Luís E. Parés, Caimán, Cuadernos de cine (marzo 2016)

“Angular es una aventura editorial dedicada al cine experimental con sede en www.angular-films.com y que ha reunido en DVD doce películas que han resultado de una convocatoria dirigida a jóvenes realizadores. (…) En un libreto ilustrado adjunto (ochenta páginas) se ofrece información de las películas y un breve ensayo sobre cada una de ellas, encargo que hace doblemente interesante el esfuerzo editorial (…) publicación de cuidado diseño, tiraje limitado y redactada en castellano e inglés.”
Andrés Hispano, Cultura/s de La Vanguardia (sábado 13 de febrero de 2016)

“Angular, un proyecto de editora de DVD que viene a cubrir un espacio totalmente yermo en España: el de la difusión en formato doméstico, ya sea para consumo privado, ya sea para trabajo académico, de trabajos de cine experimental. (…) Angular Volumen 01 no es solo una selección de películas sino un proyecto que busca radiografiar un momento de la creación experimental, y de todo aquello que la rodea, y ayudar a difundir y consolidar una practica cinematográfica que, casi por definición, es minoritaria y parece condenada a no llegar en condiciones adecuadas al público, al tiempo que practica la mirada analítica y reflexiva sobre el cine que promueve”.
Gonzalo de Pedro, Otros Cines Europa (lunes 11 de enero de 2016)
http://europa.otroscines.com/angular-volumen-01/




7 de marzo de 2016

Recomendaciones para hoy







Bienal de la Imagen en Movimiento 2016


Tiempo Aire (2015) Bruno Varela

Hasta el 8 de abril se pueden presentar trabajos audiovisuales para participar en el Premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana 2016. La Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM) es el marco donde se convoca un premio que tendrá lugar en la ciudad de Buenos Aires durante el mes de noviembre. En este enlace se pueden descargar las bases de la convocatoria y en este otro se pueden observar los ganadores de la última edición, la del año 2014. Información sobre las programaciones del BIM de los años anteriores (2012 i 2014) se pueden hallar en estas otras entradas publicadas a lo largo de estos años.


Abecedario / B (2014) Colectivo Los Ingrávidos
Isla Alta (2011) Federico Adorno