23 de mayo de 2016

CRANC #01


Time-Space Compression (2015) Blanca Rego

Cranc es un nuevo proyecto de proyecciones de cine y video experimental, con debates posteriores, que se organiza una vez al mes en las instalaciones de la imprenta L'Automàtica situada en el barrio de Gracia de Barcelona.

CRANC és un cicle de projeccions audiovisuals que tenen lloc a la impremta l'Automàtica.
Cran és un tall fet en alguna cosa com a senyal a algun fi.
Cran també és l'entalla que tenen els tipus d'impremta a fi que es pugui distingir pel tacte la part superior de l'inferior.
CRANC s'escriu amb una C final, una C de Cinema.

El viernes 27 de mayo se inaugura esta iniciativa con la presentación de la primera edición de la editorial Angular (un libro y un DVD cuya caja se ha producido en la misma imprenta) y una muestra de trabajos de la realizadora Blanca Rego (cuya pieza Engram (optical sound #001) es una de las que forma parte de la compilación de Angular). Esta primera sesión, dividida en dos partes diferenciadas, propone un diálogo estético y semántico entre trabajos que investigan las posibilidades cinemáticas y acústicas tanto de las herramientas fílmicas como de los dispositivos digitales.

Viernes 27 de mayo a las 20h
5 con consumición
L'Automàtica
C/ de la Legalitat, 18.
M L4 Joanic, L3 Fontana

1º parte:​ Angular

Remote (2011) Jesse McLean​. Video. 11 min
Tokyo-Ebisu (2010) Tomonari Nishikawa. 16 mm/ Video. 5 min
Wingdings Love Letter / Places With Meaning (2012 - 2013) Sc​o​tt Fitzpatrick​. 16 mm/ Video. 5 min.

​2º parte: Blanca Rego

Engram (optical sound #001) (2013) Video. 2 min.
You must be complex to want simplicity (2014) Video. 1 min.
Due to Violent Content, and Flashing Lights with Strobe Effects, Viewer Discretion Advised (2015) Video. 1 min.
Nonobjective Cinema (2015) Video. 2 min.
Computer Music Studies: Untitled (2015) Video. 2 min.
Rainbow Britte (2012) Video. 7 min.​
Time-Space Compression​ (2015) Video. 2 min.​
Psycho 60/98 (2016) Video. 6 min.​​


Nonobjective Cinema (2015) Blanca Rego
Places With Meaning (2013) Scott Fitzpatrick
Tokyo-Ebisu (2011) Tomonari Nishikawa

20 de mayo de 2016

Proceso de error – 3º Festival internacional de video experimental


The Rapture (2014) Michael Fleming

Proceso de error es el nombre de una muestra de experimentación videográfica actual que se celebra entre el 31 de mayo y el 4 de junio en Valparaíso (Chile). INVE Plataforma Experimental de Artes, dirigida por Daniela Lillo, organiza este festival internacional no competitivo que centra su foco de atención en piezas de video arte heterogéneas vinculadas a la videodanza, la video performance, el documental creativo y la animación experimental. Talleres, exposiciones de instalaciones, presentaciones y demás actividades paralelas se suman a una selección de trabajos internacionales que se pueden consultar en este enlace. Por lo que hace referencia a las videoinstalaciones, las diferentes obras, mayoritariamente chilenas, quedan enmarcadas dentro de la exposición Puertas Cambiantes. Entre la decenas de piezas seleccionadas cabe mencionar las tres que ilustran esta entrada: The Rapture (2015) de Michael Fleming, Descomposición aleatoria (2015) de Karina Rojas Sandoval y I Just Seem To Cry A Lot (2015) de Roberto Malano.


Descomposición aleatoria (2015) Karina Rojas Sandoval
I Just Seem To Cry A Lot (2015) Roberto Malano

17 de mayo de 2016

LOOP Barcelona 2016


Threshold (1972) Malcolm Le Grice

Un año más el festival de videocreación LOOP celebra las prácticas artísticas de la imagen en movimiento con múltiples actividades que tienen lugar en diversos espacios de Barcelona. A partir del 26 de mayo se inician las exposiciones, las proyecciones y los debates de este evento ampliamente diseminado cuyo núcleo de actuación es la feria programada para los días 2, 3 y 4 de junio. Esta LOOP Fair consta de decenas de propuestas videográficas de artistas contemporáneos se exponen mayoritariamente en versión monocanal en las habitaciones del Hotel Las Ramblas. En este enlace se pueden consultar todos los vídeos participantes de un formato expositivo cuanto menos curioso. Desde aquí recomendamos los visionados de piezas como las de Péter Forgács, Lewis Klahr, Laida Lertxundi o Antoni Miralda. Pero sin duda, las propuestas más atractivas a nivel de experimentación fílmica y perceptiva son las performances Threshold (1972) y Horror Film (1971) del inglés Malcolm Le Grice programadas para el 4 de junio en la Capella del MACBA y el ciclo "El inconsciente audiovisual" comisariado por Arnau Horta, que cuenta con una instalación, una programa de proyecciones y una master class a cargo de dos de los cineastas austriacos más reconocidos de las prácticas fílmicas experimentales: Martin Arnold y Peter Tsherkassky. La exposición "Harun Farocki. Empathy" en la Fundació Tàpies; los trabajos de Arash Nassiri exhibidos en la Fundació Suñol; el ciclo de cortometrajes de Perejaume comisariado por Joana Hurtado; la perfomance Incluso el silencio es causa de tormenta (2016) de Alfredo Costa Monteiro y el colectivo Cráter; y la exposición dedicada a Anthony McCall –uno de los cineastas ingleses pionero en las proyecciones expandidas con su mítica pieza Line Describing A Cone (1973)–  organizada por Gloria Moure en la Fundació Gaspar, completan esta festividad del cine y el vídeo más artístico.


Whistle Stop (2014) Martin Arnold
Incluso el silencio es causa de tormenta (2016) Cráter
Face to Face III (2013-2014) Anthony McCall

15 de mayo de 2016

(S8) 2016: Los nuevos impresionistas


Gasometers Part 3 (2015) Nicky Hamlyn

El (S8) Mostra de Cinema Periférico de A Coruña llega esta año a su séptima edición. Del 1 al 5 de junio diversos espacios de la ciudad gallega acogen proyecciones, talleres, presentaciones, performances y actividades paralelas destinadas a celebrar los acercamientos cinematográficos analógicos menos convencionales. Los nuevos impresionistas es el título bajo el que se presenta una amplia programación que incluye el trabajo de algunos cineastas reconocidos que se aproximan al entorno circundante desde una mirada impresionista. Saul Levine, William Raban, Nicky Hamlyn, Stephen Broomer, Jacques Perconte, Martha Colburn, Andrés Duque y Chris Kennedy es el asombroso listado de nombres propios que participan en esta edición. La proyección inaugural con de El acorazado Potemkin de Sergei Eisenstein con una nueva banda sonora en directo compuesta por Chris Jarrett; una retrospectiva dedicada a la cineasta y teórica francesa Germaine Dulac; la muestra de las obras de Xiana Gómez-Díaz en una sección enfocada en exhibir el trabajo de cineastas gallegas como el que se produce desde la productora Walkie Talkie Films; una conferencia de Eugeni Bonet y la proyección de su película 133 (1978-79) co-dirigida junto a la artista Eugènia Balcells; y la presentación del proyecto de edición Angular, son algunos de los principales reclamos de la programación de este año.


Wastewater (2014) Stephen Broomer
Trazos (2015) Alberte Branco
Carretera de una sola dirección (2016) Xiana Gómez-Díaz

12 de mayo de 2016

2º Edición del Festival Internacional de Cine Filmadrid


Harbour City (2015) Simon Liu

La programación de la segunda edición del festival Filmadrid ya se ha dado a conocer. Este festival internacional de cine, que se celebrará entre los días 2 y 11 de junio en la ciudad de Madrid,  se inaugurará con la película Francofonia (2015) de Aleksandr Sokurov y concluirá con el título 11 minutes (2015) del realizador Jerzy Skolimowski. Una selección de 33 películas a competición; un homenaje a Chantal Akerman; tres retrospectivas dedicadas a Boris Lehman, Pietro Marcello y Júlio Bressane; un curso del reconocido crítico fílmico Jonathan Rosenbaum y unas performances de los cineastas Takashi Makino, Luis López Carrasco, Javier Rebollo y Lluís Miñarro, conforman el núcleo de la muestra. De entre todas las proyecciones recalcamos la sección de cine de vanguardia, que presenta las nuevas piezas de cineastas internacionales como Azadeh Navai, Pablo Mazzolo, Simon Liu, Robert Todd, Philippe Grandieux, Laida Lertxundi, Nazli Dinçel, Sebastian Wiedemann y Lois Patiño, entre otros. Espectro cromático también se presentará en esta sección.


Something Horizontal (2015) Blake Williams
Fish Point (2015) Pablo Mazzolo
Rod Zegwei dan Pikan (2015) Azim Moollan
Remembering the Pentagons (2015) Azadeh Navai

6 de mayo de 2016

10 años de Visionary Film – Sorteo Angular (DVD + Libro)


Allures (1961) Jordan Belson

Hoy Visionary Film cumple 10 años. El 6 de mayo de 2006 se inició esta web con una breve entrada titulada Expanded Cinema que anunciaba algunos de los objetivos que justificaban el proyecto. Una imagen del film Allures de Jordan Belson ilustraba un comentario que intuía que merecía la pena dedicar un espacio online a las prácticas fílmicas experimentales y a las propuestas videográficas del ámbito artístico. Diez años después la web sigue su andadura. Para celebrarlo sorteamos un ejemplar del libro (82 páginas en español e inglés) y el DVD de Angular. Dale al "Me Gusta" y "Comparte" esta entrada en tu muro de facebook para participar en el sorteo. En caso de no tener facebook, escribe un comentario aquí mismo, añadiendo tu nombre e indicando tu entrada preferida de las más de 1000 que se han publicado hasta la fecha en Visionary Film. El 16 de mayo se anunciará el ganador/a.

Ya tenemos ganador: Dani García Antón.
¡Enhorabuena!



1 de mayo de 2016

Found Footage Magazine – Número #2 Mayo 2016




La publicación Found Footage Magazine llega a su segunda edición con un conjunto de escritos entre los que sobresalen los englobados bajo el monográfico dedicado a la cineasta norteamericana Barbara Hammer. Un estudio de su obra a cargo de Greg Youmans, una entrevista conducida por Matthew Levine y un ensayo de otra de las pioneras del cine del found footage, Abigail Child, configuran un análisis minucioso del trabajo fílmico de Barbara Hammer. El canadiense Jean-Claude Bustros, el norteamericano Michael Robinson y el austriaco Gustav Deutsch son otros de los cineastas cuya obra es analizada por investigadores, académicos y críticos cinematográficos de renombre internacional como son las firmas de Scott MacDonald, Jonathan Rosenbaum, Brian L. Frye y Dirk de Bruyn. Diversas reseñas de piezas audiovisuales recientes, preocupadas en la elaboración estética y la articulación semántica de material de reciclaje; dos reseñas de un libro práctico escrito por Steven Woloshen y otro dedicado al cine letrista; y una entrevista con Vicki Bennett (People Like Us) completan el segundo número de esta publicación de referencia dirigida por César Ustarroz.

El contenido completo es el siguiente:

ESPECIAL SOBRE BARBARA HAMMER

Apropiaciones audaces: Cincuenta años de Barbara Hammer, por Greg Youmans
Entrevista con Barbara Hammer, por Matthew Levine
Hacerse visible, por Abigail Child

ENSAYOS

Dos films de Jean-Claude Bustros, por Dirk de Bruyn
Una breve síntesis del copyright para cineastas de metraje encontrado, por Brian L. Frye
Imágenes que trascienden el tiempo: el cine como archivo fotográfico, por Clint Enns
La historia se descompone en imágenes, no en historias: un viaje del futuro al pasado con Walter Benjamin, por Nazare Soares
Indexación versus taxonomía: Yo, Dalio –o las reglas del juego y los pensamientos que una vez tuvimos–, por Jonathan Rosenbaum

Y ADEMÁS...

Vistos por lo que son, revelan lo que esconden: una conversación con Michael Robinson, por Alejandro Bachmann
Un lugar al que nunca he viajado: Engram of Returning, por André Habib
La última emisión, por Peter Snowdon
Algo viejo, algo nuevo: dos DVD de Gustav Deutsch, por Scott MacDonald

RESEÑAS DE PELÍCULAS: Cortar y pegar
por Albert Alcoz, Matthew Levine, Mark J. Ostrowski, Marta Álvarez y César Ustarroz

Standby for Tape Back-Up (Ross Sutherland, 2015)
Wild Currents (Stephen Broomer, 2014)
The Great Flight (Carolina Astudillo, 2014)
By the Time We Got to Expo (Eva Kolcze & Philip Hoffman, 2015)
Parallax Paradox (Joan Leandre, 2009-2014)
Cut Out (Guli Silberstein, 2014)
The Tin Hat (Giuseppe Boccassini, 2014)
Miss Cinema – Archivio Mossina (Paolo Simoni, Rinaldo Censi, Ilaria Ferretti & Mirco Santi / Home Movies Italy, 2015)
(Self) exhibitions (Florencia Aliberti, 2012-2015)
A Film Remembered (Andrés Duque, 2015)
Second Sighted (Deborah Stratman, 2014)

RESEÑAS DE LIBROS

Scratch, Crackle & Pop! (Steven Woloshen, 2013), por Albert Alcoz
Off-Screen Cinema: Isidore Isou and the Lettrist Avant-garde (Karia M. Cabañas, 2014), por James Luce

Entrevista con Vicki Bennett, por Kenneth Goldsmith


Welcome To This House (2014-2015) Barbara Hammer
Tender Fictions (1998) Barbara Hammer

24 de abril de 2016

CONTACT. A Festival of New Experimental Film and Video




Los Apiary Studios de Londres acogen la primera edición del festival CONTACT, entre los días 6 y 8 de mayo. Andrew Vallance y Simon Payne son los dos programadores de una muestra que debuta con una selección de films y vídeos experimentales de más de setenta artistas y realizadores. Los tres bloques que dividen el programa quedan identificados por las proyecciones en versión monocanal, las multiproyecciones en directo y las instalaciones específicamente diseñadas para los espacios expositivos. Entre el largo listado de cineastas participantes cabe mencionar los nombres de figuras consagradas en el circuito de la experimentación audiovisual inglesa como son Lis Rhodes, John Smith, Emily Richardson, Nicky Hamlyn, Samantha Rebello, George Barber, Jayne Parker, Guy Sherwin, Lynn Loo, Peter Gidal y Malcolm Le Grice. Entre las inclusiones de artistas más jóvenes destacamos la de Mary Stark y su continua investigación del celuloide como representación de tramas de tejidos copiados por contacto que devienen representaciones acústicas. 





22 de abril de 2016

Millennium Film Journal No. 63 – Exchanges & Convergences




El número 63 de Millenium Film Journal está dedicado a los intercambios y las convergencias culturales del cine crítico, experimental y ensayístico. Cineastas como Rachel Rose, Stan Douglas, Stan Brakhage, Lili Reynaud-Dewar, Jenni Olson, Moon Kyungwon y Jeon Joonho, son objeto de análisis en unas páginas que cuentan con las firmas de William C. Wees, Lucy Reynolds y Clint Enns, entre otros académicos. El carácter ilimitado del cine materialista, la representación traumática a través del video de artistas y la dimensión de la videocreación en China son algunos de los temas tratados en un volumen que lamenta las pérdidas de la realizadora belga Chantal Akerman y la pionera del arte del video, la japonesa Shigeko Kubota.

El contenido completo es el siguiente:

Exchanges & Convergences

The Editors
Introduction

REVIEWS
Lucy Reynolds, Venice: Getting Lost. 2015 Venice Biennale
Rachel Valinsky, Rachel Rose "Everything and More". The Whitney Museum
Steven Jacobs, From Screen to Screen. The Secret Agent by Stan Douglas
Patrick Ellis, Illusions in Motion. Mediar Archeology of the moving Panorama and Related Spectacles
ARTICLES
Martin Rumsby, Cinema Performing Trauma. Dirk de Bruyn's "The Performance of Trauma in Moving Image Art"
Jihoon Koon, Materialism and Beyond. Lee Hangjun's Expanded Cinema
Ellen Zweig. Video Bureau. A Report From China
William C. Wees, Beyond Metaphors on Vision. Stan Brakhage's Unpublished "The Domain of Aura"
COLOR
Stan Brakhage, Moon Kyungwon and Jeon Joonho, Lili Reynaud-Dewar, Rachel Rose, Stan Douglas, Jenni Olson.
ARTIST PAGES
Clint Enns, A brief analysis of Hollis Frampton's Palindrome; and how to construct five types of filmic palindromes
INTERVIEWS
William C. Wees, An In terview with Mailyn Brakhage. Concerning "The Domain of Aura"
Tina Takemoto, Towards a Butch Poetics. A Conversations with Jenni Olson
IN MEMORIAN
Alfred Guzzeti, Chantal Akerman 1950–2015
Barbara London, Shigeko Kubota 1937–2015
Books Received


The Joy of Life (2005) Jenni Olson
The Royal Road (2015) Jenni Olson

20 de abril de 2016

Apología/Antología. Recorridos por el vídeo en el contexto español – DVD




A partir de una iniciativa de la distribuidora HAMACA, la editorial Cameo edita un pack de 5 dvds y un libro titulado Apología/Antología que propone un recorrido por la videcoreación española. Esta ambiciosa publicación consta de 88 piezas, 950 minutos de revisión antológica que abarcan cincuenta años de producción videográfica desde el ámbito artístico. Todos los trabajos incluidos han sido seleccionados por una serie de especialistas en la materia que han articulado cinco propuestas distintas y complementarias sobre el vídeo de apropiación, el vídeo político, el vídeo performático, el vídeo conceptual y el vídeo documental. Desmontaje, apropiación y fuentes de archivo (Eugeni Bonet); Ecografías de lo político: video, movidas y post-poéticas (Arturo Fito Rodríguez Bornaetxea); Edición carnal: producción cuerpo-sexo-género en el vídeo (Aimar Arriola); Vídeo conceptual: un recorrido por aproximaciones, posibilidades y contradicciones (Neus Miró) y Basado en imágenes reales: movimientos a la contra en el vídeo español (Gonzalo de Pedro) son todos los enunciados y los títulos de los artículos del libro que vehiculan el listado de obras En breve se finalizará un proyecto virtual paralelo que consiste en la creación de una página web que propone un modo interactivo de acercarse a este laborioso proyecto de arqueología audiovisual.


Going Through Languages (1981) Eugènia Balcells
Atlanta (1986) Pedro Garhel
Basenrein (2003) Tere Recarens
Mi sexualidad es una creación artística (2011) Lucía Egaña

18 de abril de 2016

Bruce Conner: It's All True – MoMA


Crossroads (1976)

A partir del 3 de julio el MoMA de Nueva York expone la obra del artista norteamericano Bruce Conner. It's All True es el ingenioso título que los comisarios han escogido para representar un amplio recorrido por las artes plásticas y los medios de comunicación de masas utilizados en 250 obras realizadas a lo largo de cincuenta años de carrera. Assemblages, dibujos, pinturas, collages, fotografía, fotogramas, vídeos y, evidentemente, películas, conforman una exposición cuyo punto de partida es la credulidad respecto a los documentos fotográficos y filmográficos acontecidos en la segunda mitad del siglo XX. Bruce Conner (1933–2008) está considerado el padre del cine de found footage gracias a películas como A MOVIE (1958), un título que establece una narrativa inusual mediante el reciclaje de fragmentos fílmicos de naturaleza dispar. La muestra profundiza en los objetos escultóricos, unos assemblages de carácter siniestro, ligados al Junk Art y al Funk Art de la escena artística de finales de los años cincuenta en California. Las obras derivadas de su trabajo fílmico con el concepto de apropiación es otro de los ejes principales desarrollados por Stuart Comer y los demás comisarios artífices en una más que recomendable propuesta expositiva.


A MOVIE (1958)
Report (1967)

15 de abril de 2016

Alchemy Film and Moving Image Festival


Abandoned Genrations (2015) Linda Fenstermaker

Desde el jueves 14 y hasta el domingo 17 de abril se celebra una nueva edición del Alchemy Film and Moving Image Festival en la población de Hawich, Escocia. Altered State es el concepto que engloba una programación que este año exhibe decenas de trabajos destacados de artistas internacionales de la imagen en movimiento. Una serie de instalaciones; dos propuestas de cine directo; un conjunto de largometrajes (entre los que se incluyen la última obra de Leighton Pierce); una sesión titulada What Future? presentada por Emmanuel Lefrant de Light Cone; otra llamada Science & Cinema a cargo de Serge Dentin; una muestra de piezas de Vivienne Dick y Maryan Tafakory y otra dedicada al festival Experiments in Cinema presentada por su director Bryan Konefsky forman parte de unas proyecciones en las que también se hallan las tres sesiones del ciclo Altered State. En este enlace se puede descargar el PDF con toda la programación de un festival que aplaude tanto la videocreación como la experimentación fílmica en celuloide.


White Ash (2015) Leighton Pierce
Landfill 16 (2011) Jennifer Reeves
Synesthesia (2009) Terri Timely
Red Moon Rising (2015) Vivianne Dick

11 de abril de 2016

The Flicker – Tony Conrad




El artista norteamericano Tony Conrad falleció el pasado 9 de abril a la edad de 76 años. Conrad fue una de las figuras clave de la escena experimental neoyorquina de finales de los años sesenta. Entre las múltiples disciplinas artísticas con las que se involucró destacan su práctica musical –como su vínculo con la Velvet Underground– y sus propuestas fílmicas –entre las que sobresalen la abstracción óptica que es Straight and Narrow (1970) y la película pionera del efecto parpadeo, una de las cumbres del cine estructural, titulada The Flicker (1966)–. La reseña de este filme que sigue a continuación, escrita por un servidor, tanto en inglés como en castellano, se publicó en el libro Xcèntric. 45 películas contra dirección editado por el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona en 2006.

The Flicker (1966) Tony Conrad. Estados Unidos. 30 min. 16 mm, b&w.

English version:

An opening text warns of the possible consequences that may arise during the viewing of the film; from symptoms of weakness to epileptic attacks. This Warning is preceded by a Tony Conrad Presents linked to the title, The Flicker, all of this in superimposed letters with a fine line and a Pop Art aesthetic, letters that are difficult to read. Following this prelude, the light of the projector turns into the screen’s main and only protagonist, once the transparent celluloid gets going. The timid appearance of a few black film frames produces the first flicker effects, whose cadence will progressively increase during the projection until giving rise to disturbing and incessant half-hour stroboscopic effect that the human eye can scarce assimilate.
With no tools other than light and the lack of it –white frames and black frames– the film becomes a perfectly calculated, rhythmic composition of flashes of light that blur one’s sight but stimulate one’s mental reception. By having an impact on the retina and assaulting the viewer’s visual capacities, Tony Conrad posits a perception of a neuronal kind intimately linked to his studies of the physiology of the nervous system. Pastel shades may precede violent bursts of color articulated by an infinity of variable forms, generally abstractions governed by axes of symmetry, which differ according to the viewer and relative to each new screening. “Most of the details, most of the impact, most of what people find in it, what they take away with the, from having watched the film, wasn’t there, was conjured up only when they watched this film: it didn’t exist before, it doesn’t exist on film, it wasn’t on screen”. (1) The white noise of what might be the amplified sound of a film projector closes the hypnotic circle with a bewildering electronic soundtrack reinforced by juxtapositions of buzzing in crescendo.
In its a priori sight-related neutrality, without concrete visual motifs or tangible psychological meanings, The Flicker is set, within structural film, in the fascinating space of possibility and neuronal probability.

(1) Mekas, Jonas, interview with Tony Conrad in Movie Journal. The Rise of a New American Cinema, 1959-1971. New York: The Macmillan Company, 1972. p. 232.

Versión en español:

Un texto inicial advierte de las posibles consecuencias que puede producirse durante el visionado de la película; desde síntomas de flaqueza hasta ataques epilépticos. Este Warning viene precedido por un Tony Conrad Presents encadenado con el título The Flicker, todo ello en unas letras superpuestas de trazo fino y estética Pop Art, de difícil lectura. Tras este preludio, la luz del proyector se convierte en la protagonista absoluta de la pantalla, una vez traspasado el celuloide transparente. La tímida aparición de algunos fotogramas negros produce unos primeros parpadeos, cuya cadencia aumentará progresivamente a lo largo de la proyección, hasta dar lugar a un turbador e incesante efecto estroboscópico de media hora, apenas asimilable por el ojo humano.
Sin más herramientas que la luz y la ausencia de ésta –fotogramas blancos y negros– el film deviene una composición rítmica, perfectamente calculada, de destellos lumínicos que nublan la vista pero estimulan la recepción mental. Impactando la retina y agrediendo la capacidad visual del espectador, Tony Conrad propone una percepción de carácter neuronal íntimamente relacionada con sus estudios sobre la fisiología del sistema nervioso. Tonalidades de colores pastel pueden preceder a violentos cromatismos articulados por infinidad de formas variables, generalmente abstracciones regidas por ejes de simetría, que difieren en función de cada espectador y de cada nueva proyección. “La mayor parte de los detalles, del impacto, de lo que la gente encuentra en el film, lo que se llevan con ellos después de haberlo visto, no existía; sólo se conjuró en el momento en que vieron la película, nunca existió antes, no estaba en la pantalla”. (1) El ruido blanco de lo que podría ser el sonido de un proyector cinematográfico amplificado cierra el círculo hipnótico con una banda sonora electrónica aturdidora, reforzada por yuxtaposiciones de zumbidos in crescendo.
En su, a priori, neutralidad visiva, sin motivos visuales concretos ni significados psicológicos tangibles, The Flicker se sitúa, dentro del cine estructural, en el fascinante espacio de la posibilidad y la probabilidad neuronal.

(1) Mekas, Jonas, entrevista a Tony Conrad en Diario de cine. El nacimiento del Nuevo Cine Americano. Madrid: Fundamentos, 1975. p. 303.


8 de abril de 2016

ARES – Archivo y estudio crítico de las prácticas artísticas audiovisuales (vídeo expandido) en el arte español. Identidad y nuevos medios


Video is television? (1989) Antoni Muntadas

ARES es el nombre de un nuevo archivo online dedicado a exhibir, debatir y reflexionar sobre las prácticas artísticas contemporáneas españolas centradas en la producción audiovisual. Archivo y estudio crítico de las prácticas artísticas audiovisuales (vídeo expandido) en el arte español. Identidad y nuevos medios es el enunciado de un proyecto de investigación desarrollado por la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, configurado a través de un archivo formado por decenas de vídeos producidos entre finales de los años setenta y la actualidad. La doctora Ana Martínez-Collado es la principal investigadora de una tarea que cuenta un amplio equipo de investigación formado por decenas de colaboradores que defienden "la producción artística, tanto como manifestación de la diferencia y del olvido como de la voluntad de transformación y de hacer visibles las reivindicaciones de la experiencia". Decenas de cineastas, videocredores, realizadores, documentalistas, animadores y artistas plásticos quedan representados en un archivo in progress diseñado con la voluntad de fomentar el diálogo y el discurso crítico. Valga como ejemplo la inclusión de Devenir vídeo (adiós a todo esto) (2004-05) de Gabriel Villota, un ensayo que pone sobre la mesa la problemática de la videocreación nacional, hilvanada a base de entrevistas a creadores que analizan la posición del medio videográfico en las prácticas culturales. Antoni Abad, Eugènia Balcells, Eugeni Bonet, Cecilia Barriga, Julián Álvarez, Ignasi Aballí, Jordi Colomer, Marcelo Expósito, Isabel Herguera, Antoni Muntadas, Francisco Ruiz de Infante y Virgina Villaplana son algunos de los artistas participantes.


Devenir vídeo (adiós a todo esto) (2004-05) Gabriel Villota
For/against (1983) Eugènia Balcells
Encuentro entre dos reinas (1991) Cecilia Barriga
La voz humana (1997) María Ruido
Thanks Burroughs (2005-12) Carlos TMori
Interviewing objects #1: Reloaded (1997-2008) Eulàlia Valldosera
Las cosas simples (1993) Francisco Ruiz de Infante