17 de abril de 2021

Found Footage Magazine – Número #7



La revista Found Footage Magazine publica un nuevo número, el séptimo, que incluye un dossier dedicado a la obra de Christoph Girardet y Matthias Müller. Desde 1999 el dúo alemán realiza una obra cinematográfica sustentada en el reciclaje audiovisual. A lo largo de casi treinta films los dos cineastas han reconsiderado los materiales fílmicos apropiados para revelar nuevos razonamientos enunciados mediante montajes precisos. El misterio que trasmiten con sus piezas deriva del hecho de buscar lo ominoso en las imágenes reutilizadas. Mientras lo hacen interrogan tanto la naturaleza cinematográfica de los materiales reutilizados como la historia que las atraviesa. Un apartado de ensayos, otros de artículos y entrevistas, una sección de reseñas de libros, la colaboración del cineasta mejicano Ernesto Baca y una serie de piezas artísticas completan una publicación dirigida por César Ustarroz que se puede adquirir en este enlace.

SPECIAL ON CHRISTOPH GIRARDET & MATTHIAS MÜLLER
A Haunted House: The ominous abodes of Christoph Girardet and Matthias Müller, by Matthew Cole Levine
Personne : The disappearance of the white man, by Catherine Russell
Fenestra Rotunda: A score of notes and memories following the viewing of Girardet & Müller’s Meteor, by Stefano Miraglia
A Conversation with Christoph Girardet & Matthias Müller, by Alejandro Bachmann

ESSAYS
Hitching a Ride to Heaven: The confessional as found footage, by Clint Enns
Abbas Kiarostami’s Final Frame—an elegy, by Scott MacDonald
Retracted Cinema, by Peter Freund
Being (or Seeming to Be) Center Stage, by Jonathan Rosenbaum

ARTICLES & INTERVIEWS
More Is More: Paul Cronin’s A Time to Stir, by Scott Macdonald
Artavazd Pelechian’s La Nature: When cinema writes disaster, by Anna Doyle
Just Don’t Think I’ll Scream: A conversation with Frank Beauvais, by Nazaré Soares
Secrets as Surfaces: Prayers in memory of two American filmmakers, by Pablo Marín
When Forever Dies: An interview with Peet Gelderblom, by Joshua Wille

BOOK REVIEWS 
Absence in Cinema: The art of showing nothing, by César Ustarroz
Justin Remes. New York: Columbia University Press, 2020 
Film and Art After Cinema, by César Ustarroz
Lars Henrik Gass. Zagreb: Multimedijalni institut, 2019

DÉMONTAGE: ATRAPADO EN EL SUEÑO DE OTRO
by Ernesto Baca

ARTWORKS
by John Baldessari, Lola Dupre, Jean-Jacques Martinod, Audrey Jeamart, Miriam Tölke, Bill Noir, Monique Vettraino.



23 de febrero de 2021

Marte: abstracción cálida, fricción científica


Spheres (1969) Norman McLaren


El color de la superficie del planeta más cercano a la Tierra es uno de sus rasgos más característicos. De todos modos, las tonalidades rojizas pertenecientes al óxido de hierro siempre han sido percibidas desde la lejanía. Esta distancia, reducida ilusoriamente gracias al avance incesante de las invenciones ópticas, impide un conocimiento sobre el terreno que, simultáneamente, fomenta la elucubración. La creación artística es un terreno apto para la imaginación astronómica y el cine unas de sus disciplinas más recurrentes. Dejando de lado el género de la ciencia-ficción, es en el ámbito de la experimentación fílmica donde se exploran formalizaciones que, mediante imágenes galácticas y sonidos interestelares, transmiten visitas físicas a Marte. Son animaciones adscritas a la música visual y piezas que despliegan efectos especiales sin tener en cuenta la narración.
 
Science Friction (1959), Stan Vanderbeek, 10'
Intentar acercarse al planeta rojo equivale a invertir en herramientas tecnológicas que permitan obtener datos objetivos sobre su idiosincrasia. Durante la carrera espacial protagonizada por Estados Unidos y la antigua URSS en el contexto de la Guerra Fría, la rivalidad entre las posturas de sus dirigentes alcanza tintes paródicos en las animaciones de recortables de Stan Vanderbeek.

Test I (1971), Józef Robakowski, 5'
En una cinta sobreexpuesta de película de 35mm el polaco Józef Robakowski realiza un conjunto de perforaciones de diferentes tamaños. Los círculos resultantes aparecen intermitentemente, sincronizados a notas de percusión, dejando una rastro lumínico apenas perceptible. El filme sugiere tanto la inmensidad de la Vía Láctea como las presencias esféricas de planetas y satélites.
 
Próba (1971), Józef Robakowski, 2'
Próba es un experimento de interrupción musical aderezado con pasajes homogéneos de tono rojizo. Interviniendo la continuidad de un tema para órgano de Johann Sebastian Bach, el cineasta genera una pieza visualmente abstracta donde las melodías entrecortadas acompañan zonas oscuras y los tramos rojos constan de silencio absoluto.
 
Stellar (1993), Stan Brakhage, 2'
La riqueza visual de cualquier galaxia queda sugerida en Stellar con manchas de colores translúcidas y puntos lumínicos que se yuxtaponen velozmente entre sí, fundiéndose constantemente. Es un film pintado a mano directamente sobre la emulsión que, refotografiado microscópicamente, gradúa la aceleración de sus imágenes evocando nebulosas, cúmulos estelares y polvo cósmico.
 
LYLS: Undertone Overture (2013), Jodie Mack, 10'
Empleando una técnica de tintado de tejidos como el tie-dye, consistente en anudar piezas de ropa y teñirlas para conseguir efectos cromáticos en espiral y círculos concéntricos, la norteamericana Jodie Mack propone una pieza abstracta de texturas y degradados. El ritmo frenético que pauta la variedad de colores, queda sincronizado a unos ambientes sonoros indefinidos. Todo ello parece invocar el cosmos.
 
Spheres (1969), Norman McLaren, 7'
Fobos y Deimos son los nombres de los dos satélites de Marte. El primero tiene forma irregular y presenta una órbita desacelarada respecto al planeta que rodea; el segundo recorre una órbita casi circular desarrollada en sincronía. En Spheres el canadiense McLaren colabora con el animador holandés René Jodin para crear una escenografía interestelar ocupada por esferas metálicas cuyos desplazamientos recuerdan los avances sistemáticos de los cuerpos celestes que giran alrededor de los planetas.

La Plage (1991), Patrick Bokanowski, 12'
Los dos casquetes polares de Marte parecen estar formados en su mayor parte por agua, sin embargo los datos continúan siendo contingentes. En La Plage el cineasta francés Bokanowski emplea trucajes y efectos especiales que distorsionan las imágenes filmadas convirtiendo un escenario exterior común –una playa– en un escenario onírico que parece imaginar la superficie del planeta rojo y el hecho de aproximarse a ella mediante telescopios y otros aparatos astronómicos.

Book of Mirrors (2002), Joost Rekveld, 12'
El cineasta e ingeniero holandés Joost Rekveld ignora las lentes del objetivo de las cámara para producir imágenes que huyen de la perspectiva tradicional. En Book of Mirrors utiliza espejos y caleidoscopios para originar ondas de luz que reposan directamente sobre la emulsión. El resultado detecta la geología marciana con sus campos de dunas mecidos por el viento. La composición electroacústica de Rozalie Hirs incrementa la sensación de presenciar una inquietud vertiginosa.

William Kentridge: Dibujando ideologías, animando resistencias

Blanket Statement #2: All or Nothing (2013) Jodie Mack


Partiendo del dibujo a carboncillo, el artista sudafricano William Kentridge investiga la riqueza de las imágenes operando desde su transdisciplinariedad. Desde la ciudad de Johannesburgo construye una obra gráfica, fílmica, escénica y multimedia que enfatiza tanto el ilusionismo mágico del cine como el testimonio de conflictos políticos y problemáticas sociales de la historia de su país. Elaborada en paralelo a la exposición «William Kentridge. Lo que no está dibujado», esta playlist confecciona un itinerario que visualiza el encaje entre las técnicas de animación experimental de carácter artesanal y los trasfondos ideológicos que transmiten los contenidos de las películas.

Fome (1972) Carlos Vergara, 5'
El hambre, este problema endémico de ciertas zonas del planeta como buena parte del hemisferio sur, protagoniza esta pieza. Filmada para denunciar la pobreza de los años setenta en Brasil, Vergara escribe la palabra FOME (hambre) con granos de alubias blancas que se desenvuelven como una animación de plantas esplendorosas, inusualmente mágicas.

Música per a perplexes (2001) Laboratorium, 4'
Estampas metafísicas que sugieren soledad, absurdidad, pérdida, tristeza, desencanto y llanto. Diez fragmentos breves de temas creados por compositores reconocidos de música clásica son el acompañamiento sonoro de animaciones con rasgos de ilustración. Son diez situaciones inquietantes con las que Laboratorium (Laura Ginès y Pere Ginard) evocan el miedo, la individualidad y la alienación de la sociedad contemporánea.

Blanket Statement #2: All or Nothing (2013) Jodie Mack, 2013, 3'
La cineasta norteamericana Jodie Mack trabaja la animación teniendo en cuenta las posibilidades del fotograma único. Filmando y grabando imágenes individuales seguidas de otras muchas presentadas aceleradamente es como desarrolla piezas que incluyen centenares de encuadres de tejidos de lana de colores. Esta animación recuerda la elaboración de los tapices de las series The Nose de Kentridge.

En la colonia penitenciaria (2011) Marcel Pié y Dani Pitarch, 6'
Este ensayo sobre el cuerpo, inspirado en el cuento homónimo del escritor checo Franz Kafka, es también un estudio sobre el dibujo. A través de la animación tipográfica del texto y la catalogación minuciosa de ilustraciones científicas, Pié y Pitarch exponen un relato que visualiza aparatos y mecanismos de control, mientras reflexiona sobre el rostro y el dolor.

Déjeuner du matin (1974) Patrick Bokanowski, 11'
Con este desayuno matutino en una casa de campo, el cineasta francés Patrick Bokanowski transforma las convenciones domésticas de este ritual para elucubrar un conjunto de escenas expresionistas que producen claustrofobia. El tono desolador que se respira en esta animación, acrecentado por su dimensión pictórica, viene dado por lo tedioso de la repetición y la incomunicación.

Ilha das flores (1989) Jorge Furtado, 13'
El brasileño Jorge Furtado crea una parábola profundamente crítica con el sistema capitalista a partir del recorrido de un tomate. El origen y el devenir de este producto alimentario se usa como pretexto para elaborar un ensayo audiovisual donde las imágenes y la voz en off denuncian una situación que parte de la ironía y alcanza la irritación. La técnica del collage puntúa, de modo humorístico, un tramo inicial que documenta pedagógicamente el sinfín de contradicciones existentes en la sociedad.

NS Trilogie – Teil II: Gefühl Kazet (1997) Linda Christanell, 13'
El estigma causado por el nacionalsocialismo en su propia vida cotidiana es el objeto de estudio de Linda Christanell en este film. Recuperando la imaginería nazi y la figura de Hitler, la austríaca cuestiona los trazos fascistas existentes en la actualidad. Como Kentridge con la revisión de la segregación racial durante el Apartheid, Christanell reivindica evitar el olvido.

15 de enero de 2021

La resistencia íntima. En torno a cuatro films de Eugènia Balcells



Boy Meets Girl (1978)

La creación artística es un modo de resistencia, uno que puede concentrase en la intimidad, la familiaridad y la proximidad sin dejar de abrazar lo desconocido. En el cine de Eugènia Balcells esta resistencia íntima se sitúa entre el recogimiento y la expansión, entre la necesidad de cobijo y el deseo de descubrimiento. Identificar los rasgos memorísticos que identifican el pasado familiar; experimentar el vínculo amistoso que emerge durante la propio proceso creativo; tergiversar lúdicamente los mensajes visuales de los medios de comunicación, son gestos presentes en películas que parten de lo personal para dirigirse hacia lo universal. En este itinerario que va de lo íntimo a lo público, interrogar la normatividad a la que tiende la televisión, la publicidad y el cine comercial permite articular un discurso crítico cuya concreción fílmica incluye el juego y la experimentación formal.

La práctica cinematográfica de Eugènia Balcells (Barcelona, 1943) empieza a mediados de los años setenta mientras crea obras multidisciplinares que contribuyen a cuestionar la sociedad de consumo y el mercado del arte. Sirviéndose de la apropiación, la artista explora diferentes áreas –pintura, fotografía, diseño, instalación, cine, vídeo– cuestionando la esencialidad que supuestamente define cada una de ellas. En su obra objetual colecciona materiales que, desplegándose bajo asociaciones estéticas singulares, devienen construcciones semánticas inspiradas por el arte conceptual de la época. Es en el contexto de la desmaterialización de la obra de arte de la Cataluña de principios de los años setenta cuando Balcells se da a conocer. Las manifestaciones fílmicas de artistas procedentes del Grup de Treball –Francesc Abad, Muntadas, Àngels Ribé, Pere Portabella, etc.– señalan la importancia de la imagen en movimiento en el contexto artístico. En el artículo “Anotaciones en torno a vídeo y feminismo en el estado español” Susana Blas explica: "desde finales de los años setenta el vídeo comienza a utilizarse por parte de las artistas conceptuales españolas que ya se servían del cine experimental para documentar sus acciones o para explorar la imagen en movimiento. Entre ellas podemos citar a Esther Ferrer, Fina Miralles o Eugènia Balcells". Las ideas y las actitudes artísticas elaboradas por Balcells tienen otro punto de anclaje determinante: el pensamiento del norteamericano John Cage. Razonando sobre la influencia que tuvo para ella conocer la obra y el ideario del compositor musical, la cineasta explica: "de repente, al ampliar esta concepción del sonido, a lo mejor por analogía, también se me ampliaron otros sentidos y la capacidad de comprensión; fue casi una sensación física de expansión, de notar que se te abren todas las puertas y las ventanas que hasta entonces habían estado cerradas".


Álbum (1976)

En Álbum (1976) las notas de un piano melancólico y la voz en off de Eugènia Gorina, la abuela de la artista, son el apartado sonoro de un montaje hecho de postales, fotografías y fragmentos de textos. El film, originado tras el encuentro de un álbum familiar, plantea un viaje al pasado más íntimo y cercano. Rememorar los seres queridos mediante la lectura epistolar implica recordar unas formas de comunicación pasadas que evidencian la nostalgia. La evocación del universo femenino se destila a través de pronunciaciones verbales y registros caligráficos de postales re-encuadradas. Este (des)montaje de detalles de mensajes pone en evidencia tanto la memoria y el recuerdo que atesoran como el olvido que conllevan. Retazos manuscritos se intercalan con fotografías de la época en una operación de recuperación genealógica que desvela la construcción de cierto estereotipo femenino. En Boy Meets Girl (1978) se expone la arbitrariedad de las relaciones heterosexuales vendidas por la publicidad y lo insubstancial de los arquetipos que maneja. Un conjunto acelerado de rostros femeninos y masculinos, confrontados verticalmente en una pantalla partida, quedan acompañados por el sonido de máquinas de tragaperras. Se señala así lo azaroso del encuentro propuesto. En la acumulación de retratos extraídos de diarios y revistas impresas contrastan las fotografías de mujeres anónimas, objetualizadas, con las de hombres famosos, reconocibles por su estatus social. En una conversación con Carlota Álvarez Basso, Balcells afirma que el punto de partida del film fue una interrogación: "¿qué imagen tendrían del hombre y de la mujer en nuestra época si alguien viniera y se formaran una imagen a partir de los medios de comunicación?". La pieza enlaza con Presenta (1977) y The End (1977), obras que reciclan fotogramas de largometrajes de ficción para cuestionar sus convenciones y sus happy endings. En For/Against (1983) la televisión es el objeto de atención. A lo largo de tres minutos (un solo carrete de Super 8) la artista refilma imágenes retransmitidas por la caja tonta junto al músico holandés Peter Van Riper. El flujo visual de una cadena televisiva norteamericana, con sus noticias bélicas y sus anuncios publicitarios, deviene una cascada de imágenes emulsionadas frame a frame, sonorizadas junto a una serie de citas recitadas en inglés. "Bien cuidadas, todas las criaturas prosperan. Abandonadas, todas las criaturas decaen" es la cita del filósofo chino Lao-Tzu con la que se concluye el film.


Fuga (1979)

Fuga (1979) concuerda con Álbum por el hecho de explorar las relaciones personales desde el hogar. A lo largo de veinte minutos el silencio de la banda sonora congrega una serie de planos en blanco y negro realizados con una cámara Bolex de 16 mm. Filmados sobre trípode desde un único enclave, las capturas de las doce panorámicas tienen lugar en el interior de una casa de campo de la familia de la artista. En ella se desplazan la propia Balcells y sus amigos: el cineasta y escritor Eugeni Bonet, el poeta Carles Hac Mor y Nati Ribas. La estructura predeterminada con la que se plantea el rodaje (múltiples exposiciones de paneos en 360º, rodados en un salón iluminado de modo naturalista) contrasta con la distensión y la espontaneidad que transmiten los gestos de los protagonistas. Si las constricciones formales evocan el cine estructural de Michael Snow y Werner Nekes, el registro documental testimonia el carácter espectral. Hay algo de fantasmagórico en unos cuerpos aislados que realizan acciones nimias, casi sin querer. Las figuras humanas insinúan la serenidad y el placer que supone el "dolce far niente". Fumar un cigarrillo, leer el periódico, escribir anotaciones en una libreta, jugar con un balón o usar una máquina de coser son actos que suceden entre veladuras y sobreexposiciones. Balcells explica que medir la luz con el fotómetro –para poder rebobinar y filmar de nuevo, hasta cinco veces sobre el mismo soporte fotoquímico– fue una tarea repetitiva y meticulosa a la que se entregó. Puertas, ventanas y mobiliario diverso se entrelazan a través de las duplicaciones perpetuas de sus formas. La aparición en campo de un foco artificial o el reflejo frecuente de la cámara en un espejo contribuyen a incrementar el carácter metafílmico de la película. Representar el propio proceso de creación es otro parámetro que vehicula un ensayo cotidiano sobre el espacio y el tiempo. Si los lazos familiares y la amistad son motivo de análisis en Álbum y Fuga; la resistencia a la capacidad de seducción de los medios de comunicación hegemónicos son el germen de Boy Meets Girl y For/Against. Las dos primeras hayan concomitancias con Indian Circle (1981); las segundas con 133 (1978). Estos otros dos trabajos realizados en vídeo junto a Van Riper y en 16 mm con Bonet, respectivamente, incorporan el interés de Balcells por la música y el sonido. Ampliando su reflexión sobre las connotaciones del espacio doméstico y la arqueología mediática –divulgada Richard Prelinger en escritos, conferencias y una web de referencia como archive.org– la cineasta añade cuestiones sónicas dirigidas tanto hacia la escucha del espectador como a la dimensión inmersiva del audiovisual. Es por ello que progresivamente Eugènia Balcells abandona la realización monocanal para decantarse hacia la videoinstalación y la instalación multimedia, terrenos en los que ha erigido una obra de alcance internacional. Lo atestiguan exposiciones como En trànsit (1993), Roda do tempo (2001), Freqüències (2009) y Años Luz (2012). 

Bibliografía:

Catálogo de la exposición Eugènia Balcells. Sincronías. Madrid: MNCARS, 1995. Comisariada por Claudia Giannetti

Esquirol, Josep Maria, La resistencia íntima. Barcelona: Acantilado, 2015.


The End (1977)

29 de octubre de 2020

FLUX CLUB 2020 – Sessió COVIDeo


Pandemia (2020) Carolina Cabrerizo

El lunes 9 de diciembre se organiza una nueva sesión del Flux Club en el Antic Teatre de Barcelona. "COVIDeo. Reflexions audiovisual en temps de tapar boques" es el enunciado de un programa extenso de videocreación en el que participan 25 artistas que durante el confinamiento analizan videográficamente la incerteza que provoca la pandemia y los estados de alerta que suscita. En palabras de los programadores Lis Costa y Josep M. Jordana "descubriremos reflexiones audiovisuales muy críticas, otras más estéticas, humorísticas, poéticas, filosóficas y otras íntimas y emocionales". En el listado de participantes constan Nora Ancarola, Miguel Andrés, Carolina Cabrerizo, Elena Ferrer, Lalo García / Raimon Lorda, Kikol Grau, Javier Guerra, Ramon Guimaraes, Miquel Jordà, Violeta Kokopelli, Francesca Llopis, Elisabet Mabres, Núria Manso, Gonzalo Marcuzzi, Jordi Mitjà, Rrose Present, Diana Rangel, Ana Rodríguez León, Noemi Sjöberg, Jacobo Sucari, Jordi Teixidó, Ulrich Weitzel y un servidor. En este enlace se puede consultar el programa de una sesión que contará con un coloquio final.  


Nora Ancarola
Nosaltres (part I) (2020) Nora Ancarola
Pandemia: Flores al margen / Malas Hierbas (2020) Rrose Present
Desconfinar un taller (2020) Jordi Mitjà
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Chuletas de cerdo (2020) Javier Guerra

26 de octubre de 2020

Political Advertisement X: 1952 - 2020 – Antoni Muntadas + Marshall Reese

SESIÓN ONLINE


El martes 3 de noviembre se muestra la nueva versión del trabajo Political Advertisement X: 1952-2020 de Antoni Muntadas y Marshall Reese en el cine Zumzeig de Barcelona. La proyección de la reciente edición de este work in progress iniciado en 1984 coincide con las elecciones estadounidenses al Parlamento, una jornada electoral en la que Joe Biden espera desbancar la presidencia a Donald Trump. Marcelo Expósito y un servidor presentaremos un proyecto audiovisual que revela las transformaciones sufridas por las estrategias audiovisuales publicitarias respecto a las lógicas de persuasión y los mecanismos ideológicos que amagan.  

"Durante 35 años, los artistas Antoni Muntadas y Marshall Reese han recopilado anuncios televisivos de campañas presidenciales. Y cada año electoral, publican su antología actualizada. Reproducidos en orden cronológico y sin comentarios, los anuncios se convierten en un coro del patriotismo, el partidismo y el miedo de la nación. Comenzaron el trabajo en 1984, recopilando anuncios de campaña del actual presidente Ronald Reagan y del ex vicepresidente demócrata Walter Mondale. Hoy, la película abarca desde la década de 1950 hasta las elecciones de 2020".




7 de octubre de 2020

Más allá del canon. Otras historias del cine experimental – Aula Xcèntric 2020


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Killer of Sheep (1978) Charles Burnett

Xcèntric organiza un nuevo curso de su Aula con un conjunto de sesiones dedicadas a debatir el canon del cine de vanguardia y experimental. Más allá del canon. Otras historias del cine experimental es el enunciado de un programa de conferencias diseñado para revelar acercamientos no hegemónicos a estas prácticas fílmicas. Poner en tela de juicio aquello que hasta la fecha se ha promovido como la historia del cine experimental es uno de los objetivos de unas sesiones en las que "desplazaremos el foco hacia los márgenes de este canon, como el cine hecho por mujeres, el producido en África o en el Pacífico asiático, o películas anónimas". A lo largo de octubre, noviembre y diciembre de 2020 tendrán lugar las siguientes ponencias del Aula Xcèntric 2020:

27.10.2020 "Derribar estatuas. Pensando una contrahistoria del cine experimental". Érik Bullot
03.11.2020 "Contar la historia (del cine) de las mujeres. Alumnas de Dirección en la Escuela Oficial de Cinematografía". Sonia García López 
10.11.2020 "We, Ourselves and Us. El Essential Cinema y sus consecuencias". Albert Alcoz
17.11.2020 "Cines africanos y de su diáspora: ampliando el canon desde la imaginación radical negra". Bea Leal 
24.11.2020 "Micropolíticas y canonicidad en la vanguardia fílmica: minorías y militancias". Juan Antonio Suárez
01.12.2020 "Artefactos olvidados. Incisiones en el archivo fílmico infinito". Celeste Araújo 
03.12.2020 "Cine experimental y expansión artística en Taiwán y el Pacífico asiático". Esperanza Collado



Killer of Sheep (1978) Charles Burnett

22 de septiembre de 2020

Retracted Cinema – Xcèntric


¿Qué es lo que ves, YOLO9000? (2019) Estampa

El martes 29 de septiembre Xcèntric, el cine del CCCB, recupera la sesión titulada Retracted Cinema –que debía tener lugar el jueves 12 de marzo–. Ésta formaliza una serie de problemáticas audiovisuales donde la apropiación de imágenes en movimiento sigue patrones de edición algorítmicos. Su programador, el artista y escritor norteamericano Peter Freund, ha seleccionado un conjunto de títulos que visualizan montajes elaborados digitalmente por los propios ordenadores o dilucidados siguiendo constricciones metodológicas (que recuerdan la literatura OuLiPo) o criterios binarios que hacen pensar en sistemas de programación computacionales. El propio Freund anuncia la proyección con estas palabras:

"Este programa de retracted cinema contrasta con la lógica expansionista y anexionista del cine expandido al presentar obras que doblan sobre sí mismo el material encontrado o archivado a la manera de un origami conceptual. Los artistas utilizan algoritmos para realizar estas reediciones, que encarnan una política y una estética de la superficie no orientable.
Este programa de una hora presenta diez cortometrajes de películas experimentales centrados en la recontextualización de metraje encontrado o de archivo mediante la intervención algorítmica. Estos trabajos de retracted cinema se apartan de las prácticas consagradas del «cine expandido» por las que los materiales de la película se recontextualizan mediante la complementación y la colisión con materiales adicionales y medios extrínsecos, como la performance en vivo. En cambio, los trabajos presentados en el programa «Retracted Cinema» utilizan el propio material fílmico apropiado como lugar y medio de autorecontextualización. Los resultados se logran aplicando un conjunto de reglas o restricciones (un algoritmo) que rigen un conjunto repetible (iterativo) de transformaciones. De este modo, la concepción artística forja un puente que vincula los impulsos algorítmicos dentro de las tradiciones del cine de vanguardia, la literatura y las artes visuales, más concretamente, el détournement del metraje encontrado (cine reciclado) y un cine expandido «invertido», OuLiPo (Ouvroir de littérature potentielle) y el arte conceptual (de Duchamp a Sol Lewitt, Hanne Darboven y otros)."

17-17, Gonzalo Egurza, Argentina, 2017, 5 min 10
Home Movie Holes, Albert Alcoz, España, 2009, 3 min
Psycho 60/98, Blanca Rego, España, 2016, 6 min 30 s
Happy Again, Gregg Biermann, Estados Unidos, 2006, 5 min 10 s
¿Qué es lo que ves, YOLO9000?, Estampa, España, 2019, 4 min 50 s
Naturalezas muertas (en seis movimientos), Vitor Magalhães, Portugal, 2019-20, (versión 2), sin sonido, 8 min 39 s
Floating Point, Peter Freund, Estados Unidos, 2019, 6 min
Optical De-dramatization Engine, Barbara Lattanzi, Estados Unidos, 2015, TBD
Torvix, Eloi Puig, España, 2011-presente, TBD
Lost Footage, Kuku Sabzi, Estados Unidos, 2019, TBD.


Psycho 60/98 (2016) Blanca Rego
Happy Again (2006) Gregg Biermann
Floating Point (2019) Peter Freund
17-17 (2017) Gonzalo Egurza
Optical De-dramatization Engine (2015) Barbara Lattanzi

13 de septiembre de 2020

Trazar una constelación imaginaria (2020)



Trazar una constelación imaginaria

(2020, proyección de 80 diapositivas manipuladas y copias fotográficas)

Realizado junto a Blanca Viñas


SINOPSIS: 

Trazar una constelación imaginaria es una instalación formada por un proyector de diapositivas, una mesa de luz y una serie de copias fotográficas. Tres dispositivos visuales despliegan un conjunto de imágenes fotoquímicas que representan iconos representativas de la historia del arte pictórico. Son diapositivas extraídas de un centro educativo que, en considerarse obsoletas, han sido recicladas y manipuladas debidamente para generar un diálogo con las connotaciones artísticas de la iglesia románica de Sant Joan de Boí. La denominación starlight, que facilita contemplar detenidamente tanto la brillantez del firmamento como la oscuridad del cielo nocturno, sirven como pretexto para perfilar ausencias y presencias imaginarias. Esta pieza site specific se enmarca dentro del proyecto artístico Esperando un eclipse, un work in progress que investiga las sinergias analógicas entre las imágenes fijas y las imágenes en movimiento desde un punto de vista abstracto que remite al cosmos. 


EXPOSICIÓN:






10 de agosto de 2020

Casa de Lava 2020


O arrais do mar (2020) Elisa Celda

Entre el 13 y el 16 de agosto se celebrarán los primeros encuentros de cine Casa de Lava. El Mas Maurici de Reus (Tarragona) es el lugar escogido para desarrollar un programa de actividades que gira alrededor del cine de no ficción en un contexto particular donde lo colectivo tienen lugar. Según Valen via, el director artístico, el proyecto consiste en "rebuscar en los pliegues del cine de no ficción contemporáneo para examinar, imaginar y reconstruir el paisaje y quiénes lo habitan". En otro enlace también se define como unos "encuentros de permacultura y cine abiertos a los diferentes aspectos de la no ficción contemporánea". El programa se divide en ocho sesiones de ponentes especialmente invitados para la ocasión que sucederán en los espacios de trabajo (ERA), las proyecciones LUCIÉRNAGAS y les NITS SONORES. En este enlace se puede consultar el grueso de una programación que contará con la presencia de curadores, programadores y artistas como Garbiñe Ortega, Marta Nieto, Lluís Escartín, Adriana Vila Guevara, Andrea Morán, Nuria Cubas y un servidor. Clara Madurell y Núria Tuneu son las dos personas que completan el equipo de producción de un proyecto tutorizado por Gariñe Ortega en el marco de la Elías Querejeta Zine Eskola.


Visión intertropical (2008) Adriana Vila Guevara

Irmandade (2019) Samuel Delgado & Helena Girón

Triple exposición (2013) Albert Alcoz

11 de julio de 2020

Convocatoria HAMACA 2020


Una historia nunca contada desde abajo (2017) Regina De Miguel

HAMACA, la plataforma de audiovisual experimental dedicada a la difusión de la videocreación, el cine artístico y el documental heterodoxo de ámbito nacional, abre una nueva convocatoria para ampliar su archivo. Hasta el 20 de julio se pueden inscribir trabajos a través de este formulario. Como indican en la información publicada en la noticia de la convocatoria, "las piezas seleccionadas serán catalogadas y difundidas y distribuidas a nivel estatal e internacional por Hamaca de manera no exclusiva, pudiendo formar parte de programas de investigación o formación". Pueden participar tanto artistas individuales como colectivos con la única obligatoriedad de residir o haber nacido en el estado español.  El día 31 de julio se hará pública la resolución de una decisión configurada por un comité de selección formado por Alexandra Laudo, Tjasa Kancler y un servidor. En este PDF se pueden consultar las bases de la convocatoria.


Birds of Paradise (2003) Julia Montilla
The Future Was When? (2009) Patricia Esquivias
Como si fuera viento (2012) Alex Reynolds

3 de julio de 2020

No Hay Camino – Soy Cámara





Caminar es una forma de conocimiento, un modo de explorar las posibilidades y los límites del entorno a través del cuerpo. En el proceso de hominización, el bipedismo señaló simbólicamente el nacimiento de la especie humana y desde entonces, caminar ha sido una actividad esencial en el desarrollo y la vida de las personas. Pero la urbanización y la privatización del espacio natural dificultan la acción de caminar libremente, como también lo hacen los imperativos del rendimiento, la optimización y la productividad. No hay camino revisa algunos de los significados antropológicos, sociales y filosóficos del caminar, y pone de manifiesto las resistencias que se oponen a esta práctica en la contemporaneidad. La narración visual se construye a través de referencias videográficas y cinematográficas y, de manera especial, a partir de documentación visual de obras de arte que conciben el acto de andar como una práctica artística.

Guion, dirección y montaje: Albert Alcoz y Alexandra Laudo
Voz en off: Alexandra Laudo
Idioma: italiano, inglés, francés, catalán
Subtítulos: Castellano
Duración: 26 min.