10 de diciembre de 2017

CRANC a La Volta


I Had Been Sedulous to Take Note of Shadows (2017) Daniel Pitarch

El sábado 16 los directores del proyecto CRANC presentarán una selección de piezas en la Cúpula de La Volta de Girona, donde también se venderán los flipbooks de las diferentes sesiones. CRANC es un ciclo de proyecciones de cine y vídeo experimental que tienen lugar en la imprenta L'Automàtica del barrio de Gràcia de Barcelona. Desde mayo de 2016 mostramos el trabajo de realizadores, cineastas, videocreadores i artistas que investigan las posibilidades me los medios fílmicos y videográficos para reflexionar sobre aquello que les rodea. Blanca Rego, Dostopos, Daniel Jacoby, David Domingo, Félix Pérez-Hita, David Epiney, Lluís de Sola, Laura Ginès, Los Ganglios, Dedo Ciego y Mireia Sallarès han sido todos los participantes de una sesiones con debates posteriores que se complementan con la producción de unos flipbooks de edición limitada. Este proyecto de exhibición audiovisual está formado por Daniel Pitarch, Marcel Pié, Pepon Meneses y Albert Alcoz. Cada uno de ellos ha seleccionado una pieza audiovisual propia para formar un programa ecléctico a disfrutar dentro de la cúpula geodésica de La Volta

Proyección:

I Had Been Sedulous to Take Note of Shadows (2017) Daniel Pitarch. 9 min.
Un viaje por el latido de las vistas estereoscópicas del s. XIX y por el eco de las palabras de Walt Whitman.

La 72.024 mil·lèsima part d'un any (2008) Marcel Pié. 5 min.
Un proyecto de animación experimental centrado en la búsqueda de nuevos métodos de producción y formalización del discurso narrativo con el objetivo de encontrar formas de animar más habituadas a lo imprevisto y a los condicionantes del día a día. Con esta intención de establece una estrategia a seguir: Realizar una animación diaria de 15 fotogramas durante 365 días.

Meant to Go Viral (2017) Pepon Meneses. 5 min.
Una recopilación de las micropelículas que alimentan las redes sociales de Pepon Meneses, pensadas con el objetivo nunca resuelto de convertirse en fenómenos virales que debían dar la vuelta al mundo.

Espectro cromático (2015) Albert Alcoz. 3 min.
Un film que muestra las idas y venidas de personas en un paseo marítimo. Múltiples exposiciones y filtros de colores transforman las figuras humanas en presencias fantasmagóricas de tonalidades cromáticas variables.




La 72.024 mil·lèsima part d'un any (2008) Marcel Pié
Meant to Go Viral (2017) Pepon Meneses
Espectro cromático (2015) Albert Alcoz

6 de diciembre de 2017

Independent Eye




Independent Eye fue una publicación dirigida por el cineasta y escritor Mike Hoolbloom que empezó su recorrido a finales de 1988 y lo concluyó en el otoño de 1991. A lo largo de estos pocos años el realizador canadiense culminó la edición de cinco números –a los que se sumaron cuatro más posteriores– que se pueden descargar en formato PDF en su propia página web. Mientras trabajaba en el Canadian Filmmakers Distribution Centre, Hoolbloom recopiló materiales fílmicos de naturaleza diversa y contó con la colaboración de artistas, teóricos e historiadores del cine menos acomodaticio que sumaron sus perspectivas en una publicación impresa del todo recomendable. Peter Rose, Stan Brakhage, Al Razutis, Su Friedrich y Barbara Hammer son algunos de los muchos cineastas que participaron en una revista que dedicó un monográfico al cine de la República Federal de Alemania en verano de 1990 y otro al papel de la exhibición fílmica en las diferentes ciudades de Canadá. El gran logro de Independent Eye no fue solo analizar la actualidad del cine experimental de ese periodo histórico sino también el hecho de romper estereotipos estéticos e ideológicos atribuidos al cine de vanguardia. El papel activo de escritoras y académicas a lo largo de todos los números, así como la voluntad por incluir cines marginales de regiones escasamente representadas y prácticas videográficas infravaloradas en los circuitos de la experimentación audiovisual de trasfondo artístico, así lo indican.









20 de noviembre de 2017

CRANC #11: Mireia Sallarès



Mireia Sallarès (Barcelona, 1973) es artista y realizadora independiente de documentales, vive y trabaja entre Barcelona, Méjico DF y otras ciudades extranjeras donde desarrolla sus proyectos de investigación artística. La condición de extranjería es un registro indispensable en su trabajo. La sesión que ha preparado para CRANC incluye una revisión de la obra realizada en los inicios de su trayectoria entre el 2001 y el 2003 en Nueva York, un conjunto inédito de filmaciones en 16 mm y el visionado de una de sus primeras piezas, Mi visado de Modelo. A modo de crónica de aquello descartado como obra pero vivido con intensidad, revisitaremos los inicios de la trayectoria artística de Mireia Sallarès para descubrir unas inquietudes plenamente vigentes que la vinculan con su obra actual.

Viernes 24 de noviembre a las 20:30h
Proyección con la presencia de la artista

Mi visado de modelo (2005) 16 min.
Living without T (2002) 32 min. Filmaciones inéditas en 16 mm.

Evento en Facebook




17 de noviembre de 2017

Festival Panoràmic Granollers – La noche inventada


Blanca Viñas

Entre el 21 y el 26 de noviembre se celebra la primera edición del Panoràmic, un festival que estudia la relación entre la fotografía y el cine en la localidad de Granollers. Los diversos espacios de Roca Umbert, Fábrica de les Arts, y la sala fílmica de la Assiciació Cultural – Cineclub de Granollers son los lugares donde sucederán las diferentes exposiciones y las proyecciones. Esta propuesta artística de Albert Gusi y Fidel Balaguer cuenta con el asesoramiento de diversos especialistas en prácticas artísticas contemporáneas como son Joan Fontcuberta, Jesús Vilamajó, Joana Hurtado, Fèlix Pérez-Hita, Andrés Hispano y Laia Casanova. Entre la amplia programación destacamos la exposición Mites i màscares. L'univers creatiu d'Albert Serra a través de les fotografies de Román Yñán; una selección de cortometrajes experimentales que parten del uso de la imagen estática a cargo de cineastas como Eugènia Balcells, Chris Marker, Eugeni Bonet, Harun Farocki, Martin Arnold o Virgil Widrich; y una jornada de proyecciones de documentales bajo el enunciado La Porxada Doc. La exposición colectiva La Térmica LAB es uno de los reclamos principales por la búsqueda estética y narrativa de las piezas de los diferentes artistas participantes. Daniel Pitarch, María Sánchez, Beatriz Ruibal, Alberto Valverde, Miquel Martí y Joan Tisminetzky son algunos de los creadores que incluirán obra reciente. En esta muestra Blanca Viñas y un servidor mostraremos un versión expositiva del work in progress La noche inventada. Esta contará con una selección de fotografías, un desplegable hecho de fotogramas y un film en super 8 de 12 min. mostrado en loop, en formato digital.

La noche inventada es un proyecto transversal que vincula la fotografía y el cine bajo parámetros fotoquímicos. La fotógrafa Blanca Viñas y el cineasta Albert Alcoz son dos artistas visuales que, a la hora de reflexionar sobre estas dos disciplinas, registran escenarios exteriores del ámbito urbano, enfatizando las propiedades analógicos del medio. Revelar las consideraciones matéricas de los soportes escogidos –carretes de 35 mm, carretes de super 8– es uno de los puntos de partida de un conjunto de paseos por los escenarios de la infancia y la juventud –el barrio de la Vall d'Hebron de Barcelona–. La filmación en blanco y negro documenta una práctica fotográfica en color caracterizada por la ruptura respecto a la noción de objetividad. El uso de múltiples exposiciones i otras técnicas experimentales demuestran la voluntad lúdica de unas imágenes que, a través de la multiplicidad de puntos de vista, sugieren aquello inefable de la memoria personal.






Blanca Viñas

10 de noviembre de 2017

Listening to the Space #01: Peter Rose


The Man Who Could Not See Far Enough (1981) Peter Rose

Listening to the Space is the title of a new series of collaborations with different filmmakers, concerning the ideas and practices around the sound of theirs films. The header of this section makes reference to a film by Robert Beavers named Listening to the Space in My Room (2003) where the sound recording is entirely relevant.

The North American filmmaker Peter Rose is the first who has decided to exchange thoughts about the process of creating and arranging the soundtracks of some of his pieces, in this case two of his most known films: Analogies: Studies in the Movement of Time (1977) and The Man Who Could Not See Far Enough (1981). Since 1968 this artist has been creating over thirty moving pictures, videos, installations and performances. To deal with the idiosyncrasies of time, space and light –through sound and moving images– has been one of the major themes of works that also include mathematics and language issues, as well as oblique strategies and structural film inspirations. His intellectual point of view and sarcastic humor make him one of the great filmmakers of avant-garde cinema. Since today he has been able to produce a rich body of work on video, a medium he continues to investigate through pieces like 6D for Google (cardboard) Glasses (2016).

The french label Re-Voir released a DVD compilation of some of his films under the title Analogies. His vimeo channel is an awesome resource of digital versions of incredible conceptual procedures and formal solutions, deeply stimulating for the viewer and the listener.


Analogies: Studies in the Movement of Time (1977) Peter Rose

Peter Rose:

I’ll offer some general thoughts about the thinking behind, the genesis of Analogies: Studies in the Movement of Time (1977) and The Man Who Could Not See Far Enough (1981).

I’ve always been impressed by music as a model for organizing events in time and my first films were efforts to try to embody musical thinking in the structure of the work. Incantation (1970), for example, plays with a complex form of rhythmic polyphony and was inspired by both my own experience as a hand-drummer and by elements of Baroque music, Bach in particular. I found, however, that there were limits to the approach –there were only so many levels of superimposition that might be readable, and so settled on a kind of visual canon, juxtaposition rather than fusion, as an organizational solution–. This required the invention and construction of an insanely complicated optical printer that allowed me to integrate images in a more controlled way, and Analogies (1977) was a second attempt to try to understand the laws of this new format. The first attempt was shot in 8mm and ended up in a film called Studies in Diachronic Motion (1975). (This was all inspired, too, it must be said, by a vision I had while on my first LSD trip in 1965 during which I observed a Japanese couple making love in the thousands of tiny spaces between the weaves of a napkin; their motions were displaced in time and I was transfixed by the whole experience, vowing to try to find a way to capture the experience. Ten years later I was able to do this…)

It seemed logical, in this context, to turn to musical form for the sound as well, and to try to echo the rhythmic understructure of the image with a similar configuration of sounds. I had been much impressed by a series of lectures presented by Slavko Vorkapich at the Museum of Modern Art in New York City in the sixties, during which he talked about the “kinaesthetics” of the medium. I saw sound as a means (perhaps the more important) along with image, of provoking a muscular, as well as visual/intellectual/verbal, response. And, too, many of my generation were inspired by Phillip Glass, Harry Partch, and Steve Reich, as well as by the work of those exploiting tape recorders to construct new kinds of sonic experience.

So, in Analogies you’ve the sound of the optical printer, an empty hallway, a drum, an automobile engine slowed down, a developing tray struck and slowed down, piano strings being struck, and what purports to be synch sound (footsteps) but which was actually post-dubbed. These are all percussive in nature and intrigued me by virtue of the way a vernacular source could give rise to something “mysterious and strange.” (Prospero’s words in The Tempest) Indeed this has animated much of my work, particularly in the more recent The Indeserian Tablets (2014).


The Man Who Could Not See Far Enough (1981) Peter Rose

On to The Man Who Could Not See Far Enough. Having figured out the basic laws that characterized “diachronic motion” I then wanted to apply these to the articulation of something more personal, more poetic, and more evocative, and so I tried to assimilate the approach to a grander ambition.

"The Prologue" is interesting. I had written the text while traveling in the Caribbean in the late sixties and liked the way it seemed to apply to the game of hide and seek being played by the shadow of the car. I tried narrating it in English but found it hideously dull and thought that perhaps a voice speaking another language might bring a little gravitas and register to the occasion. It seemed arbitrary to settle on any particular tongue and so I thought I’d invent a language for the occasion. Several weeks of improvisatory articulation led me to develop a kind of right-brain talent for riffing in what sounded like a language. And so I “translated” each line into what sounded like it might be a semantic equivalent, taking cues from the etymology and rhythm of the English utterance. (I later exfoliated this approach into a much more complex investigation called Secondary Currents (1982)…).

Moving on: the second section, titled “One”, actually, is a visual representation of what I understand to be “klangfarbenmelodie”, tossing around a melodic idea between different instruments. Here the landscape is, in effect, tossed around by the force of Time –we see a consistent subject but it has been refracted by weather and time of day–. (This particular section took me a year to make; I composed and executed many different scenarios but this was my favorite). The melody here, too, is tossed around between different instruments so there is a fairly literal relationship between sound and image.

“Two” is pretty self-explanatory, although it is fun to note that the sound of impacts, made occasionally throughout the film as if they were made by cars hitting struts on the bridge, was actually made by dropping a chair on a bare floor and adding a little echo. Too, the voice moves from a vaguely interior space throughout most of the narration and out into an exterior soundspace at the end.


The Man Who Could Not See Far Enough (1981) Peter Rose

“Three” was shot during total solar eclipse of the sun. I’ve seen three eclipses and they are so totally overwhelming that it is difficult to shoot in any objective way. This particular event took place off the coast of Mauritania when I was on a boat with a bunch of astronomers who also wanted to observe the event. I wanted to document the way the sky changed, rather than concentrating on the details of the eclipse itself. That was, I thought, the source of the power of the moment. The multiple image is directly inspired by the music of Steve Reich insofar as it devolves upon unpredictable structures that arise when predictable cycles of different lengths are juxtaposed. It starts out seeming to be completely ordered, but then it seems chaotic, and then it returns to another kind of order –like a sign being given–. This is all the consequence of the algorithm I used to construct the compound image. But the sound is actually generated by my voice –I thought of it as the “sound of light”–.  The screams of the astronomers were recorded on location during the event.

Part "Four" is too complex to be described verbally. Suffice it to say that we see a hemisphere of space that revolves, like a kind of astronomical instrument, and which presents us with an perfectly coherent image of the sky and yet a fractured and fragmented image of the viewer. And yet there are no cuts…. Sound was made by recording running water and slowing it down.

Finally, part "Five" is pretty self-explanatory. As backstory, I’ve climbed around ten bridges, most without permission, and thought it would be fabulous (taking the term in its original meaning) if I could climb the most iconic bridge in North America. I had originally been given permission to go up in November, and had intended to go up to the first tower only, but the weather was bad and, in the interim, I realized that I had to cross the whole bridge if it was to be about “passage” rather than “conquest.” The final image is modeled on Peter Bruegel The Elder’s Landscape with the Fall of Icarus (1555), wherein the protagonist is so small as to be almost invisible. The track was taken from Ornette Coleman’s Skies of America (1972), but I superimposed the music over itself with a one measure delay, trying to suggest an immense space through sound and resonating with some of the thinking, certainly, behind Analogies. When I showed it, upon a fortuitous occasion, to Ornette Coleman he summarized the film in the most marvelous way. He said:

“I see what this film is about…..It’s about the Open”.

In all of this I’ve been immensely impressed and inspired by the work of many: Michael Snow, Peter Greenaway, Steve Reich, Phillip Glass, Hollis Frampton, Harry Partch, Sid Caesar and Maya Deren.


Analogies: Studies in the Movement of Time (1977) Peter Rose

1 de noviembre de 2017

Señales de representación – Hamaca / White Frame / Lo Pati


A Dial M for Mother (2009) Eli Cortiñas

El sábado 11 de noviembre el centro de arte Lo Pati de Amposta acoge la sesión "Señales de representación", una colaboración entre Hamaca y White Frame presentada por quien esto suscribe. El texto que sigue a continuación explica la propuesta de curadoría compartida y puntúa algunos de los rasgos principales de los trabajos incluidos:

La plataforma artística White Frame y la distribuidora de videocreación Hamaca unen sus fuerzas en un proyecto conjunto de comisariado que, mediante una representación selecta de trabajos videográficos actuales, propone una aproximación al vídeo de artistas suizos y españoles. Estas dos asociaciones establecidas en Basel y Barcelona, de la mano de los comisarios Chantal Molleur y Albert Alcoz, ofrecen un programa dividido en dos partes –de unos tres cuartos de hora cada una– donde las obras de videocreadores helvéticos dialogan, sutilmente, con las piezas de realizadores nacionales. Esta muestra variada de manifestaciones audiovisuales no solo corrobora el amplio campo de actuación de los videocreadores y videocreadoras seleccionados, sino que también transmite la dimensión crítica que la selección de obras pone en circulación. Las inquietudes ideológicas son el primer plano de unos vídeos que transmiten problemáticas contemporáneas sugiriendo alternativas mediante vías de escape ilusorias. Lo hacen a través de un análisis riguroso de las posibilidades que ofrecen las herramientas del vídeo digital. Es por esta razón que el conjunto de instancias videográficas queda englobado bajo un enunciado –Señales de representación– que evoca tanto el método tecnológico que hay detrás de la formación de sonidos e imágenes en movimiento como las figuras que describen y las formas que precisan.

El primer bloque de la proyección –protagonizado por las miradas y los oídos de los creadores suizos– establece una serie de perspectivas híbridas que representa tensiones entre el ser humano y todo aquello que lo rodea. El impacto de la tecnología digital en la cotidianidad de las personas, y la ruptura de la señal emitida en forma de código binario, se hace explícito tanto en OS Love (2016) de Luc Gut como en Frecuency (2008) d’Esther Hunziker. La pulcritud simulada por la magia visual del primero contrasta con la crudeza en la definición de la apropiación analógica del segundo. Son trabajos que remiten al medio del vídeo colocando en primer término la interactuación que sucede entre la pantalla y el usuario. La simplicidad expositiva de Judith Albert en Mare Mosso (2016) esconde una reflexión sobre el paisaje marítimo que, al incluir la identidad de la intervención humana durante la captura de las imágenes, transforma el espacio representado en una dimensión onírica que destila lirismo. El tono literario y el paisajismo también están presentes en Paradies (2016) de Max Phillip Schmid, un ensayo versátil que cuestiona, con una voz en off poética, el contexto de la naturaleza como espacio apto para el descanso contemplativo. En Ersatz (2012) Elodie Pong presenta la discusión de una pareja que, inmersa en un cruce absurdo de palabras sobre la fragilidad de la noción de identidad, acaba estableciendo un razonamiento filosófico no exento de humor. True, false or slightly better (2015) del collectif_fact cuestiona aquello establecido, oscilando entre el registro neutral del documental y la puesta en escena de la ficción. El juego de movimientos desplegado por unos operadores concentrados en un simulacro de acciones hacen dudar sobre la validez y la funcionalidad de las mismas actuaciones. Yves Netzhammer, por su parte, hace uso de la animación por ordenador en Tage ohne Stunden (2015), una pieza inicialmente exhibida como videoinstalación que establece vínculos entre la tecnología, el medio ambiente y el cuerpo humano desde una óptica enigmática algo turbia.

El segundo bloque del programa –con obras hechas exclusivamente por artistas españoles– plantea un recorrido ecléctico por las prácticas videoartísticas recientes mientras insinúa la relevancia del reciclage fílmico y las rupturas con las convenciones narrativas. Con Iowneom Streets (2014) Lucía Moreno reutilitza representaciones multimedia prototípiques de internet y animaciones de ficción norteamericana para experimentar un viaje inquietante hecho de errores gráficos. Eli Cortiñas también descontextualiza filamciones de largometrajes narrativos para desmontar sus lecturas. En Dial M for Mother (2009) entrecruza una llamada personal con imágenes de tres films de Gena Rowlands para establecer una supuesta comunicación telefónica con su progenitora. Florencia Aliberti recicla grabaciones con webcam subidas online por usuarios de YouTube para hacer explícitas las dudas existenciales y las crisis de identidad de todos los que interactúan con el ciberespacio. Tanto en Am I? (2012) como en Coming Out (2015) propone diferentes lecturas de lo que supone dirigirse, desde un ámbito privado, a una esfera pública mundial como es la de internet. Ahold of Get the Things To (2014) de Daniel Jacoby es una narración performática donde aquello dicho por los diferentes intérpretes no coincide con los hechos visualizados. El ritmo de las secuencias delimitadas por el proceso de filmación en 16 mm crea una dialéctica compleja y confusa que tiene un rocódromo como principal localización. La ausencia de escenario, o la completa neutralidad del mismo, es uno de los puntos capitales de A Specific Representation (2016) de Mireia Saladrigues. La simulación de los gestos característicos de los visitantes, en un contexto supuestamente artístico, se convierte en un estudio sobre el intercambio de papeles respecto al objeto de contemplación. Con esta última reflexión, acerca de la dualidad de la función del espectador sobre la representación, se cierra un programa heterogéneo de trabajos en vídeo que transmite métodos ingeniosos de capturar y editar el devenir de los sonidos y las imágenes en movimiento.

Señales de representación #01: White Frame
47 min. aprox.

OS Love (2016) Luc Gut. 6 min.
Frecuency (2008) Esther Hunziker. 3 min.
Mare Mosso (2016) Judith Albert. 4 min.
Paradies (2016) Max Phillip Schmid. 15 min.
Ersatz (2012) Elodie Pong. 4 min.
True, false or slightly better (2015) collectif_fact. 7 min.
Tage ohne Stunden (2015) Yves Netzhammer. 8 min.


OS Love (2016) Luc Gut
Frecuency (2008) Esther Hunziker
Mare Mosso (2016) Judith Albert
Paradies (2016) Max Phillip Schmid
Ersatz (2012) Elodie Pong
True, false or slightly better (2015) collectif_fact
Tage ohne Stunden (2015) Yves Netzhammer


Señales de representación #02: Hamaca
46 min. aprox.

Iowneom Streets (2014) Lucía Moreno. 3 min.
A Dial M for Mother (2009) Eli Cortiñas. 11 min.
Am I? (2012) Florencia Aliberti. 3 min.
Coming Out (2015) Florencia Aliberti. 4 min.
Ahold of Get the Things To (2014) Daniel Jacoby. 17 min.
A Specific Representation (2014) Mireia Saladrigues. 8 min.


Iowneaom Street (2014) Lucía Moreno
Am I? (2012) Florencia Aliberti
Coming Out (2015) Florencia Aliberti
Ahold of Get the Things To (2014) Daniel Jacoby
A Specific Representation (2014) Mireia Saladrigues

27 de octubre de 2017

Radicales libres – Presentación Aula Xcèntric'17


Reverie (200) Ana Pfaff

El domingo 5 de noviembre empieza la programación de Xcèntric con una sesión dedicada a mostrar algunos de los trabajos fílmicos más representativos de los ponentes que participarán en el Aula Xcèntric '17. A través de una selección breve de sus trabajos se plantea una introducción a cada una de las materias a desarrollar en sus respectivas ponencias. La cineasta y programadora Elena Duque ha seleccionado una pieza propia de animación experimental. El escritor y profesor Juan Antonio Suárez ha decidido incluir tres piezas de David Domingo que dan margen para debatir las sexualidades disidentes. La montador Ana Pfaff –artífice junto a Ariadna Ribas del colectivo Dos Topos– muestra un trabajo de reciclaje audiovisual enmarcado dentro de la apropiación de imágenes del Archivo Xcèntric. El cineasta documentalista Andrés Duque ha escogido una serie de fragmentos de uno de sus largometrajes recientes para representar su particular noción del cine ensayo. Quien esto suscribe incluye dos filmaciones silentes en super 8, montadas en cámara, que incluyen conceptos ligados al cine estructural. La teórica y cineasta Esperanza Collado añade un fragmento de un proyecto de paracinema y cine expandido que cruza el proceso de escritura y lectura con los de la grabación audiovisual y su reproducción. La sesión, especialmente dirigida a las personas matriculadas en el curso, es de acceso libre y gratuito. Gloria Vilches, coordinadora de Xcèntric y directora del Aula, se encargará de presentarla y establecer un debate posterior con la audiencia y un servidor.

Programa:

Elena Duque: La mar salada, 2014, video, 2.50 min.

Juan A. Suárez: Helados derretidos, 2010, super8 transferido a video, 4 min; Pianissimo, 2015, video, 2.30 min; Jurassic Cruising Park, 2017, 16mm transferido a video, 2 min.

Ana Pfaff: Reverie, 2009, video, 5.50 min.

Andrés Duque: fragmento de Color perro que huye, 2011, video, 70 min.

Albert Alcoz: Espectro cromático, 2015, 3 min; y Triple exposición, 2013, 10 min.

Esperanza Collado: fragmento de Things Said Once (2015).


La mar salada (2014) Elena Duque
Jurassic Cruising Park (2017) David Domingo
Color perro que huye (2011) Andrés Duque
Espectro cromático (2015) Albert Alcoz
Things Said Once (2015) Esperanza Collado