10 de febrero de 2016

35mm: Standard Gauge Of Memory


Engram Of Returning (2015) Daïchi Saïto

El jueves 11 de febrero el Instituto Finlandés de París acoge la sesión 35mm: Standard Gauge Of Memoryuna muestra de experimentaciones fílmicas realizadas en 35 mm, el formato estándar de la industria cinematográfica. La inclusión de los seis trabajos incluidos en este programa seleccionado por la distribuidora Light Cone implica el uso de este formato específico, elaborado por artistas y cineastas bajo inquietudes perceptivas, paisajísticas y memorísticas que remiten a los usos plásticos de la imagen. Incidir sobre la textura granulosa de la emulsión cinematográfica, enfatizando la materialidad del soporte, es una de las principales estrategias implementadas por unos virtuosos de los diferentes tratamientos químicos susceptibles de aplicarse al celuloide. Daïchi Saïto, Christopher Beck y Emmanuel Lefrant estarán presentes en la sesión para entablar un debate con los espectadores.

Programa completo:

Ouverture by Christopher Becks 2010 / 35 mm / n&b / sil / 5' 00 
Le Pays Dévasté by Emmanuel Lefrant 2015 / 35 mm / coul / son / 11' 30
Jours En Fleurs by Louise Bourque 2003 / 35 mm / coul / son / 4' 59
I Don't Think I can See An Island by Christopher Becks & Emmanuel Lefrant 2016 / 35 mm / coul / son / 4' 10
Le Granier by Olivier Fouchard 2007 / 35 mm / coul / sil / 15' 00
Engram Of Returning by Daïchi Saïto 2015 / 35 mm / coul / son / 18' 30


Jours En Fleurs (2003) Louise Bourque
Le Granier (2007) Olivier Fouchard
Le Pays Dévasté (2015) Emmanuel Lefrant

4 de febrero de 2016

Cinema Anèmic #07 – Boris Lehman, "Piezas cortas"


Muet comme une carpe (1987)

El lunes 8 de febrero de 2016 a las 19:30h la asociación NOOK-Poble Sec y el ciclo de proyecciones Cinema Anèmic organizan una proyección de filmaciones en 16 mm del cineasta belga Boris Lehman. Tanto la sesión del domingo 7 de febrero en el Xcèntric del CCCB, como la del día siguiente en el barrio de Poble Sec de Barcelona contarán con la presencia del mismo realizador.

Sesión programada por Boris Lehman:

Muet comme une carpe / Mudo como un pez / Bélgica-RFA / 1987 / 38’ / 16 mm / color / VOS inglés

Del estanque al plato, el trayecto y destino de una carpa cualquiera. La carpa rellena “a la polaca”, que en yiddish también se llama «Gefilte Fish», es un plato tradicional de los judíos Ashkenazi. Se prepara dulce y servido frío al principio de la cena. La cabeza del pescado está reservada para el jefe de familia. Filmado en Bruselas en el momento de Nuevo Año Judío (Roch Hachana), la película muestra los preparativos culinarios, así como el ritual y las oraciones que los acompañan, poniendo el acento en el sacrificio del pescado y en la muerte de los campos de concentración.

La dernière (s)cène / La última (es)cena / Bélgica / 1995 / 14’ / 16 mm / color / VOS inglés

Los diálogos están sacados del Evangelio según San Juán. Les apóstoles son casi todos cineastas, amigos (y discípulos) de Boris Lehman que han venido a actuar delante de la última casa-taller de artista que queda en pie frente a los nuevos edificios del Parlamento Europeo. El rol de Judas, lo interpreta Claudio Pazienza y Boris Lehman encarna al Cristo. La puesta en escena está inspirada en el mural que Leonardo da Vinci pintó en el convento de Santa Maria delle Grazie en Milán. La película se rodó en pocas horas, un domingo por la mañana delante de un decorado increíble, casi hollywoodiense, en una calle completamente arrasada por los promotores inmobiliarios, justo antes de la llegada de la policía.

Chose qui me rattachent aux Êtres / Cosas que me conectan con los Seres / Bélgica / 2007-2010 / 15’ / 16 mm / color / VOS inglés

La película se presenta como un inventario a la manera de Jacques Prévert. Su título se inspira en el del Libro de la almohada (en francés tradujeron el título por Notes de Chevet, Notas de cabecera) de la escritora japonesa Sei Shônagon, que fue dama de honor al servicio de la emperatriz Teishi en la primera mitad del siglo XI. Pensamos evidentemente en Georges Pérec, uno de los principales escritores del grupo OuLiPo, pero también en el Dadaísmo o en Fluxus. Las imágenes y las palabras se encadenan como en un poema. Desde el famoso « esto no es una pipa » de Magritte, ya sabemos que las evidencias son engañosas, que las palabras, como las imágenes, pueden ser tergiversadas y desviarse de su función original. Nombrar, enumerar, inventar el objeto por la imagen o la palabra, filmándolo. Acto de creación, como Dios hizo en el principio con el Cielo y la Tierra, con Adam y Eva. Muestro a la cámara algunos objetos de mi cotidiano (que son también alegorías), objetos que pertenecieron a otros que he amado o frecuentado, para finalmente constatar y concluir que « Soy la suma de todo lo que los demás me han dado». Museo sentimental del que sería el guardián. Cada objeto, cada “cosa” tiene su historia. ¿Qué relación misteriosa podría existir entre todas estas cosas? ¿Entre cosas y yo?

Boris Lehman:
http://www.borislehman.be/


La dernière (s)cène (1995)
Chose qui me rattachent aux Etres (2007-2010)
Chose qui me rattachent aux Etres (2007-2010)

2 de febrero de 2016

Filmaciones divisadas


DL 2 (Disintegration Line # 2) (1960) Lawrence Janiak

Publicado en Caimán. Cuadernos de cine (Diciembre, 2015)

En 1999 el cineasta e investigador Bruce Posner involucró a sesenta archivos fílmicos para completar un proyecto excepcional de preservación cinematográfica. Elaborar una antología de la vanguardia fílmica norteamericana comprendida entre los años 1893 y 1941 fue el punto de partida. Bajo el título Unseen Cinema: Early American Avant-Garde Film, Posner dirigió una tarea descomunal que se concretó en un ciclo itinerante y la edición de un pack de seis DVDs. Ojos ávidos, obras maestras del cine de vanguardia experimental norteamericano (1920-1970) continua la senda marcada por esa empresa de modo más modesto. Se trata de un nuevo ciclo constituido por 37 películas que se proyectará en el Auditorio del Museo Reina Sofía de Madrid entre los días 29 de octubre y 4 de diciembre de 2015. Formado por seis sesiones, el programa ordena cronológicamente la resplandeciente experimentación fílmica estadounidense del siglo pasado, en función de cada una de las décadas representadas.

La búsqueda constante de las posibilidades estéticas de la imagen en movimiento, a través de los descubrimientos visuales sucedidos en otras disciplinas creativas vinculadas a las primeras vanguardias artísticas, marca la pauta de una primera sesión en la que sobresale tanto la pionera sinfonía urbana del fotógrafo Paul Strand y el pintor Charles Sheeler –Manhatta (1920-21)– como la coreografía polifónica planteada por el cineasta Dudley Murphy y el pintor Fernand Léger –Ballet Mécanique (1924)–. Es en la década de los años treinta cuando los diferentes ismos emergidos en Europa quedan evocados en una serie de filmes que revelan la herencia del constructivismo ruso, la abstracción o el surrealismo. La dinámica de engranajes documentada por Ralph Steiner en Mechanical Principles (1930), el exuberante despliegue de música visual a cargo de Oskar Fischinger en An Optical Poem (1937) y el montaje onírico de metraje reciclado por parte de Joseph Cornell en Thimble Theatre (1938), así lo confirman.

Un nombre propio identifica la práctica experimental norteamericana de los años cuarenta, Maya Deren. Si la poética ensoñadora de su filme Meshes of the Afternoon (1943) da lugar a un viaje iniciático perturbador por los entresijos de la mente, el estudio dialéctico del baile y las artes marciales a través del cuerpo marca la pauta de Meditation On Violence (1948). El carácter objetivo de las dos documentaciones callejeras realizadas por los fotógrafos Rudy Burkhardt y Helen Levitt, se diferencia radicalmente del tono fugaz trazado expresivamente por Marie Menken o del registro distorsionado por soluciones ópticas insólitas de Francis Thompson, en esos mismos enclaves neoyorquinos. Entrados los años cincuenta las cadencias poéticas implementadas por los cineastas revelan un cariz autobiográfico que evidencia lo queer (James Broughton, Kenneth Anger) o sugieren un acento expansivo de connotaciones psicodélicas visualizadas mediante animaciones abstractas (Jim Davis, Hy Hirsh).

Las dos últimas sesiones –años ‘60 y ‘70– repasan el periodo histórico más significativo del cine experimental norteamericano. Bruce Baillie, George Landow y Jonas Mekas quedan representados brevemente en dos programas cuyo gran aliciente reside en el hecho de descubrir trabajos escasamente atendidos por teóricos e historiadores especializados en este objeto de estudio. Tom Palozzolo, Lawrence Janiak, Francis Lee, Amy Greenfield son algunos de los realizadores que Bruce Posner reivindica en una última proyección en la que se incluye Seasons (2002), una de las últimas gemas de Stan Brakhage, realizada junto a su amigo Phil Solomon. El ciclo Ojos ávidos es una oportunidad ineludible para valorar los hallazgos artísticos de unas manifestaciones cinematográficas libres, arriesgadas, radicales e inusuales, proyectadas en sus formatos originales. Unos soportes fílmicos analógicos –el 35 mm y el 16 mm– cuyas cualidades visuales solo se divisan esporádicamente en esas traslaciones digitales hoy en día omnipresentes.


N.Y., N. Y. (1958) Francis Thompson 
Seasons... (2002) Phil Solomon & Stan Brakhage

1 de febrero de 2016

Festival of (In)appropriation # 8


Astro Black: We Are The Robots (2010) Soda_Jerk

El 21 de febrero se presenta una nueva edición del Festival of (In)appropriation en el Filmforum de Los Ángeles (Estados Unidos). Esta muestra dedicada a mostrar una selección de las prácticas audiovisuales de apropiación y reciclaje más significativas de la actualidad, alcanza su octava edición. Jaimi Baron, Lauren Berliner y Greg Cohen es el equipo de programadores que ha escogido docs trabajos que ofrecen nuevas perspectivas bajo las que articular la noción de found footage. El canadiense Clint Enns, el colectivo australiano Soda_Jerk, el chino Ip Yuk Yiu, el argentino Orazio Leogrande y los norteamericanos Ken Paul Rosenthal y Peter Freund son algunos de los nombres propios de un listado de piezas en el que también se incluye el vídeo musical Send Me A Copy, realizado por uno mismo. (Des)montajes baje rítmicas particulares, revisiones autobiográficas de cine amateur y comentarios críticos sobre las imágenes emitidas por los medios de comunicación de masas son algunas de las estrategias utilizadas por unos creadores que tienen en el montaje su fundamentación principal.

Programa:

Astro Black: We are the Robots by Soda_Jerk (Australia, digital video, color, sound, 2010, 6:35)
Landscape with broken dog by Orazio Leogrande (Argentina, digital video, black & white and color, 2014, 14:00)
Let Me ASMR You by Clint Enns (Canada, digital video, color, sound, 2014, 2:40)
It Takes All Sorts by Rachel Stuckey (US, digital video, color, sound, 2014, 10:30)
Overpass by Kami Chisholm (Canada, digital video, color, sound, 2014, 4:57)
The End of an Error by Peter Freund (US, digital video, black & white, sound, 2013, 10:00)
Dear Britney by Battersby and Duke (US, digital video, color, sound, 2014, 5:00)
The Plastic Garden by Ip Yuk Yiu (Hong Kong, digital video, color, sound, 2013, 11:30)
Soft Pong Inari
 by Michael Lyons & Palle Dahlstedt 
(Japan/Sweden, digital video, color, sound, 2014, 2:06)
Notes For A Polish Jew by Abraham Ravett (US, 16mm & 8mm on digital video, color, silent, 2012, 8:05)
Send Me a Copy by Albert Alcoz (Spain, digital video, color, sound, 2011, 5:24)
In Light, In! by Ken Paul Rosenthal (US, 16mm on digital video, black & white, sound, 2013, 12:00)


The Plastic Garden (2013) Ip Yuk Yiu
Notes For A Polish Jew (2012) Abraham Ravett
In Light, In! (2013) Ken Paul Rosenthal

29 de enero de 2016

Scratch Projection – EXPRMNTL GRRRL


Occidente (2014) Ana Vaz

EXPRMNTL GRRRL es el título de una nueva sesión Scratch que tendrá lugar el 16 de febrero en el Studio des Ursulines de la ciudad de París (Francia). Haciendo referencia al movimiento Riot Grrrl de la escena musical punk y al festival Knokke-le-Zoute, esta nueva proyección señala el auge de las prácticas fílmicas experimentales realizadas por mujeres, tal y como ejemplifica el listado de nuevas incorporaciones al catálogo de la distribuidora Light Cone. La serie de películas escogidas para representar esta tendencia afirman contundentemente el papel de la mirada femenina en la configuración de nuevas perspectivas audiovisuales que señalan el largo camino que aún queda por recorrer para alcanzar la igualdad de condiciones en las cuestiones de género. Búsquedas de representaciones abstractas, ensayos sobre el color de la emulsión fílmica y trabajos de found footage dialogan con ensayos en primera persona que cuestionan el colonialismo occidental para reclamar modos de vida más acorde con las circunstancias de la naturaleza.

Programa completo:

The Picture House by Emily Richardson 2010 / vidéo / coul / son / 4' 00
Le Corbusier Au Mistral by Milena Gierke 2005 / vidéo / coul / sil / 6' 00
Rode Molen by Esther Urlus 2013 / 16 mm / coul / son / 5' 00
Markings 1-3 by Eva Kolcze 2011 / vidéo / coul-n&b / son / 7' 00
Emblem by Rei Hayama 2011-2012 / vidéo / coul / son / 15' 36
Cosmic Elements by Annette Frick 2002-2004 / vidéo / n&b / son / 6' 00
Helios Electro by Victoria Keddie 2014 / vidéo / coul / son / 6' 28
Buck Fever by Neozoon 2012 / vidéo / coul / son / 5' 51
Occidente by Ana Vaz 2014 / vidéo / coul / son / 15' 15


Helios Electro (2014) Victoria Keddie
Emblem (2011-2012) Rei Hayama
Rode Molen (2013) Esther Urlus

25 de enero de 2016

Loop Collective 20th Anniversary Screening & Book Launch


Ransom Notes (2011) Kelly Egan

El jueves 4 de febrero el Loop Collective de Toronto (Canadá) celebra su veinte aniversario con una proyección especial que incluye trabajos recientes de sus miembros. Este colectivo, formado en 1996, consta de un grupo de artistas independientes que trabajan con medios audiovisuales. Entre sus actividades principales están el hecho de producir trabajos y programarlos para exposiciones y proyecciones con la intención de explorar los diálogos entre los medios fílmicos y videográficos respecto a las disciplinas artísticas, desde acercamientos críticos. Stephen Broomer, Dan Browne, Colin Clark, Kelly Egan, Ilana Gutman, Angela Joosse, Erika Loic, Shana MacDonald, Ajla Odobasic, Izabella Pruska-Oldenhof, Jocelyn Statia y Ty Tekatch son todos los cineastas que presentarán creaciones audiovisuales recientes, realizadas tanto en super 8, y16 mm, como en soportes videográficos, en el evento Loop Collective 20th Anniversary Screening & Book Launch. Esta celebración viene acompañada por la publicación de un libro monográfico con ensayos escrito a cargo de Kelly Egan, Izabella Pruska-Oldenhof, R. Bruce Elder y Kathryn Elder, que se añade al repaso histórico ya ofrecido en formato audiovisual con el DVD Selected Works by The Loop Collective.


Font Màgica (2015) Izabella Pruska-Oldenhof
Alberta (2014) Dan Browne
Jenny Haniver (2014) Stephen Broomer
Of Light From The Ground (2013) Angela Joose

17 de enero de 2016

Unexposed Microcinema


Micro Macro Richard Fedorchak

Unexposed es el nombre de un nuevo microcinema, una nueva iniciativa fílmica sucedida en la ciudad de Durham (Estados Unidos), que a partir de enero de 2016 organiza proyecciones y actividades alrededor de las prácticas fílmicas. Cada viernes, esta propuesta dirigida por Brendan y Jeremy Smyth, acoge sesiones cinematográficas, performances fílmicas y otras actividades que elogian la exhibición de un cine libre y artístico, no exento de contenido crítico. En este mismo espacio acontecerá un festival trienal a celebrarse en mayo, septiembre y diciembre, bajo el nombre de Unexposed Film Festival. Otro de los atractivos de Unexposed es el apartado Explore de su página web, donde seleccionan diferentes trabajos actuales comisariados por Anna Kipervaser. El primero de ellos, titulado A Call To Persevere, incluye piezas asombrosas de Robert Todd, Richard Fedorchak, Paul Turano, Jodie Mack y Josh Weissbach.  


Slow Rise (2014) Robert Todd
Ghosts Along The Ompompanoosuc Richard Fedorchak
Footprints In The Snow Paul Turano
200 N.W. 5th Street (2014) Josh Weissbach

10 de enero de 2016

Film Implosion! Experiments in Swiss Cinema and Moving Images


Kaiseraugst (1975) Kollektiv der Filmcooperative Zürich

Hasta el 21 de febrero de 2016 se puede visitar en Friburgo (Suiza) una exposición dedicada a los sesenta años del cine experimental suizo. El Fri Art es el centro de arte que muestra un amplio panorama de prácticas fílmicas experimentales suizas sucedidas desde los años '60 hasta la actualidad. Los medios fílmicos y videográficos trabajados desde puntos de vista artísticos son los protagonistas de una exposición titulada Film Implosion! Experiments in Swiss Cinema and Moving Images que incluye el trabajo de decenas de cineastas. John Armleder, Robert Beavers, Jean-Luc Godard, Gregory J. Markopoulos, Dieter Meier, Fredi Murer, Dieter Roth, Carole Roussopoulos, HHK Schoenherr y Peter Stämpfli son algunos de los nombres propios de un recorrido variado en el que se hallan instalaciones fílmicas, documentales políticos, películas de animación, ficciones amateurs e intervenciones con el celuloide que desafían las lógicas cinematográficas más convencionales. En este enlace se puede descargar la nota de prensa de un evento cinematográfico y artístico que elogia los trasvases sucedidos entre la representación de la realidad y el cine psicodélico; las propuestas activistas y las feministas; así como el trabajo colectivo alrededor de la exploración de un soporte tan alterable como es el celuloide.


Vision Of A Blind Man (1969) Fredi Murer
Pazifik (1964) Fredi Murer

8 de enero de 2016

Poussières d’images: Forces Telluriques


Sun Tunnels (1978) Nancy Holt
El 12 de enero la distribuidora francesa Light Cone organiza una proyección de películas de artistas y cineastas experimentales que relatan visualmente modos de comprender las fuerzas terrenales. El Cinéma des Cinéastes de París proyecta este programa titulado Force Telluriques que incluye divagaciones geográficas, recorridos estéticos y documentaciones de gestos artísticos vinculados al Land Art o los Earth Works. El volcán del monte Stromboli en Italia, la Racetrack Playa de Death Valley y el Great Salk Lake de Utah, en Estados Unidos son algunos de los lugares registrados contemplativa y vigorosamente por Nancy Holt, Laurent Gasso y Adrien Missika, entre otros.

Enlighten de Christoph Girardet 2000 / vidéo / coul-n&b / son / 5' 10
Li: The Patterns Of The Nature de John N. Campbell 2007 / 16 mm / coul / son / 9' 07
Luukkaankangas-Updated, Revisited de Dariusz Krzeczek 2004 / vidéo / coul / son / 8' 00
Soleil Noir de Laurent Grassot 2014 / vidéo / coul / son / 11' 40
Sailing Stones de Adrien Missika 2011 / vidéo / coul / son / 11' 04
Sun Tunnels de Nancy Holt 1978 / 16 mm / coul / son / 26' 00


Soleil Noir (2014) Laurent Grassot
Sailing Stones (2011) Adrien Grassot

7 de enero de 2016

A Matter of Visibility: International Avant-Garde and Artists’ Cinema


Her Silent Seaming (2014) Nazli Dinçel

El Museum of the Moving Image de Nueva York proyecta, en el marco del First Look Festival, una sesión de once trabajos fílmicos creados por mujeres que dialogan sobre la imagen fílmica desde la experimentación visual, sonora y textual. Mónica Savirón ha sido la encargada de programar una serie de obras a mostrar el 23 de enero que, bajo el enunciado A Matter of Visibility: International Avant-Garde and Artists’ Cinema, plantean un diálogo generacional entre los puntos de vista de cineastas canónicas del cine de vanguardia como Lis Rhodes, Chantal Akerman y Cécile Fontaine, y los acercamientos artísticos de creadoras más recientes como son Salomé Lamas y Klara Ravat. Las notas sobre estas piezas situadas entre lo abstracto, lo ensayístico y lo lírico, pueden descargarse en este enlace.

Reportage! (by Rei Hayama. Japan, 2015)
Across (Cara Morton. Canada, 1997)
Pixel Jungle (Klara Ravat. Spain/Germany, 2015)
Cross Worlds (Cécile Fontaine. France, 2006)
The Tower (Salomé Lamas. Portugal, 2015)
Trois strophes sur le nom de Sacher (Chantal Akerman. France, 1989)
Maschile, Roma (Friedl vom Gröller. Austria/Italy, 2015)
Her Silent Seaming (Nazli Dinçel. U.S., 2014)
Defenestration (Bea Haut. U.K., 2015)
Nocturno (Naoko Sasaki. Canada, 2003)
Light Reading (Lis Rhodes. U.K., 1978)


Defenestration (2015) Bea Haut 
Reportage! (2015) Rei Hayama

1 de enero de 2016

Peter Tscherkassky. Figuras en vibración.


The Exquisite Corpse (2015) Peter Tscherkassky

Publicado en Caimán. Cuadernos de cine (Noviembre, 2015)

Una de las características formales más significativas del cine de Peter Tscherkassky es la perpetua vibración de las figuras representadas en sus filmes. El tono evanescente que adquieren los cuerpos visualizados en sus películas no es sólo una opción estética elaborada para enfatizar el carácter fantasmagórico de las presencias proyectadas en pantalla, sino también una propuesta semántica vinculada tanto a los medios tecnológicos utilizados para convocar las imágenes como al juego de miradas psicológico que desencadenan. En sus trabajos más representativos, breves introducciones argumentales recicladas de materiales fílmicos recuperados son pretextos narrativos que sirven para desplegar experimentaciones visuales y sonoras hechas de desarrollos conflictivos anti-ilusionistas. Si el tratamiento acústico de las piezas inquieta por una acumulación repetitiva de resonancias ruidosas, el aspecto óptico perturba por una deformación borrosa de evocación hipnagógica. Son vibraciones perceptivas que van de la figuración a la abstracción, desvelando una pulsión escópica, donde el deseo por mirar queda representado por lo embriagador del cine de terror (Outer Space, 1999), lo siniestro del western (Instructions For A Light And Sound Machine, 2005) y lo estimulante del cine erótico (The Exquisite Corpse, 2015).

Al trabajar con herramientas cinematográficas específicamente analógicas, el cineasta austriaco emplea un acercamiento práctico que parte de dos tendencias artesanales: el uso de metraje fílmico apropiado y el procesado del mismo mediante la copiadora óptica. Estas dos estrategias manuales marcan la pauta de una trayectoria personal indudablemente coherente que, con los sucesivos cambios de formato -–del super 8 al 35 mm-–, atestigua un incremento en la perfección de su técnica. Reciclando fragmentos de películas diversas Peter Tsherkassky propone un acercamiento al found footage tan cubista como expresionista. Desfragmentando la representación realista, multiplicando los puntos de vista y superponiendo recortes fílmicos ajenos, a modo de collage, el cineasta une los logros del cubismo analítico con los del cubismo sintético. Para hacerlo aumenta la tensión de la composición desvelando un tono expresionista personificado en los temblores sufridos por los actores. El estremecimiento perpetuo de unas interpretaciones insertadas en escenas cargadas de suspense, queda resuelto a través de un minucioso control del optical printer. Este artefacto, que facilita la superposición de imágenes coexistentes en la misma composición, le permite concretar un cúmulo de figuras cuyos movimientos incesantes quedan copiados, uno a uno, sobre cada plano. Los protagonistas de estos nuevos montajes quedan agitados por el propio medio que los pone en circulación. Cuerpos espectrales y rostros resplandecientes son interrogados por las perforaciones del celuloide, el nervio horizontal que separa los fotogramas o las formas ondulantes de las bandas sonoras laterales. Al revelar este componente materialista se invoca una fractura, un efecto de distanciamiento que, desde lo táctil, recuerda que nos encontramos ante la proyección de una película. No por casualidad por el realizador designa sus primeras piezas con el término manufraktur

Outer Space es el segundo trabajo de una trilogía del CinemaScope, completada por Dream Work (2001). Si en este último filme el autor realiza un homenaje explícito a las soluciones cinemáticas creadas por el fotógrafo Man Ray –Le Retour à la Raison (1923)-–; en Outer Space crea un meticuloso análisis del largometraje norteamericano The Entity (1983), dirigido por Sidney J. Furie. La agresión que la protagonista interpretada por Barbara Hershey sufre por parte de un ente invisible que se introduce misteriosamente en su hogar, queda aquí extremada a lo largo diez tortuosos minutos. En esta reducción metafórica, de una ficción cuya historia está basada en hechos reales, el miedo hace acto de presencia de modo hiperbólico mediante un conglomerado de formas parpadeantes que simbolizan la congoja del personaje. La inquietud de la mujer queda resuelta de modo desconcertante, duplicando y triplicando su semblante aturdido. Tras la dilatación temporal de un suspense angustioso, el suceso desemboca en estremecedores impulsos lumínicos acompañados de cacofonías enfermizas. Todo ello sugiere un acto de violación intangible donde las facciones aterrorizadas revelan la imposibilidad de visualizar –y comprender– el origen de la amenaza.

Es con The Exquisite Corpse cuando el propósito vanguardista de aunar reminiscencias narrativas con profundas alteraciones audiovisuales llega a su máxima expresión. El meticuloso proceso de bricolaje fílmico que el cineasta desarrolla en su último trabajo, demuestra su voluntad por relatar, evidenciando la maleabilidad de las imágenes. Partiendo de diferentes metrajes extraídos de películas pornográficas añejas, Peter Tsherkassky emprende un viaje exhibicionista que demuestra su fetichismo por el celuloide y su anhelo por representar incursiones oníricas. Los cerca de veinte minutos que conforman The Exquisite Corpse son un ensayo exhibicionista que experimenta con diferentes técnicas de apropiación para evocar un sueño húmedo. Recuperando la noción de cadáver exquisito inaugurada por los surrealistas en el París de 1925, el autor entremezcla escenas nudistas con primeros planos explícitos. Este montaje por acumulación se inicia con un ritmo pausado escenificado en un ambiente idílico que avanza, gradualmente, gracias a la erótica de unos cuerpos que alcanzan un frenesí bestial de exaltación multiorgásmica. En esta vibrante celebración carnal se intuye la frustración por el antagonismo entre las pulsiones sexuales y las restricciones culturales. Algo que Sigmund Freud analizó metódicamente en El malestar en la cultura (1930) y que Laura Mulvey incorporó para plantear la escopofilia, cuestionando el placer de la mirada del espectador masculino al reducir los cuerpos a objeto erótico.


The Exquisite Corpse (2015) Peter Tscherkassky

18 de diciembre de 2015

Angular # 01 – A la venta



El primer volumen de Angular ya está disponible para su compra online en su misma página web.

Edición limitada de 150 ejemplares numerados en offset, presentada en caja de cartón Kraft de 400 gramos manufacturada artesanalmente.

Contenido: DVD de 122 minutos con 13 películas, más libro impreso en versión bilingüe de 82 páginas, en castellano e inglés.







17 de diciembre de 2015

La Capsa ERNO – Espectro cromático




El domingo 20 de diciembre, día de elecciones, se presenta el segundo volumen del proyecto artístico La Capsa ERNO en el centro La Visiva de Barcelona. Esta publicación tridimensional incluye las obras de diversos artistas que han trabajado la noción de "Fin de fiesta" atendiendo las particularidades de las dimensiones de la caja donde se engloba. Para esta segunda caja –de edición limitada de 50 copias– se ha contado con la participación de Pere Llobera, Moira Franco, el colectivo Big Bouncers, Alba Suñé, Alicia Kopf, Oriol Pedregosa, Aleix Plademunt y un servidor. A continuación se muestran los detalles técnicos y las reflexiones escritas (insertadas en la caja VHS) producidas alrededor de la pieza Espectro cromático:

Espectro cromático (Color Spectrum)
Año: 2015
Formato original: super 8
Formato de exhibición: VHS
Duración: 3:30 minutos
Silente

Dirección: Albert Alcoz
Idea original: Blanca Viñas
Agradecimientos: Lucía Boned y Ariadna Pérez
Digitalización: Ochoypico
Dirección artística: Visionary Film
Productora: La Capsa ERNO

Espectro cromático muestra las idas y venidas de personas en un paseo marítimo. Múltiples exposiciones y filtros de colores transforman la filmación de las figuras humanas en presencias fantasmagóricas de tonalidades cromáticas variables. Son trayectos contemplativos documentados durante un atardecer dominical, son desapariciones graduales que simbolizan el fin de fiesta vital.

Presencias intangibles, formatos obsoletos

Espectro cromático es una filmación de poco más de tres minutos realizada con un carrete de super 8, con película de color reversible. Rodada a lo largo de toda una tarde, la pieza documenta el espacio profílmico seleccionado, intercambiando filtros de colores primarios y rebobinando fragmentos de metraje. Emulsionando dobles exposiciones y planos encadenados de cromáticas diversas se enfatiza el carácter matérico de un registro sistemático, indudablemente intuitivo.

Al filmar más fotogramas por segundo de lo habitual, el tránsito de los cuerpos capturados alcanza una cadencia pausada de tono melancólico. Esta temporalidad inusual invita a acomodar la propia percepción visual al compás de las imágenes, proponiendo una contemplación autorreflexiva. Ralentizando los movimientos se propone una disminución del ritmo percibido en la realidad para dirigir la atención sobre las fusiones puntillistas de los seres humanos con el paisaje. Son presencias intangibles que caminan sigilosamente o se desplazan suavemente sobre patines, monopatines, bicicletas y demás artilugios deslizantes.

A ese ir y venir lateral –de izquierda a derecha y de derecha a izquierda– se le suma otra dialéctica vertical hecha de existencias y ausencias que suceden dentro del encuandre. Al fundirse con el grano de la película, las representaciones de las figuras descoloridas encarnan un flujo vital de apariciones y desapariciones. La festividad identificada en el carácter distendido de la diversidad de acciones registradas contrasta con el poso taciturno de unas figuras que se desvanecen, por arte de magia, bajo una construcción fílmica que al final las oculta.

Simultáneamente, esta pieza silente alude a la obsolescencia de los formatos audiovisuales que participan de su proceso. La traslación de cine analógico a video digital y de este a video analógico supone un trayecto inconexo -–algo absurdo– de soportes fílmicos y videográficos que equidistan en un punto: la cinta VHS. Este artefacto de plástico incluye un material inicialmente filmado sobre celuloide, transferido posteriormente a código binario y resuelto en cinta magnética. Finalmente, Espectro cromático queda presentado en bucle al grabarse múltiples veces sobre una cinta videográfica cuya duración oscila entre los 30 y los 240 minutos.

Al concretarse como una pieza en VHS susceptible de reproducirse en loop en el monitor de televisión, el trabajo evoca tanto aquellas imágenes visualizadas tras el fin de emisión de la programación del tubo de rayos catódicos como las abstracciones inocuas del salvapantallas del ordenador. La dificultad por visionar cintas de VHS en la actualidad es un estímulo que invita a imaginar el devenir de los fotogramas de la carátula.


13 de diciembre de 2015

FLUX Festival de Vídeo d'Autor 2015


In Crescendo (2001) Elisabet Prandi

FLUX, el Festival de Vídeo de Autor llega a su décima edición. Para celebrarlo, sus organizadores ofrecen una muestra especial que se inaugura el martes 15 de diciembre y concluye el 10 de enero. Acogido de nuevo por el centro Arts Santa Mònica de Barcelona, este año el festival consta de un amplio programa en el que sobresalen las proyecciones monográficas y los coloquios sobre las trayectorias artísticas de los realizadores Jimjak, Mabel Palacín y Elisabet Prandi. La actuación Ciencia_Ficción de la artista transdisciplinaria Cris Blanco; la videoinstalación La película más cinematográfica (2015) de Julián Álvarez y los vídeos monocanal expresamente planteados para mostrarse dentro de cajas –hechos por Miguel Andrés, Arturo Bastón, Angie Bonino, Lalo García & Raimon Lorda, Kikol Grau, Félix Pérez-Hita, Rrose Present, Sra. Audiovisual, Pia Sommer, Morrosko Vila-San-Juan–, forman el grueso del programa. Tres videoinstalaciones creadas por Francesca Llopis, Albert Merino y Jordi Teixidó Jover, y el habitual servicio a la carta con todos los autorretratos en video registrados por los participantes en las diferentes ediciones, completan las actividades de un festival iniciado en 2005. Para ampliar esta imprescindible labor relativa a la proliferación, la exhibición y el debate sobre el vídeo de autor, los escritores y teóricos Antoni Mercader, Pilar Parcerisas y Ester Xargay han escrito tres artículos que reflexionan sobre el papel de la producción artística en el campo audiovisual, los condicionantes tecnológicos para el desarrollo histórico del medio y la relevancia del propio festival FLUX como evento apto para calibrar las prácticas críticas manifestadas en video analógico o digital.


El pasado no es una extrapolación del futuro (2015) Arturo Bastón
Todo es de color (2014-15) Rrose Present
Las hormigas (2015) Kikol Grau
Vudutv Box / Capsa Vudutv (2015) Félix Pérez-Hita