17 de noviembre de 2017

Festival Panoràmic Granollers – La noche inventada

Blanca Viñas

Entre el 21 y el 26 de noviembre se celebra la primera edición del Panoràmic, un festival que estudia la relación entre la fotografía y el cine en la localidad de Granollers. Los diversos espacios de Roca Umbert, Fábrica de les Arts, y la sala fílmica de la Assiciació Cultural – Cineclub de Granollers son los lugares donde sucederán las diferentes exposiciones y las proyecciones. Esta propuesta artística de Albert Gusi y Fidel Balaguer cuenta con el asesoramiento de diversos especialistas en prácticas artísticas contemporáneas como son Joan Fontcuberta, Jesús Vilamajó, Joana Hurtado, Fèlix Pérez-Hita, Andrés Hispano y Laia Casanova. Entre la amplia programación destacamos la exposición Mites i màscares. L'univers creatiu d'Albert Serra a través de les fotografies de Román Yñán; una selección de cortometrajes experimentales que parten del uso de la imagen estática a cargo de cineastas como Eugènia Balcells, Chris Marker, Eugeni Bonet, Harun Farocki, Martin Arnold o Virgil Widrich; y una jornada de proyecciones de documentales bajo el enunciado La Porxada Doc. La exposición colectiva La Térmica LAB es uno de los reclamos principales por la búsqueda estética y narrativa de las piezas de los diferentes artistas participantes. Daniel Pitarch, María Sánchez, Beatriz Ruibal, Alberto Valverde, Miquel Martí y Joan Tisminetzky son algunos de los creadores que incluirán obra reciente. En esta muestra Blanca Viñas y un servidor mostraremos un versión expositiva del work in progress La noche inventada. Esta contará con una selección de fotografías, un desplegable hecho de fotogramas y un film en super 8 de 12 min. mostrado en loop, en formato digital.

La noche inventada es un proyecto transversal que vincula la fotografía y el cine bajo parámetros fotoquímicos. La fotógrafa Blanca Viñas y el cineasta Albert Alcoz son dos artistas visuales que, a la hora de reflexionar sobre estas dos disciplinas, registran escenarios exteriores del ámbito urbano, enfatizando las propiedades analógicos del medio. Revelar las consideraciones matéricas de los soportes escogidos –carretes de 35 mm, carretes de super 8– es uno de los puntos de partida de un conjunto de paseos por los escenarios de la infancia y la juventud –el barrio de la Vall d'Hebron de Barcelona–. La filmación en blanco y negro documenta una práctica fotográfica en color caracterizada por la ruptura respecto a la noción de objetividad. El uso de múltiples exposiciones i otras técnicas experimentales demuestran la voluntad lúdica de unas imágenes que, a través de la multiplicidad de puntos de vista, sugieren aquello inefable de la memoria personal.

Blanca Viñas

10 de noviembre de 2017

Listening to the Space #01: Peter Rose

The Man Who Could Not See Far Enough (1981) Peter Rose

Listening to the Space is the title of a new series of collaborations with different filmmakers, concerning the ideas and practices around the sound of theirs films. The header of this section makes reference to a film by Robert Beavers named Listening to the Space in My Room (2003) where the sound recording is entirely relevant.

The North American filmmaker Peter Rose is the first who has decided to exchange thoughts about the process of creating and arranging the soundtracks of some of his pieces, in this case two of his most known films: Analogies: Studies in the Movement of Time (1977) and The Man Who Could Not See Far Enough (1981). Since 1968 this artist has been creating over thirty moving pictures, videos, installations and performances. Dealing with the idiosyncrasies of time, space and light –through sound and moving images– has been one of the major themes of works that also include mathematics and language issues, as well as oblique strategies and structural film inspirations. His intellectual point of view and sarcastic humor make him one of the great filmmakers of avant-garde cinema. Since today he has been able to produce a rich body of work on video, a medium he continues to investigate through pieces like 6D for Google (cardboard) Glasses (2016).

The french label Re-Voir released a DVD compilation of some of his films under the title Analogies. His vimeo channel is an awesome resource of digital versions of incredible conceptual procedures and formal solutions, deeply stimulating for the viewer and the listener.

Analogies: Studies in the Movement of Time (1977) Peter Rose

Peter Rose:

I’ll offer some general thoughts about the thinking behind, the genesis of Analogies: Studies in the Movement of Time (1977) and The Man Who Could Not See Far Enough (1981).

I’ve always been impressed by music as a model for organizing events in time and my first films were efforts to try to embody musical thinking in the structure of the work. Incantation (1970), for example, plays with a complex form of rhythmic polyphony and was inspired by both my own experience as a hand-drummer and by elements of Baroque music, Bach in particular. I found, however, that there were limits to the approach –there were only so many levels of superimposition that might be readable, and so settled on a kind of visual canon, juxtaposition rather than fusion, as an organizational solution–. This required the invention and construction of an insanely complicated optical printer that allowed me to integrate images in a more controlled way, and Analogies (1977) was a second attempt to try to understand the laws of this new format. The first attempt was shot in 8mm and ended up in a film called Studies in Diachronic Motion (1975). (This was all inspired, too, it must be said, by a vision I had while on my first LSD trip in 1965 during which I observed a Japanese couple making love in the thousands of tiny spaces between the weaves of a napkin; their motions were displaced in time and I was transfixed by the whole experience, vowing to try to find a way to capture the experience. Ten years later I was able to do this…)

It seemed logical, in this context, to turn to musical form for the sound as well, and to try to echo the rhythmic understructure of the image with a similar configuration of sounds. I had been much impressed by a series of lectures presented by Slavko Vorkapich at the Museum of Modern Art in New York City in the sixties, during which he talked about the “kinaesthetics” of the medium. I saw sound as a means (perhaps the more important) along with image, of provoking a muscular, as well as visual/intellectual/verbal, response. And, too, many of my generation were inspired by Phillip Glass, Harry Partch, and Steve Reich, as well as by the work of those exploiting tape recorders to construct new kinds of sonic experience.

So, in Analogies you’ve the sound of the optical printer, an empty hallway, a drum, an automobile engine slowed down, a developing tray struck and slowed down, piano strings being struck, and what purports to be synch sound (footsteps) but which was actually post-dubbed. These are all percussive in nature and intrigued me by virtue of the way a vernacular source could give rise to something “mysterious and strange.” (Prospero’s words in The Tempest) Indeed this has animated much of my work, particularly in the more recent The Indeserian Tablets (2014).

The Man Who Could Not See Far Enough (1981) Peter Rose

On to The Man Who Could Not See Far Enough. Having figured out the basic laws that characterized “diachronic motion” I then wanted to apply these to the articulation of something more personal, more poetic, and more evocative, and so I tried to assimilate the approach to a grander ambition.

"The Prologue" is interesting. I had written the text while traveling in the Caribbean in the late sixties and liked the way it seemed to apply to the game of hide and seek being played by the shadow of the car. I tried narrating it in English but found it hideously dull and thought that perhaps a voice speaking another language might bring a little gravitas and register to the occasion. It seemed arbitrary to settle on any particular tongue and so I thought I’d invent a language for the occasion. Several weeks of improvisatory articulation led me to develop a kind of right-brain talent for riffing in what sounded like a language. And so I “translated” each line into what sounded like it might be a semantic equivalent, taking cues from the etymology and rhythm of the English utterance. (I later exfoliated this approach into a much more complex investigation called Secondary Currents (1982)…).

Moving on: the second section, titled “One”, actually, is a visual representation of what I understand to be “klangfarbenmelodie”, tossing around a melodic idea between different instruments. Here the landscape is, in effect, tossed around by the force of Time –we see a consistent subject but it has been refracted by weather and time of day–. (This particular section took me a year to make; I composed and executed many different scenarios but this was my favorite). The melody here, too, is tossed around between different instruments so there is a fairly literal relationship between sound and image.

“Two” is pretty self-explanatory, although it is fun to note that the sound of impacts, made occasionally throughout the film as if they were made by cars hitting struts on the bridge, was actually made by dropping a chair on a bare floor and adding a little echo. Too, the voice moves from a vaguely interior space throughout most of the narration and out into an exterior soundspace at the end.

The Man Who Could Not See Far Enough (1981) Peter Rose

“Three” was shot during total solar eclipse of the sun. I’ve seen three eclipses and they are so totally overwhelming that it is difficult to shoot in any objective way. This particular event took place off the coast of Mauritania when I was on a boat with a bunch of astronomers who also wanted to observe the event. I wanted to document the way the sky changed, rather than concentrating on the details of the eclipse itself. That was, I thought, the source of the power of the moment. The multiple image is directly inspired by the music of Steve Reich insofar as it devolves upon unpredictable structures that arise when predictable cycles of different lengths are juxtaposed. It starts out seeming to be completely ordered, but then it seems chaotic, and then it returns to another kind of order –like a sign being given–. This is all the consequence of the algorithm I used to construct the compound image. But the sound is actually generated by my voice –I thought of it as the “sound of light”–.  The screams of the astronomers were recorded on location during the event.

Part "Four" is too complex to be described verbally. Suffice it to say that we see a hemisphere of space that revolves, like a kind of astronomical instrument, and which presents us with an perfectly coherent image of the sky and yet a fractured and fragmented image of the viewer. And yet there are no cuts…. Sound was made by recording running water and slowing it down.

Finally, part "Five" is pretty self-explanatory. As backstory, I’ve climbed around ten bridges, most without permission, and thought it would be fabulous (taking the term in its original meaning) if I could climb the most iconic bridge in North America. I had originally been given permission to go up in November, and had intended to go up to the first tower only, but the weather was bad and, in the interim, I realized that I had to cross the whole bridge if it was to be about “passage” rather than “conquest.” The final image is modeled on Peter Bruegel The Elder’s Landscape with the Fall of Icarus (1555), wherein the protagonist is so small as to be almost invisible. The track was taken from Ornette Coleman’s Skies of America (1972), but I superimposed the music over itself with a one measure delay, trying to suggest an immense space through sound and resonating with some of the thinking, certainly, behind Analogies. When I showed it, upon a fortuitous occasion, to Ornette Coleman he summarized the film in the most marvelous way. He said:

“I see what this film is about…..It’s about the Open”.

In all of this I’ve been immensely impressed and inspired by the work of many: Michael Snow, Peter Greenaway, Steve Reich, Phillip Glass, Hollis Frampton, Harry Partch, Sid Caesar and Maya Deren.

Analogies: Studies in the Movement of Time (1977) Peter Rose

1 de noviembre de 2017

Señales de representación – Hamaca / White Frame / Lo Pati

A Dial M for Mother (2009) Eli Cortiñas

El sábado 11 de noviembre el centro de arte Lo Pati de Amposta acoge la sesión "Señales de representación", una colaboración entre Hamaca y White Frame presentada por quien esto suscribe. El texto que sigue a continuación explica la propuesta de curadoría compartida y puntúa algunos de los rasgos principales de los trabajos incluidos:

La plataforma artística White Frame y la distribuidora de videocreación Hamaca unen sus fuerzas en un proyecto conjunto de comisariado que, mediante una representación selecta de trabajos videográficos actuales, propone una aproximación al vídeo de artistas suizos y españoles. Estas dos asociaciones establecidas en Basel y Barcelona, de la mano de los comisarios Chantal Molleur y Albert Alcoz, ofrecen un programa dividido en dos partes –de unos tres cuartos de hora cada una– donde las obras de videocreadores helvéticos dialogan, sutilmente, con las piezas de realizadores nacionales. Esta muestra variada de manifestaciones audiovisuales no solo corrobora el amplio campo de actuación de los videocreadores y videocreadoras seleccionados, sino que también transmite la dimensión crítica que la selección de obras pone en circulación. Las inquietudes ideológicas son el primer plano de unos vídeos que transmiten problemáticas contemporáneas sugiriendo alternativas mediante vías de escape ilusorias. Lo hacen a través de un análisis riguroso de las posibilidades que ofrecen las herramientas del vídeo digital. Es por esta razón que el conjunto de instancias videográficas queda englobado bajo un enunciado –Señales de representación– que evoca tanto el método tecnológico que hay detrás de la formación de sonidos e imágenes en movimiento como las figuras que describen y las formas que precisan.

El primer bloque de la proyección –protagonizado por las miradas y los oídos de los creadores suizos– establece una serie de perspectivas híbridas que representa tensiones entre el ser humano y todo aquello que lo rodea. El impacto de la tecnología digital en la cotidianidad de las personas, y la ruptura de la señal emitida en forma de código binario, se hace explícito tanto en OS Love (2016) de Luc Gut como en Frecuency (2008) d’Esther Hunziker. La pulcritud simulada por la magia visual del primero contrasta con la crudeza en la definición de la apropiación analógica del segundo. Son trabajos que remiten al medio del vídeo colocando en primer término la interactuación que sucede entre la pantalla y el usuario. La simplicidad expositiva de Judith Albert en Mare Mosso (2016) esconde una reflexión sobre el paisaje marítimo que, al incluir la identidad de la intervención humana durante la captura de las imágenes, transforma el espacio representado en una dimensión onírica que destila lirismo. El tono literario y el paisajismo también están presentes en Paradies (2016) de Max Phillip Schmid, un ensayo versátil que cuestiona, con una voz en off poética, el contexto de la naturaleza como espacio apto para el descanso contemplativo. En Ersatz (2012) Elodie Pong presenta la discusión de una pareja que, inmersa en un cruce absurdo de palabras sobre la fragilidad de la noción de identidad, acaba estableciendo un razonamiento filosófico no exento de humor. True, false or slightly better (2015) del collectif_fact cuestiona aquello establecido, oscilando entre el registro neutral del documental y la puesta en escena de la ficción. El juego de movimientos desplegado por unos operadores concentrados en un simulacro de acciones hacen dudar sobre la validez y la funcionalidad de las mismas actuaciones. Yves Netzhammer, por su parte, hace uso de la animación por ordenador en Tage ohne Stunden (2015), una pieza inicialmente exhibida como videoinstalación que establece vínculos entre la tecnología, el medio ambiente y el cuerpo humano desde una óptica enigmática algo turbia.

El segundo bloque del programa –con obras hechas exclusivamente por artistas españoles– plantea un recorrido ecléctico por las prácticas videoartísticas recientes mientras insinúa la relevancia del reciclage fílmico y las rupturas con las convenciones narrativas. Con Iowneom Streets (2014) Lucía Moreno reutilitza representaciones multimedia prototípiques de internet y animaciones de ficción norteamericana para experimentar un viaje inquietante hecho de errores gráficos. Eli Cortiñas también descontextualiza filamciones de largometrajes narrativos para desmontar sus lecturas. En Dial M for Mother (2009) entrecruza una llamada personal con imágenes de tres films de Gena Rowlands para establecer una supuesta comunicación telefónica con su progenitora. Florencia Aliberti recicla grabaciones con webcam subidas online por usuarios de YouTube para hacer explícitas las dudas existenciales y las crisis de identidad de todos los que interactúan con el ciberespacio. Tanto en Am I? (2012) como en Coming Out (2015) propone diferentes lecturas de lo que supone dirigirse, desde un ámbito privado, a una esfera pública mundial como es la de internet. Ahold of Get the Things To (2014) de Daniel Jacoby es una narración performática donde aquello dicho por los diferentes intérpretes no coincide con los hechos visualizados. El ritmo de las secuencias delimitadas por el proceso de filmación en 16 mm crea una dialéctica compleja y confusa que tiene un rocódromo como principal localización. La ausencia de escenario, o la completa neutralidad del mismo, es uno de los puntos capitales de A Specific Representation (2016) de Mireia Saladrigues. La simulación de los gestos característicos de los visitantes, en un contexto supuestamente artístico, se convierte en un estudio sobre el intercambio de papeles respecto al objeto de contemplación. Con esta última reflexión, acerca de la dualidad de la función del espectador sobre la representación, se cierra un programa heterogéneo de trabajos en vídeo que transmite métodos ingeniosos de capturar y editar el devenir de los sonidos y las imágenes en movimiento.

Señales de representación #01: White Frame
47 min. aprox.

OS Love (2016) Luc Gut. 6 min.
Frecuency (2008) Esther Hunziker. 3 min.
Mare Mosso (2016) Judith Albert. 4 min.
Paradies (2016) Max Phillip Schmid. 15 min.
Ersatz (2012) Elodie Pong. 4 min.
True, false or slightly better (2015) collectif_fact. 7 min.
Tage ohne Stunden (2015) Yves Netzhammer. 8 min.

OS Love (2016) Luc Gut
Frecuency (2008) Esther Hunziker
Mare Mosso (2016) Judith Albert
Paradies (2016) Max Phillip Schmid
Ersatz (2012) Elodie Pong
True, false or slightly better (2015) collectif_fact
Tage ohne Stunden (2015) Yves Netzhammer

Señales de representación #02: Hamaca
46 min. aprox.

Iowneom Streets (2014) Lucía Moreno. 3 min.
A Dial M for Mother (2009) Eli Cortiñas. 11 min.
Am I? (2012) Florencia Aliberti. 3 min.
Coming Out (2015) Florencia Aliberti. 4 min.
Ahold of Get the Things To (2014) Daniel Jacoby. 17 min.
A Specific Representation (2014) Mireia Saladrigues. 8 min.

Iowneaom Street (2014) Lucía Moreno
Am I? (2012) Florencia Aliberti
Coming Out (2015) Florencia Aliberti
Ahold of Get the Things To (2014) Daniel Jacoby
A Specific Representation (2014) Mireia Saladrigues

27 de octubre de 2017

Radicales libres – Presentación Aula Xcèntric'17

Reverie (200) Ana Pfaff

El domingo 5 de noviembre empieza la programación de Xcèntric con una sesión dedicada a mostrar algunos de los trabajos fílmicos más representativos de los ponentes que participarán en el Aula Xcèntric '17. A través de una selección breve de sus trabajos se plantea una introducción a cada una de las materias a desarrollar en sus respectivas ponencias. La cineasta y programadora Elena Duque ha seleccionado una pieza propia de animación experimental. El escritor y profesor Juan Antonio Suárez ha decidido incluir tres piezas de David Domingo que dan margen para debatir las sexualidades disidentes. La montador Ana Pfaff –artífice junto a Ariadna Ribas del colectivo Dos Topos– muestra un trabajo de reciclaje audiovisual enmarcado dentro de la apropiación de imágenes del Archivo Xcèntric. El cineasta documentalista Andrés Duque ha escogido una serie de fragmentos de uno de sus largometrajes recientes para representar su particular noción del cine ensayo. Quien esto suscribe incluye dos filmaciones silentes en super 8, montadas en cámara, que incluyen conceptos ligados al cine estructural. La teórica y cineasta Esperanza Collado añade un fragmento de un proyecto de paracinema y cine expandido que cruza el proceso de escritura y lectura con los de la grabación audiovisual y su reproducción. La sesión, especialmente dirigida a las personas matriculadas en el curso, es de acceso libre y gratuito. Gloria Vilches, coordinadora de Xcèntric y directora del Aula, se encargará de presentarla y establecer un debate posterior con la audiencia y un servidor.


Elena Duque: La mar salada, 2014, video, 2.50 min.

Juan A. Suárez: Helados derretidos, 2010, super8 transferido a video, 4 min; Pianissimo, 2015, video, 2.30 min; Jurassic Cruising Park, 2017, 16mm transferido a video, 2 min.

Ana Pfaff: Reverie, 2009, video, 5.50 min.

Andrés Duque: fragmento de Color perro que huye, 2011, video, 70 min.

Albert Alcoz: Espectro cromático, 2015, 3 min; y Triple exposición, 2013, 10 min.

Esperanza Collado: fragmento de Things Said Once (2015).

La mar salada (2014) Elena Duque
Jurassic Cruising Park (2017) David Domingo
Color perro que huye (2011) Andrés Duque
Espectro cromático (2015) Albert Alcoz
Things Said Once (2015) Esperanza Collado

16 de octubre de 2017

CRANC #10: Dedo Ciego

Waves (2016)

El viernes 20 de octubre a las 20:30h tendrá lugar la primera sesión CRANC de la segunda temporada con la presencia de Dedo Ciego. Dedo Ciego es el trabajo de Ana Gale y Joaquín Urbina. Juntos exploran la imagen en movimiento con una especial devoción por el experimento y el error, combinando procesos analógicos con materiales digitales y técnicas artesanales para lograr resultados únicos en cada una de sus piezas. La musicalidad y el ritmo de la imagen, el tratamiento orgánico de texturas y el uso conceptual del collage son algunos de los rasgos más visibles dentro de la naturaleza ecléctica y promiscua de su lenguaje audiovisual. La selección incluye desde videoclips, hasta títulos de crédito y cortometrajes.

Viernes 20 de octubre a las 20:30h
5€ con consumición
C/ de la Legalitat, 18
M L4 Joanic, L3 Fontana

Proyección de vídeos con la presencia de los realizadores.

Late Aspirations (2008), 1’05”
Lullaby Crocodile (2012) 2:20
Smashing Titles (2012), 2’10”
Rrose Sélavy (2016) 4:30
Waves (2016) 2:26
Bailar (2016) 3:34
My Brain (2014) 3:14
Beyond Telerrand (2014) 1:00
Across the Royal Dust (2015) 11:17
The Key Moment (2013) 4:05
Go-Google (2016) 2:53
Delirios automáticos (2013) 4:02
The World Is Changing, Femi Kuti (2013) 4:00

Late Aspirations (2008)
Delirios automáticos (2013)
Delirios Automáticos (2013)
The Worlds is Changing, Femi Kuti (2013)

9 de octubre de 2017


Fotografía de Blanca Viñas

Este último mes Visionary Film ha dejado de publicar contenidos relativos a la actualidad del cine experimental y la videocreación. Esto ha sido así porque hay cierto agotamiento de este tipo de entradas por parte de quien esto suscribe. Ya hay otras redes sociales o plataformas web donde, fácilmente, se puede estar al día de festivales, proyecciones, exposiciones, eventos, publicaciones y demás noticias referentes al ámbito de la experimentación con los sonidos y la imagen en movimiento. Sin ir más lejos, la página Experimental Cinema dirigida por nuestro amigo Marcos Ortega cumple perfectamente con esta función.

A partir de ahora la web Visionary Film variará ligeramente sus contenidos. Dejará de prestar una atención exclusiva a la novedad para decantarse la crítica fílmica o artística y la difusión de proyectos personales. De este modo las labores de programación, curadoría, realización y escritura cinematográfica adquirirán mayor peso en el proyecto. Todas las sesiones de CRANC seguirán anunciándose, tal y como en su momento se hizo con las de Amalgama o las de Cinema Anèmic. Los escritos publicados en otros medios –como los publicados en Venusplutón!, Blogs&Docs, Cultura/s de La Vanguardia, Caimán. Cuadernos de cine o Found Footage Magazine– también continuarán añadiéndose aquí. Del mismo modo lo harán esas breves Recomendaciones para hoy de libros y DVDs.

La novedad del planteamiento viene dada por la voluntad de recuperar una tipología de entrada que ha tenido poco incidencia a lo largo de estos más de diez años de existencia: la labor crítica publicada exclusivamente en la web –ya sea mediante crónicas de festivales, análisis de películas o valoraciones sobre exposiciones–. La difusión de la propia práctica fílmica también adquirirá relevancia, tal y como sucedía durante los primeros años de andadura de la web.

Es por todo ello que a partir de ahora Visionary Film publicará con menor regularidad. El motivo principal es dejar de lado la promoción de actividades que se suceden ininterrumpidamente en la escena de la experimentación fílmica y así poder ofrecer una inquietud crítica renovada, un tipo de análisis que aporte herramientas con las que considerar la oferta cultural de estas propuestas cinematográficas y videográficas diferentes. Muy a menudo, como indica el refrán, "los árboles no dejan ver el bosque" –de ahí la fotografía de Blanca Viñas que ilustra este texto–. Ese bosque metafórico, ese amplio escenario plagado de contradicciones, tras la consolidación de los soportes digitales y la continua recuperación de los formatos analógicos auspiciada por la red de laboratorios independientes y los festivales de cine analógico, resulta ser un entorno más híbrido, heterogéneo, transversal y mutante que nunca.

5 de octubre de 2017

Presentación del libro "Resonancias fílmicas"

La librería Documenta y la editorial Shangrila os invitan a la presentación de:

Eugeni Bonet, escritor, creador y artista, conversará con el autor del libro.

Viernes 6 de octubre de 2017 a las 19h.

Librería Documenta
C/ Pau Clarís, 144 (Barcelona)

5 de septiembre de 2017

25 FPS Festival – 13th edition

Pattern Language (2016) Peter Burr

Entre el 28 de septiembre y el 1 de octubre se celebra una nueva edición del Festival 25 FPS de Zabgreb (Croacia). Dedicada a proyectar películas "independientes y no comerciales" que investigan la idiosincrasia de los medios audiovisuales cruzando lenguajes, narrativas y estéticas que entienden la disciplina cinematográfica como arte. La sección competitiva, la selección programada por el jurado, los ejercicios de cine expandido, el apartado Reflexes dedicado a las producciones croatas y el bloque Odes to Film centrado en la experimentación fílmica en celuloide son los apartados principales del festival. De momento la sección competitiva ya ha sido anunciada en la web con un listado de títulos que incluyen trabajos del holandés Joost Rekveld, la española Laida Lertxundi, la norteamericana Jesse McLean o el francés Pierre Edouard Dumora, entre otros.

20160815, Tina Frank, AT, 2016
#67, Joost Rekveld, NL, 2017
025 Sunset Red, Laida Lertxundi, ES, US, 2016
Another Planet, Amir Yatziv, DE, IL, 2017
Explosion Ma Baby, Pauline Curnier Jardin, NL, FR, 2016
Flores, Jorge Jácome, PT, 2017
Foyer, Ismaïl Bahri, FR, TN, 2016
Framelines, Sabine Gruffat, US, 2017
Green Screen Gringo, Douwe Dijkstra, NL, BR, 2016
Keep that Dream Burning, Rainer Kohlberger, AT, 2017
La Bouche, Camilo Restrepo, CO, FR, 2017
Meridian Plain, Laura Kraning, US, 2016
Pattern Language, Peter Burr, US, 2016
Periferija, Leona Kadijević, HR, 2017
Rubber Coated Steel, Lawrence Abu Hamdan, US, 2016
See a Dog, Hear a Dog, Jesse McLean, US, 2016
Shadow-Machine, Elise Florenty, Marcel Türkowsky, FR, DE, JP, 2016
Skoro ništa: i dalje noć, Davor Sanvincenti, HR, 2017
The Peacekeeper, Pierre Edouard Dumora, FR, 2017
The Watchmen, Fern Silva, US, 2017
The Welfare of Tomás Ó Hallissy, Duncan Campbell, IE, UK, 2016
Trip, Marko Meštrović, HR, 2017
upCycles, Ariana Gerstein, US, 2016
Walking Cycle, Wenhua Shi, US, CN, 2016
What Happens to the Mountain, Christin Turner, US, 2016

Rubber Coated Steel (2016) Lawrance Abu Hamdan
Flores (2017) Jorge Jácome
Another Planet (2017) Amir Yatziv

2 de septiembre de 2017

Ingravidez marítima

20 de agosto de 2017

Radicales libres. Una aproximación al cine experimental – Aula Xcèntric 2017

Brouillard Passage #14 (2013) Alexandre Larose

A partir del 7 de noviembre, y hasta el 19 de diciembre, Xcèntric organiza un curso en las instalaciones del CCCB dedicado a debatir algunas de las líneas principales acontecidas en la historia del cine experimental. Radicales libres. Una aproximación al cine experimental es el enunciado de una Aula Xcèntric que este año propone un acercamiento teórico de algunas de las tendencias más representativas de la vanguardia cinematográfica, la experimentación fílmica y las prácticas heterodoxas de la documentación audiovisual. Tras una introducción a los conceptos principales que articulan las propuestas fílmicas de carácter vanguardista –tanto estéticos como políticos–, el curso se centra en un conjunto de temáticas y géneros históricos, presentes en las prácticas audiovisuales actuales. El cine estructural y sus dinámicas sonoras, el desmontaje del found footage, la representación de la realidad en el cine-ensayo, las técnicas de animación experimental, el queer cinema más singular y las connotaciones perceptivas del cine expandido son algunos de los puntos clave de unas sesiones impartidas por especialistas de sus materias. En este enlace se pueden consultar con detenimiento los planteamientos de cada bloque. El programa completo es el siguiente:

7 de noviembre: Breve historia del cine de vanguardia. Gloria Vilches
14 de noviembre: Sonido y cine estructural. Albert Alcoz
21 de noviembre: Found footage. Apropiación y (re)montaje. Ana Pfaff
28 de noviembre: Cine-ensayo: la reconfiguración de lo real. Andrés Duque
5 de diciembre: La animación experimental: imaginar lo inimaginable. Elena Duque
12 de diciembre: El cine experimental y las sexualidades disidentes. Juan Antonio Suárez
19 de diciember: El cine como experiencia: contracciones y expansiones. Esperanza Collado

En paralelo al curso Aula Xcèntric 2017 se han preparado tres proyecciones con selecciones de algunas de las piezas más paradigmáticas del cine experimental. La materialidad del soporte fílmico y las consideraciones intrínsecas de su articulación (imagen fotoquímica, montaje métrico, proyección lumínica, etc) son los conceptos que resuenan en el primer programa. El diario fílmico hecho de miradas personales y trazos líricos –con película de 16 mm– son los ejes de la segunda sesión. La tercera proyección gira alrededor del vínculo entre el cine y las artes plásticas bidimensionales (dibujo, pintura, collage), ya sea desde la figuración o la abstracción.

23 de noviembre: ¿De qué está hecho el cine?
30 de noviembre: Diarios, notas y bocetos
7 de diciembre: La cámara como pincel, la película como lienzo

Notebook (1962-63) Marie Menken
Colour Separation (1976) Chris Welsby
Voiliers et coquelicots (2001) Rose Lowder

2 de agosto de 2017

¡Luz! La linterna mágica y la imagen digital. Complicidades entre el s.XIX y XXI – Museu del Cinema de Girona

Desde el 28 de junio se puede visitar la exposición ¡Luz! La linterna mágica y la imagen digital. Complicidades entre el s.XIX y XXI en el Museo del Cine de la ciudad de Girona. Esta muestra temporal exhibe la colección de imágenes que se mostraban con las linternas mágicas durante los siglos XVIII y XIX, mientras relata los diferentes contextos en los que se proyectaban. Simultáneamente se propone una lectura transversal de la linterna mágica –el máximo precedente de la proyección de diapositivas y materiales fílmicos– con una serie de materiales contemporáneos que vinculan los espectáculos precinematográficos con la imagen digital actual. Estas complicidades se desvelan a través de una selección de GIF's procedentes de la página web www.giphy.com; una pieza de videocreación titulada Hoth a cargo de los artistas Alba G. Corral y LCC; una selección de vídeos digitales hechos con la técnica del time lapse; el trabajo de mapping Irrelevant creado per ARCAAN; el proyecto Digital Signage in Times Square New York y una conjunto de aplicaciones digitales destinadas a crear imágenes mediante el uso del código binario y las posibilidades de la informática. Jordi Pones, Montse Puigdevall, Daniel Pitrch y Ariadna Lorenzo han sido los comisarios de una labor expositiva  que se podrá visitar hasta enero de 2018. En este enlace se puede visionar un vídeo donde se muestran algunas de las placas exhibidas. En este otro enlace se puede descargar el dossier de prensa en PDF con toda la información relativa a las piezas expuestas.