28 de junio de 2016

Eye on a Director: Canyon Cinema MAD


July '71 (1971) Peter Hutton

Entre el 7 de julio y el 18 de agosto el MAD, el Museo de Arte y Diseño de Nueva York, programa un ciclo de películas pertenecientes al catálogo de Canyon Cinema. Seis proyecciones y una mesa redonda con Scott MacDonald, Dominic Angerame, Jonas Mekas, Seth Mitter y Lynne Sachs, forman una programación titulada Eye on a Director dedicada a representar voces subestimadas de la historia del cine y el video artístico. Marie Menken, Robert Huot, Gunvor Nelson, Stephanie Baros, Barbara Hammer, Abigail Child, Robert E. Fulton y el recientemente desaparecido Peter Hutton, son algunos de los cineastas cuyo trabajo ha sido seleccionado. Sus películas "prueban los límites del medio y desafían los espectadores a expandir su concepto de la imagen en movimiento". Through the Looking Glass: Menken, Kobland, Huot, Palazzolo & Kreines, Five Artists: Billbobbillbillbob, Sense and Sensuality: Bay Area Feminist Filmmaking of the 1980s, Peter Hutton: July '71 + Skagafjörður, Secession: The Decay of Patriarchy y Continuing Cadences: Fulton, Angerame, Sonbert son todos los enunciados de unas proyecciones de filmaciones que entrelazan el registro documental con la mirada lírica mientras reclaman la atención sobre el feminismo, el paisajismo y una visión interdisciplinar de las prácticas artísticas.


Maternal Filigree (1980) Sandra Davis
Glimpse of the Garden (1957) Marie Menken
Skagafjörður (2002-2004) Peter Hutton

22 de junio de 2016

Bains Argentiques – International Film Labs Meeting


26 Pulse Wrought (2014) Andrew Busti

Entre los días 4 y 9 de julio el proyecto RE MI organiza el Bains Argentiques, un encuentro internacional de laboratorios independientes que tendrá lugar en Nantes y Le Pellerin (Francia). La creación, la preservación y la circulación de conocimientos ligados a la técnica fílmica analógica son los puntos principales que defienden los tres laboratorios que han diseñado el evento. El Mire de Nantes, el WORM.FIlmwerkplaats de Rotterdam y el LaborBerlin de Berlin han sido los artífices de diseñar un programa de proyecciones encargadas a comisarios, un listado de performances y conciertos fílmicos en directo, un conjunto de talleres, mesas redondas, presentaciones y otras actividades paralelas dedicadas a difundir el trabajo de decenas de personas involucradas en las posibilidades creativas del sonido y la imagen en movimiento a través de la emulsión del celuloide. Scott Fitzpatrick, Kim Knowles, Katia Rossini y Cristina Miranda son algunos de los programadores invitados. Josh Lewis, Denis Rollet, Karel Doing y los colectivos Ojoboca, 70fps y Cráter son algunos de los artistas que ofrecerán propuestas en directo. Pero ante todo, lo que sobresale es el gran número de laboratorios –casi 50 de cinco continentes diferentes– involucrados en un evento que promete grandes dosis de visionados y múltiples conocimientos fílmicos a compartir y celebrar. La selección de films que incluí en la sesión que me pidieron consta de los siguientes títulos:  

Reconfigurando la percepción

Un grupo de estrategias visuales dirigidas a revelar la naturaleza fotoquímica de la imagen quedan presentadas en una sesión que reconfigura la percepción. Proponiendo una serie de efectos fílmicos decantados hacia la búsqueda de estéticas singulares, las películas seleccionadas huyen de la representación para acercarse a lo inefable de lo anti-ilusionista. Imágenes en negativo, dobles visiones, múltiples exposiciones, transformaciones cromáticas, superficies matéricas e impulsos estroboscópicos demuestran el amplio espectro de posibilidades del celuloide.

Needle in the Sway (2015) Roger Beebe. 16 mm. 3 min.
26 Pulse Wrought - (Film for Rewinds) Vol. I Windows for Recursive Triangulation
(2014) Andrew Busti. 16 mm. 3 min.
Round Trip (2014) Philippe Leonard. 16 mm. 3 min.
Red Mill (2013) Esther Urlus. 16 mm. 5 min.
Konrad & Kurfurst (2014) Esther Urlus. 16 mm. 7 min.
Deep Red (2012) Esther Urlus. 16 mm. 7 min.
Blue Line Chicago (2014) Richard Tuohy. 16 mm. 10 min.
On the Invention of the Wheel (2015) Richard Tuohy.16 mm. 15 min.


Red Mill (2013) Esther Urlus
Round Trip (2014) Philippe Leonard
Blue Line Chicago (2014) Richard Tuohy

14 de junio de 2016

CRANC #02: Dostopos


Valores fuera (2016)

El viernes 17 de junio tiene lugar la segunda sesión de CRANC dedicada al trabajo del colectivo Dostopos. Dostopos es el nombre bajo el que se incluyen las obras de creación que hacen Ana Pfaff y Ariadna Ribas, montadoras audiovisuales profesionales. Su estética se basa en el collage gráfico y audiovisual; recortando, remontando y reinterpretando todo aquello que pasa por sus manos. En esta sesión podremos ver videoclips, proyectos artísticos y alguna pieza casi inédita que han realizado durante estos últimos años.

Viernes 17 de junio a las 20:30h
5€ con consumición
C/ de la Legalitat, 18.
M L4 Joanic, L3 Fontana

Nadala CCCB (2014). Vídeo. 1'16''
Ella está en un punto (2011), videoclip per a Sonio. Vídeo. 3'18''
La Perla (2014), videoclip per a El Petit de Cal Eril. Vídeo. 1'44''
Usted está aquí (2012), videoclip per a Alado Sincera. 3'25''
Brana Calypso Dendrita (2012). David Domingo, Darío Peña i Dostopos. Vídeo. 13'31''
Valores Fuera (2016), videoclip per a Picore. Vídeo. 3'48''
Malditos de la riqueza y la pobreza (2015). Vídeo. 5'31''
Locura: Salomé (2016). Vídeo. 9'41''


Locura Salomé (2016)
Usted está aquí (2012)
Usted está aquí (2012)

9 de junio de 2016

100% Organic Cinema – La Casa Encendida


Emblem (2012) Rei Hayama

La Casa Encendida de Madrid organiza un taller de creación fílmica experimental en celuloide que se imparte entre los días 7 y 10 de junio. 100% Organic Cinema es el título que engloba una introducción a las prácticas fílmicas independientes en soporte de 16 mm. La filmación, el proceso de revelado, la manipulación plástica de la emulsión, el montaje de apropiación, la ilusión tridimensional durante la proyección y la creación de sonido óptico a través de la célula fotoeléctrica de los proyectores serán algunos de los temas tratados. Las tres sesiones conducidas por Makino Takashi, Rei Hayama, Miguel Aparicio y un servidor constan de introducciones teóricas, visionados y realizaciones prácticas con los materiales cinematográficos. "Cine orgánico 3d hecho a mano", "La cámara de 16 mm y el revelado" y "Cine sin cámara de apropiación en 16 mm" son los tres enunciados de una actividad realizada en el marco del festival Filmadrid, coordinada por los Laboratorios de La Casa Encendida y que cuenta con la inestimable colaboración de Ocho y Pico.


Cabeza de perro (2016) Miguel Aparicio
still in cosmos (2009) Makino Takashi

3 de junio de 2016

Desautorización de la voz en off. Dos filmes instructivos de George Landow




Publicado en el primer número de la revista Blow-Up – Film And Visual Arts

New Improved Institutional Quality: In The Environment Of Liquids And Nasal A Parasitic Vowel Sometimes Develops (1976) de George Landow es una relectura irónica y ampliada de su propio filme Institutional Quality (1969). Siete años separan las dos piezas. Tiempo suficiente para que el cineasta -–también conocido como Owen Land– desmonte sus propias credenciales artísticas, dando una vuelta de tuerca más al componente sarcástico presente en el primer título. Estos dos trabajos del realizador norteamericano ejemplifican su postura antiromántica respecto a la práctica experimental, su mirada crítica en relación al “visionary film” encumbrado por el teórico P. Adams Sitney, principalmente, a través de la poética mitológica del cineasta Stan Brakhage. George Landow es, junto a Robert Nelson, uno de los artistas más insistentes en desacreditar, desde su interior, los mecanismos de legitimación estética del cine experimental, con una voluntad autocrítica que acude indistintamente a un humor anguloso hecho de planteamientos visuales ingeniosos o a una ambigüedad formal de raíz metacinematográfica con trasfondo postmoderno.

El nexo común de estas dos producciones es el hecho de proponer una construcción fílmica desarrollada a modo de parodia de los test pedagógicos. Para hacerlo George Landow se sirve de una cinta magnética ajena que incluye la grabación de una voz instructiva, destinada a plantear una prueba de ámbito educativo que evalúe la comprensión auditiva del oyente. Esta banda sonora encontrada es el desencadenante de dos filmes que son de los pocos existentes en la tradición del cine experimental cuyo origen sea la reutilización completa de un artefacto sonoro apropiado, ya registrado, debidamente descontextualizado de principio a fin. Su nueva finalidad es diametralmente opuesta a la original, de modo que el principio metodológico que rige el filme es una operación de détournement, un desvío sufrido por el objeto acústico. En una entrevista a Mark Webber, George Landow explica el origen del filme: “this began with a found object too, the soundtrack, wich was an audio tape I had inherited from a former schoolteacher”. A partir de este reciclaje sónico el cineasta configura un montaje de planos con elementos figurativos filmados por él mismo, estructurados como una celebración lúdica de lo absurdo.

Institutional Quality empieza con la imagen de una mujer y una voz femenina –no sincronizada– explicando que lo que se va a escuchar a continuación es un test sobre cuán bien puede uno seguir las indicaciones. Seguidamente comenta que no es un test sobre lo bien que el oyente puede contestar preguntas o asimilar ideas. La retahíla de órdenes que siguen a partir de este momento son una interpelación directa al espectador: “do exactly what I tell you”, “do not ask questions”, “do not guess”, “do not worry”, “do not look at the picture”, “listen carefully to the first problem”. La explicación inicial sobre el seguimiento de las instrucciones es la única argumentación coherente del filme. Tras ella, un cúmulo de ejercicios irrealizables -–intentados por una presencia humana puesta a prueba, situada en fuera de campo– van escuchándose sin solución de continuidad. El hecho de que el espectador se identifique con el sujeto que trata de llevar a cabo, infructuosamente, esta serie de operaciones recitadas por la voice over, permite englobar la película bajo la noción de participatory film. Las discrepancias que se establecen entre los sonidos y unas imágenes que, supuestamente, deberían responder a los imperativos planteados, aumentan secuencialmente a lo largo de las catorce escenas independientes que forman el filme. Las instrucciones del filme, ilógicas y contradictorias, favorecen las dudas y la confusión tanto del oyente-espectador como de la presencia de aquel que se dispone a hacer el test. Para Paul Arthur esta operación niega la identificación emotiva y unidireccional del cine de ficción habitual revelándose como una fricción colaborativa, “a tension, an active dialogue with its observer in the form of anticipating on-screen movement and the figuring of contradictory information”. Este proceso de interpelación reclama la atención del espectador invitándolo a anticiparse en la resolución de cada uno de los problemas planteados.

George Landow cuestiona así la relación existente en el cine narrativo –tanto en la ficción como en el documental– entre el montaje de imágenes y los argumentos verbales añadidos en off durante la fase de postproducción. Esta relación de dependencia de las imágenes respecto al texto verbal queda problematizada al extremarse sus diferencias semánticas hasta límites inconcebibles. Colocando la distancia entre el mensaje, el código, el emisor y el receptor en el centro del debate, Insitutional Quality plantea la incomunicación a través de la incongruencia informativa. Interrogando el lenguaje en paralelo a la representación visual, George Landow hilvana un diálogo imposible entre la dimensión sonora y la superficie visual para cuestionar la autoridad mediante un despliegue de recursos hilarantes que acrecientan su ironía a medida que el poder omnisciente del discurso verbal queda contrarrestado por unas figuraciones disociadas. Estos desencuentros entre el binomio sonido/imagen producen un caos que desequilibra su homologación cultural. La cualidad institucional que anuncia el título queda resuelta como un filme educacional imposible –un “instructional film”– que pone en duda los mecanismos pedagógicos de las normas pronunciadas. Las instrucciones explicitadas por esta voz en off femenina generan una paradoja que permite comprender una de las lógicas del filme: el grado de importancia que adquiere la voz cuya fuente sonora se desconoce, sumada al poder de persuasión que reclama, contrasta con la imposibilidad de actuar según sus dictámenes a raíz de la discrepancia entre la enunciación y el contexto en el que se manifiesta. Sin duda el filme es una crítica implícita a la autoridad, hecha desde el humor, que pone en evidencia la inutilidad del poder cuando trata de imponerse fuera de su hábitat natural.

Este homenaje explícito a la malinterpretación que suelen suscitar ciertos ejercicios de aprendizaje queda ampliado en la segunda pieza didáctica de George Landow. Tanto una como otra articulan un sinsentido estructurado entre la escucha de un monólogo autoritario disparatado y la visualización de un intento, inútil, de seguir las instrucciones al pie de la letra. Su filme posterior sigue un patrón sonoro similar pero está mucho más elaborado, tanto en su nivel visual como en su poso conceptual. Las escenas filmadas en platós cinematográficos rigurosamente iluminados alcanza un grado de sofisticación que sugiere un minucioso trabajo de preproducción, especialmente en relación a la decoración de escenarios y el uso de objetos expresamente creados para la obra.

En New Improved Institutional Quality: In The Environment Of Liquids And Nasal A Parasitic Vowel Sometimes Develops el realizador ensancha el componente humorístico -–no solo en el título– añadiendo referencias patéticas a algunos de sus filmes anteriores más emblemáticos. Al representar de modo ridículo una de las situaciones más significativas de su filme Remedial Reading Comprehension --(1970) –aquella en la que un hombre corre de noche por unos bosques, mientras aparece escrito el lema “This Is A Film About You”-– y escenificar una simulación de la china girl presente en su pieza minimalista Film In Wich There Appear Edge Lettering, Sprocket Holes, Dirt Particles, Etc (1966), George Landow cuestiona sus logros artísticos anteriores, estudiados en su momento como epítomes del cine estructural. Aquí Art Gower interpreta al oyente evaluado, que se dispone a seguir las instrucciones del mejor modo posible. Un primer plano de su rostro, escuchando detenidamente las instruccion y mirando a cámara, facilita la implicación del espectador que atiende los imperativos verbales. El proceso de numeración que sigue a continuación introduce el cuerpo de Gower en escena, mientras escribe números sobre los objetos indicados. Un inicio más o menos plausible da lugar a unas normas caóticas, impuestas en el test. A los pocos segundos de recibir las primeras consignas el protagonista hace gestos de desaprobación, muecas a cámara que manifiestan su incomprensión ante un discurso plenamente arbitrario. Las frases desvelan contradicciones que quedan visualizadas mediante relaciones distorsionadas, insertos sorpresivos y actuaciones anárquicas, completamente fuera de lugar. Cada uno de los espacios representados demuestra una ligera semblanza con las instrucciones, pero la imposibilidad de llevar a cabo esas acciones de modo correcto convierten el filme en un ensayo sobre la sinrazón que, inevitablemente, provoca desazón.

En este proceso de desobediencia justificada se plantea una crítica a los dominios de poder. Entender el razonamiento impuesto por Landow en su construcción fílmica es uno de los motivos expresos de un trabajo que se puede percibir como un ejercicio de comprensión. Las informaciones contradictorias que se van verbalizando permiten elucubrar de qué modo se resolverán las acciones posteriores por parte del protagonista. Imaginar el nivel de incoherencia que se puede alcanzar en la esfera acústica es uno de los estímulos principales que se pueden recibir durante su visionado. Así el sonido, la imagen y la audiencia tienen un papel activo en una reflexión a tres bandas que está a medio camino del cine cómico y del cine como instancia teórica sobre el medio. En cierto modo el filme se puede leer como heredero de la crítica institucional característica del arte conceptual de la época, aquella que arremete contra las políticas de los agentes culturales que homologan sus manifestaciones.

Como bien afirma Patricia Mellencap, “for Land, after meticulouse artistry, the joke is everything”. Se trata de un tipo de broma sutil, ocurrente e inconexa. Con un componente kitsch -–sugerido por la cotidianeidad doméstica de los elementos representados– y una toque camp –ejemplificado en los estampados del papel de pared– Landow halla la superficialidad simulando una estética Pop ciertamente inquietante. Para Mellencap “his films depict simulations of simulations of “real” life that become increasingly fantastic and elaborate productions”. La fantasía queda visualizada con relaciones de escala inusuales, disfraces extravagantes y acciones estrafalarias que denotan el grado de incomprensión alcanzado. Son dos tests legibles que al trasladarse a la representación cinematográfica desautorizan la voz en off, resolviéndose bajo lógicas ininteligibles donde actuaciones esperpénticas parodian la práctica fílmica experimental sin dejar de cuestionar el poder ilusionista del medio visitando dimensiones oníricas de cariz autobiográfico.

Notas:

(1) SITNEY, P. Adams, ‘Major Mythopoeia en Visionary Film. The American Avant-Garde 1943-1978. Nueva York: Oxford University Press, 1974. Segunda edición 1979. p. 173-227.
(2) Un de los pocos precedentes de estos dos filmes sería la película Rebus-Film Nr 1 (1925) una pieza dirigida por el alemán Paul Leni que, bajo un planteamiento ciertamente naïf, pone a prueba el conocimiento del lenguaje por parte de un espectador que debe solucionar, mentalmente, un crucigrama.
(3) The Song of Rio Jim (1978) de Maurice Lemaître y 133 (1978-79) de Eugènia Balcells y Eugeni Bonet serían otros de los filmes que parten de un materia sonora encontrada para estructurar la realización fílmica.
(4) WEBBER, Mark. Two films by George Landow. Londres: Wallflower, 2006. p. 118.
(5) Como indica Tom Gunning “the participatory film is in some way a film about “you”, the audience watching it”, aspecto que comenta al destacar el filme Remedial Reading Comprehension del mismo George Landow que, según él, “calls into question the process of filmviewing itself, and invites us to explore its ambiguities”. GUNNING, Tom. ‘The Participatory Film’ en American Film. Los Ángeles: American Film Institute. Octubre, 1975. p. 81.
(6) ARTHUR, Paul. ‘The Calisthenic Of Vision. Open Instructions On The Films Of George Landow’ en Artforum. Septiembre 1971. p. 77.
(7) A continuación se incluye una transcripción completa de las instrucciones iniciales: “This is a test. It is a test of how well you can follow directions. There’s is a picture on your desk. Look at the picture. It is a picture of the inside of the house. Now listen carefully and do not look at the picture. This is how the test will go. I will tell you to mark something on the picture. Sometimes I will tell you to put a number like three, four or five, on something. Listen carefully and each time do exactly what I tell you. If you do not understand something that I say do not put any mark on the picture, do not ask any questions, just wait for the next thing I will tell you and try to do it. Remember do not guess any answer. You will provably not be able to answer all the questions. Do not worry, just do the best you can. You can see that is very important that you listen carefully, so you will know what to do. I will tell you what to do only twice. You will not be able to ask any questions during the test. If you do not understand something that I say, do not make any mark on the picture. And do not ask your neighbour. Do not scribble on the picture and do not colour the picture. Do not make any mark unless I tell you to. Now listen carefully for the first problem”.
(8) Algunas de las frases imperativas de este test educativo son: “Turn on the television”, “Turn on the lamp next to the couch”, “Put the umbrella away”, “Have some fruit”, “See if your face is clean”, “If the bed is made up put a number 15 on the bed, if the bed is not made up put a number 16 on the bed”, “Find the lady who has drop something”, “Please open the window”, “Answer the telephone”, “Now write you first name and your last name at the bottom of your picture”, “Now put your pencil down”.
(9) MELLENCAP, Patricia. Indiscretions. Avant-Garde Film, Video, & Feminism. Bloomington: Indiana University Press, 1990. p. 78.
(10) Ídem.





29 de mayo de 2016

4th Winnipeg Underground Film Festival


Australian Paper (2015) Minjung Kim

El Winnipeg Underground Film Festival llega a su cuarta edición con una selección de trabajos experimentales realizados en cine y en vídeo que se proyectarán entre el 3 y el 5 de junio. El Platform Centre de esta localidad de Canadá es el escenario que acogerá once sesiones presentadas por el Open City Cinema que constan de decenas de piezas breves ordenadas bajo criterios formalistas, tecnológicos, semánticos, ideológicos o cognitivos. Celebrar la magia del cinema, la decadencia de la imagen en movimiento digital, la percepción materialista de diferentes juegos cromáticos, las construcciones amorosas de los iconos del celuloide, las confesiones autobiográficas en primera persona, el propio cuerpo como sujeto fílmico, la amistad como espacio de observación antropológico, la mirada iconoclasta a la historia reciente, el paisaje multidimensional y la extrañeza absoluta son algunos de los temas y tendencias tratados en los programas confeccionados. Entre el amplio listado de realizadores internacionales cuyos trabajos han sido seleccionados por los organizadores Scott Fitzpatrick y Aaron Zeghers destacamos la presencia de Deborah Stratman, Guy Maddin, Jesse McLean, Clint Enns, Michael Robinson, Mike Hoolboom, Heidi Phillips y Nazli Dinçel. Espectro cromático (2016) filmada por uno mismo se mostrará en el programa Chromatics junto a trabajos de Dan Browne, Jodie Mack, Ignacio Tamarit, Blake Williams y Christina C. Nguyen, entre otros.


TRiplete PLástico (2016) Ignacio Tamarit
Babash (2014) Lisa Truttmann & Behrouz Rae
Christian's Curtains (2015) Dan Browne

28 de mayo de 2016

Martattack Film Festival III


Teixonera (2014) Natalia Lucía

El miércoles 1 de junio se organiza una nueva edición del Martattack Film Festival con la proyección de diversos trabajos audiovisuales en el espacio Dosmil2000 de Barcelona. Seleccionados por la organizadora de la muestra, la realizadora Marta Grimalt, el listado de creaciones incluyen videocreaciones formalistas, cortometrajes de ficción, piezas de animación, reportajes documentales y otras propuestas cinematográficas que festejan la libertad artística y el entusiasmo por la experimentación con el sonido y las imágenes en movimiento desde sus vertientes más heterodoxas, marginales y limítrofes.

Marta Grimalt (Palma de Mallorca). Zoapre. 4.40. Video HD. Video arte.Streetlight Anxiety.  9.40. Super 8 b&n. Documental.
Albert Alcoz (Barcelona). A punt de fuga. 4.50. Video HD. Video arte.
Antonio Clavijo (Barcelona). Fuego. 2.57. Video HD. Video arte.
Berta de Cabanyes (Barcelona). Tots som iguals. Video HD. Cortometraje.
Bouman  (Barcelona). Límite bipolar. 2.23. Animación.
Craig Amromin (Los Angeles). Morning routine. 0.31. Video HD. Cortometraje.
Crearsa  (Barcelona). El reto de Sabana Yegua. 5.19. Video HD. Documental.
Daniel Jané & Wanda del Río (Barcelona). Basf. 14.43. Video. Cortometraje. Slippery bitch (dir. Wanda del Rio). 6.28. Video. Video arte.
David Muñoz (Barcelona). Barcelona Venecia. 5.12. Video. Cortometraje.
Diego Marín (Murcia). Spring in Vampire. 3.05. Super 8, color. Video arte.
Emma Baiada (Philadelphia). Hyper Blue. 5.20. Super 8, b&n. Documental.
Francesc Cases (Barcelona). La belleza es el último velo que cubre el horror. 4.34. Video HD.
Heavenly Bodies (Los Angeles). They Gather. 9.33. Video HD. Cortometraje.
Isaaz Durán (Barcelona). El Esurcista. 5.02. Video HD. Animación stop motion.
JD Alcázar (Murcia). Refran. 18.02. Video HD. Video arte.
Jordi Romero (Barcelona). Espejo 2. 3.04. Video HD. Cortometraje.
Kyle Vannoy (Appalachian Mountains). Fire Tower. 8.56. Video. Video arte.
Lea Johnson (Louisiana). Lovell’s time machine. 6. Super 8 b&n. Documental.
Marc Nadal (Barcelona). La condena. 7.39. Video HD. Cortometraje.
Mx Larruy & Tulio Ferreira (Barcelona & São Paulo). Ada. 5.09. Video HD. Cortometraje.
Natalia Lucía (Buenos Aires). Teixonera. 13.41. Super 8, color. Video arte.
Nico Bertrand (Barcelona). Solitude. 3.03. Video HD. Video arte.
Néstor Fernández  (Barcelona). Megadudas. 1.45. Animación.


Streetlight Anxiety (2016) Marta Grimalt
Límite bipolar (2009) Bouman
Fuego (2012) Antonio Clavijo

23 de mayo de 2016

CRANC #01: Angular / Blanca Rego


Time-Space Compression (2015) Blanca Rego

Cranc es un nuevo proyecto de proyecciones de cine y video experimental, con debates posteriores, que se organiza una vez al mes en las instalaciones de la imprenta L'Automàtica situada en el barrio de Gracia de Barcelona.

CRANC és un cicle de projeccions audiovisuals que tenen lloc a la impremta l'Automàtica.
Cran és un tall fet en alguna cosa com a senyal a algun fi.
Cran també és l'entalla que tenen els tipus d'impremta a fi que es pugui distingir pel tacte la part superior de l'inferior.
CRANC s'escriu amb una C final, una C de Cinema.

El viernes 27 de mayo se inaugura esta iniciativa con la presentación de la primera edición de la editorial Angular (un libro y un DVD cuya caja se ha producido en la misma imprenta) y una muestra de trabajos de la realizadora Blanca Rego (cuya pieza Engram (optical sound #001) es una de las que forma parte de la compilación de Angular). Esta primera sesión, dividida en dos partes diferenciadas, propone un diálogo estético y semántico entre trabajos que investigan las posibilidades cinemáticas y acústicas tanto de las herramientas fílmicas como de los dispositivos digitales.

Viernes 27 de mayo a las 20h
5 con consumición
L'Automàtica
C/ de la Legalitat, 18.
M L4 Joanic, L3 Fontana

1º parte:​ Angular

Remote (2011) Jesse McLean​. Video. 11 min
Tokyo-Ebisu (2010) Tomonari Nishikawa. 16 mm/ Video. 5 min
Wingdings Love Letter / Places With Meaning (2012 - 2013) Sc​o​tt Fitzpatrick​. 16 mm/ Video. 5 min.

​2º parte: Blanca Rego

Engram (optical sound #001) (2013) Video. 2 min.
You must be complex to want simplicity (2014) Video. 1 min.
Due to Violent Content, and Flashing Lights with Strobe Effects, Viewer Discretion Advised (2015) Video. 1 min.
Nonobjective Cinema (2015) Video. 2 min.
Computer Music Studies: Untitled (2015) Video. 2 min.
Rainbow Britte (2012) Video. 7 min.​
Time-Space Compression​ (2015) Video. 2 min.​
Psycho 60/98 (2016) Video. 6 min.​​


Nonobjective Cinema (2015) Blanca Rego
Places With Meaning (2013) Scott Fitzpatrick
Tokyo-Ebisu (2011) Tomonari Nishikawa

20 de mayo de 2016

Proceso de error – 3º Festival internacional de video experimental


The Rapture (2014) Michael Fleming

Proceso de error es el nombre de una muestra de experimentación videográfica actual que se celebra entre el 31 de mayo y el 4 de junio en Valparaíso (Chile). INVE Plataforma Experimental de Artes, dirigida por Daniela Lillo, organiza este festival internacional no competitivo que centra su foco de atención en piezas de video arte heterogéneas vinculadas a la videodanza, la video performance, el documental creativo y la animación experimental. Talleres, exposiciones de instalaciones, presentaciones y demás actividades paralelas se suman a una selección de trabajos internacionales que se pueden consultar en este enlace. Por lo que hace referencia a las videoinstalaciones, las diferentes obras, mayoritariamente chilenas, quedan enmarcadas dentro de la exposición Puertas Cambiantes. Entre la decenas de piezas seleccionadas cabe mencionar las tres que ilustran esta entrada: The Rapture (2015) de Michael Fleming, Descomposición aleatoria (2015) de Karina Rojas Sandoval y I Just Seem To Cry A Lot (2015) de Roberto Malano.


Descomposición aleatoria (2015) Karina Rojas Sandoval
I Just Seem To Cry A Lot (2015) Roberto Malano

17 de mayo de 2016

LOOP Barcelona 2016


Threshold (1972) Malcolm Le Grice

Un año más el festival de videocreación LOOP celebra las prácticas artísticas de la imagen en movimiento con múltiples actividades que tienen lugar en diversos espacios de Barcelona. A partir del 26 de mayo se inician las exposiciones, las proyecciones y los debates de este evento ampliamente diseminado cuyo núcleo de actuación es la feria programada para los días 2, 3 y 4 de junio. Esta LOOP Fair consta de decenas de propuestas videográficas de artistas contemporáneos se exponen mayoritariamente en versión monocanal en las habitaciones del Hotel Las Ramblas. En este enlace se pueden consultar todos los vídeos participantes de un formato expositivo cuanto menos curioso. Desde aquí recomendamos los visionados de piezas como las de Péter Forgács, Lewis Klahr, Laida Lertxundi o Antoni Miralda. Pero sin duda, las propuestas más atractivas a nivel de experimentación fílmica y perceptiva son las performances Threshold (1972) y Horror Film (1971) del inglés Malcolm Le Grice programadas para el 4 de junio en la Capella del MACBA y el ciclo "El inconsciente audiovisual" comisariado por Arnau Horta, que cuenta con una instalación, una programa de proyecciones y una master class a cargo de dos de los cineastas austriacos más reconocidos de las prácticas fílmicas experimentales: Martin Arnold y Peter Tsherkassky. La exposición "Harun Farocki. Empathy" en la Fundació Tàpies; los trabajos de Arash Nassiri exhibidos en la Fundació Suñol; el ciclo de cortometrajes de Perejaume comisariado por Joana Hurtado; la perfomance Incluso el silencio es causa de tormenta (2016) de Alfredo Costa Monteiro y el colectivo Cráter; y la exposición dedicada a Anthony McCall –uno de los cineastas ingleses pionero en las proyecciones expandidas con su mítica pieza Line Describing A Cone (1973)–  organizada por Gloria Moure en la Fundació Gaspar, completan esta festividad del cine y el vídeo más artístico.


Whistle Stop (2014) Martin Arnold
Incluso el silencio es causa de tormenta (2016) Cráter
Face to Face III (2013-2014) Anthony McCall

15 de mayo de 2016

(S8) 2016: Los nuevos impresionistas


Gasometers Part 3 (2015) Nicky Hamlyn

El (S8) Mostra de Cinema Periférico de A Coruña llega esta año a su séptima edición. Del 1 al 5 de junio diversos espacios de la ciudad gallega acogen proyecciones, talleres, presentaciones, performances y actividades paralelas destinadas a celebrar los acercamientos cinematográficos analógicos menos convencionales. Los nuevos impresionistas es el título bajo el que se presenta una amplia programación que incluye el trabajo de algunos cineastas reconocidos que se aproximan al entorno circundante desde una mirada impresionista. Saul Levine, William Raban, Nicky Hamlyn, Stephen Broomer, Jacques Perconte, Martha Colburn, Andrés Duque y Chris Kennedy es el asombroso listado de nombres propios que participan en esta edición. La proyección inaugural con de El acorazado Potemkin de Sergei Eisenstein con una nueva banda sonora en directo compuesta por Chris Jarrett; una retrospectiva dedicada a la cineasta y teórica francesa Germaine Dulac; la muestra de las obras de Xiana Gómez-Díaz en una sección enfocada en exhibir el trabajo de cineastas gallegas como el que se produce desde la productora Walkie Talkie Films; una conferencia de Eugeni Bonet y la proyección de su película 133 (1978-79) co-dirigida junto a la artista Eugènia Balcells; y la presentación del proyecto de edición Angular, son algunos de los principales reclamos de la programación de este año.


Wastewater (2014) Stephen Broomer
Trazos (2015) Alberte Branco
Carretera de una sola dirección (2016) Xiana Gómez-Díaz

12 de mayo de 2016

2º Edición del Festival Internacional de Cine Filmadrid


Harbour City (2015) Simon Liu

La programación de la segunda edición del festival Filmadrid ya se ha dado a conocer. Este festival internacional de cine, que se celebrará entre los días 2 y 11 de junio en la ciudad de Madrid,  se inaugurará con la película Francofonia (2015) de Aleksandr Sokurov y concluirá con el título 11 minutes (2015) del realizador Jerzy Skolimowski. Una selección de 33 películas a competición; un homenaje a Chantal Akerman; tres retrospectivas dedicadas a Boris Lehman, Pietro Marcello y Júlio Bressane; un curso del reconocido crítico fílmico Jonathan Rosenbaum y unas performances de los cineastas Takashi Makino, Luis López Carrasco, Javier Rebollo y Lluís Miñarro, conforman el núcleo de la muestra. De entre todas las proyecciones recalcamos la sección de cine de vanguardia, que presenta las nuevas piezas de cineastas internacionales como Azadeh Navai, Pablo Mazzolo, Simon Liu, Robert Todd, Philippe Grandieux, Laida Lertxundi, Nazli Dinçel, Sebastian Wiedemann y Lois Patiño, entre otros. Espectro cromático también se presentará en esta sección.


Something Horizontal (2015) Blake Williams
Fish Point (2015) Pablo Mazzolo
Rod Zegwei dan Pikan (2015) Azim Moollan
Remembering the Pentagons (2015) Azadeh Navai

6 de mayo de 2016

10 años de Visionary Film – Sorteo Angular (DVD + Libro)


Allures (1961) Jordan Belson

Hoy Visionary Film cumple 10 años. El 6 de mayo de 2006 se inició esta web con una breve entrada titulada Expanded Cinema que anunciaba algunos de los objetivos que justificaban el proyecto. Una imagen del film Allures de Jordan Belson ilustraba un comentario que intuía que merecía la pena dedicar un espacio online a las prácticas fílmicas experimentales y a las propuestas videográficas del ámbito artístico. Diez años después la web sigue su andadura. Para celebrarlo sorteamos un ejemplar del libro (82 páginas en español e inglés) y el DVD de Angular. Dale al "Me Gusta" y "Comparte" esta entrada en tu muro de facebook para participar en el sorteo. En caso de no tener facebook, escribe un comentario aquí mismo, añadiendo tu nombre e indicando tu entrada preferida de las más de 1000 que se han publicado hasta la fecha en Visionary Film. El 16 de mayo se anunciará el ganador/a.

Ya tenemos ganador: Dani García Antón.
¡Enhorabuena!