27 de abril de 2017

Robert Cahen. Voyage – La Virreina


Voyage d'hiver (1993)

El viernes 28 de abril se inaugura en La Virreina de Barcelona la exposición Voyage dedicada al trabajo del artista Robert Cahen. Instalaciones audiovisuales y vídeos monocanal son los medios principales de una muestra centrada en los trabajos del videoartista francés que abordan el viaje y el paisaje desde perspectivas contemplativas y ensoñadoras no exentas de afán explorador. Recorridos de espacios físicos inhóspitos y lugares remotos quedan representados sutilmente introduciendo recursos de posproducción videográfica inclinados hacia lo ensayístico y lo memorístico. Comisariada por Eugeni Bonet, la exposición incluye instalaciones –Paisages d'hiver (2005), Traverses (2002), Portraits (2013) y La Traversée du rail (2014)– y piezas en vídeo como Voyage d'hiver (1993) y Sept visions fugitives (1995). Así mismo se ha confeccionado un ciclo de proyecciones formado por cuatro programas que tendrán lugar en Virreina LAB los días 2, 6 y 27 de mayo y el 3 de junio. Este ciclo de proyecciones consta de decenas de piezas englobadas bajo los enunciados Paysages/Passages, Voyages, La photo qui bouge y Canton la chinose. Una inmejorable ocasión para descubrir –o redescubir– la obra de uno de los pioneros del videoarte internacional, y uno de los videocreadores más inquietos respecto a las posibilidades de la imagen electrónica y el sonido videográfico. Cuestión, esta última, que nos recuerda tanto su formación inicial como músico y compositor, como sus colaboraciones sonoras con el historiador cinematográfico Michel Chion. 


Voyage d'hiver (1993)
Just le temps (1983)
Sept visions fugitives (1995)

23 de abril de 2017

BLITZ #02 – Zumzeig


Time to Search (2013)

El martes 25 de abril a las 21h mostraré una selección de trabajos en la segunda sesión BLITZ del cine Zumzeig de Barcelona. BLITZ es un nuevo ciclo de proyecciones organizadas por la gente del Laboratorio Reversible, iniciadas el mes de marzo de 2017 con las películas del cineasta Oriol Sánchez. En esta segunda sesión se presentan un conjunto de vídeos y películas –filmadas tanto en 16 mm como en super 8– que exploran la naturaleza de la imagen en movimiento mediante grabaciones y filmaciones en exteriores situados a medio camino de la documentación de escenarios y la experimentación artística de esos mismos registros. El vídeo Time to Search marca el primer bloque de la sesión presentando un proceso de búsqueda acontecido en las calles de Nueva York. Los films en 16 mm Definición e Indefinición construyen una suerte de díptico sobre dicotomías: ruido/silencio, positivo/negativo, definición/indefinición. Finalmente, tres piezas en super 8 que recogen instantes de lugares urbanos y naturales e investigan las posibilidades ópticas de la cámara, concluyen la sesión.

BLITZ #02: Albert Alcoz

Home movie holes (2009) 8mm/vídeo, color, sonido, 3 min.
Time to Search (2013) vídeo HD, color, sonido, 27 min.
A punt de fuga (2014) vídeo HD, b/n, sonido, 4 min.
Definición (2013) 16mm, b/n, silente, 2 min.
Enfoque natural (2012) super 8, b/n, silente, 3 min.
Espectro cromático (2015) super 8, color, silente, 3 min.
Triple exposición (2013) super 8, b/n, silente, 10 min.


Time to Search (2013)
Definición (2013)
Espectro cromático (2015)
Triple exposición (2013)

20 de abril de 2017

CRANC #08: Laura Ginés


Mi pobre patria (2016)

El viernes 21 de abril, a las 20:30h, tendrá lugar en L'Automàtica de Barcelona la octava sesión de CRANC dedicada al trabajo de Laura Ginés. Su obra es heterogénea y la vez marcada por un claro sello personal. La selección que veremos recorre buena parte de su filmografía, incluyendo tanto obra personal como piezas de encargo y con un arco temporal amplio, que va desde algunas de sus primeras películas hasta piezas y pruebas recientes, que se verán por primera vez. El interés por las atmósferas y las texturas de la imagen, por la construcción de imágenes poéticas y por la cotidianidad son tres de los hilos que recorren y se interrelacionan a lo largo de todas las películas de esta sesión.

Viernes 21 de abril a las 20:30h
5€ con consumición
L'Automàtica
C/ de la Legalitat, 18
M L4 Joanic, L3 Fontana

Con la presencia de la realizadora.

Diaris de viatge
Happytravel (2006), 1'51''
Roma con i bambini (2008), 1'46''
Molt bé les campanes (2009), 1'24''
Frozen (2015) 1'
Mi Pobre Patria [muntatge per a espectacle en directe] (2016) 3'22''

Música
Música per a Perplexes (2002) 4'11''
L'arca de Noè (2003–2012) 5'32''

Videoclips
La Risa Funesta [videoclip per a Standstill] (2007) 2'48''
Tengo Miedo [videoclip per a Maria Rodés] (2013) 3'30''
Haz Lo Que Te Dé La Gana [vídeo per a espectacle en directe] (2016) 3'40''

Espots i caretes
L'art del risc (2006) 24''
BarcelonaBeats! (2006) 31''
Bonjour Monsieur Marey (2007) 40''
L'aprenent de pilot (2009) 1'
One thousand square (2010) 2'4''
Linguamón (2010) 33''
Arts i oficis (2015) 32''
Bombolles (2017) 1'30''

Coda
Animation Quartet #1 (2015) 2'
Llibretes (2017) 2'


L'arca de Noé (2003-2012)
Molt bé les campanes (2009)
Tengo miedo (2013)

9 de abril de 2017

Tomavistas ante el paisaje – Xcèntric


Aspect (2004) Emily Richardson

Tomavistas ante el paisaje
Sessió Xcèntric - Jueves 20 de abril a las 20h.

Sounding Glass (2011) Sylvia Schedelbauer, digital video, 10 min.
L’Arbre Bleu (2001) Marcelle Thirache, 16 mm, 2 min.
Elements (2008) Julie Murray, 16 mm, 7 min.
Routes (2011) Dan Brown, 16 mm, 1 min.
Iron Wood (2009) Richard Tuohy, 16 mm, 8 min.
In the Shadow of Marcus Mountain (2011) Robert Schaller, 16 mm, 5 min.
Aspect (2004) Emily Richardson, digital file, 9 min.
Vertigo Rush (2007) Johann Lurf, 35 mm, 19 min.

Programado por Albert Alcoz

Ocho películas recientes, parcialmente filmadas en terrenos boscosos, forman el conjunto de esta sesión. La aceleración progresiva del film Vertigo Rush –del cineasta austríaco Johann Lurf– marca la pauta de una serie de títulos donde la investigación sobre las opciones técnicas de la cámara interactúa con un escenario forestal. Explorar la representación de la naturaleza a través del medio fílmico permite su transfiguración. Precipitar su desarrollo temporal, suspender su presencia física, distorsionar su configuración o revelar sus intersticios son operaciones cinematográficas que amplían su percepción. Describir lo inmanente del bosque es la razón de unos films que demuestran que el paisaje no es un espacio físico sino un conjunto de consideraciones culturales, elaboradas a partir de un lugar.

Un espacio natural solo se divisa estéticamente a través de la noción de paisaje, cuyo origen es tan humano como artístico. En su Breve tratado sobre el paisaje, Alain Roger sugiere que la transformación de la tierra en paisaje supone una metamorfosis sucedida gracias a la intervención artística. Este proceso conlleva que, como indica Henri Cueco, “el paisaje no exista, nos lo tengamos que inventar”. Estas concepciones están ligadas a las argumentaciones de Javier Maderuelo para quien “el paisaje no es lo que está allá, delante nuestro, sino un concepto inventado, o mejor dicho, una construcción cultural”. De esta manera el significado del término y las implicaciones conceptuales que comporta no se hallan tanto en el terreno como en las miradas de aquellos que lo contemplan, así como en el proceso de objetualización y su consiguiente descontextualización.

El término tomavistas hace referencia a la cámara cinematográfica portátil, un aparato ligero, apto para rodar impresiones visuales como extensión de la mirada. Las películas incluídas en esta sesión investigan las potencialidades técnicas de esta herramienta para filmar contextos naturales documentados bajo puntos de vista excepcionales. Son excepciones porque huyen del registro paisajístico convencional del cine de ficción y el documental. Mediante la aplicación de recursos técnicos esencialmente fílmicos -–super 8, 16 mm y 35 mm–, los cineastas aquí presentes ofrecen un conjunto de perspectivas que exponen reflexiones artísticas relativas a la idiosincrasia del medio. Esclarecer las propiedades granulosas de la imagen fotoquímica, provocar la fragmentación de los espacios registrados o visibilizar la maleabilidad de la representación temporal son algunas de las maniobras que aplican conscientemente en sus piezas. Interpretar visiones angulosas de la naturaleza resulta factible al emplear una maquinaria como la cinematográfica, que tergiversa lo profílmico jugando con sus variables tecnológicas. La versatilidad del artilugio facilita capturar impresiones exteriores, vistas que atañen a la búsqueda de percepciones introspectivas. Escenificar la naturaleza enmarcando sus dimensiones, eliminado su profundidad y alterando su devenir temporal son operaciones que expresan una posición subjetiva dirigida hacia una búsqueda de conocimiento. Al aprehender entornos eminentemente forestales, estos realizadores recorren territorios que, mediatizados por la cámara, descubren componentes estéticos, semánticos e ideológicos no exentos de subjetividad. Muy a menudo los parajes impresionados desvelan trasfondos hipnóticos, sutilmente inquietantes. Son títulos que visualizan planteamientos personales incorporando gestos poéticos.

En Sounding Glass (2011) Sylvia Schedelbauer idea una estructura rítmica de sonidos e imágenes que establece una tensión entre el rostro ensimismado de un hombre y aquello que observa delante suyo. La oscuridad y la pulsación estroboscópica del montaje recuerdan los condicionantes de la visión. Marcelle Thirache establece vínculos entre los elementos naturales recogidos por el celuloide en L’Arbre Bleu (2001) y las técnicas pictóricas que modifican plásticamente su superficie. Una aproximación similar la perfila Dan Brown en Routes (2011), que filma nerviosamente ramas, hojas y troncos de árboles de un patio trasero para acompañarlos con texturas azuladas, añadidas manualmente sobre la emulsión. En Elements (2008) Julie Murray captura escenas atmosféricas, en exteriores, donde los cambios meteorológicos difuminan presencias fantasmagóricas, desvanecidas entre la niebla. Mostrar los pliegues de la corteza del árbol autraliano Eucalyptus Sideroxylon es el pretexto que utiliza Richard Tuohy en Iron Wood (2009) para experimentar movimientos de cámara inusuales, puntuados por una música instrumental insistente. Por el contrario, el silencio marca el tono de un film mesurado como In the Shadow of Marcus Mountain (2011) de Robert Schaller. La visión hipnagógica que transmiten las imágenes de la montaña viene dada por un uso cinético de la cámara estenopeica, el único artilugio utilizado aquí para producir imágenes en movimiento. Aspect (2004) de Emily Richardson y Vertigo Rush (2007) Johann Lurf finalizan la proyección. Ambas examinan sistemas de producción sofisticados para lograr tratamientos visuales indudablemente fascinantes. Esta atracción por la logística desvela el nexo establecido entre las dimensión inabarcable del espacio presenciado y la temporalidad desplegada durante su filmación. El resultado viene dado por la velocidad en la captura de fotogramas –intervalos de tiempo, largas exposiciones en fotogramas únicos, etc.– y por el juego constante entre el desplazamiento frontal de la vagoneta y el zoom óptico de la cámara –recurso técnico conocido como dolly zoom–. Richardson condensa, en unos pocos minutos, decenas de escenas de un bosque engendradas a lo largo de todo un año. Son luces y sombras parpadeantes que reposan sobre elementos orgánicos variables. Sonidos de insectos amplificados, el viento entre las ramas y fragmentos de ruidos nocturnos quedan mezclados en una pista de audio –diseñada por el artista multimedia Benedict Drew– que, inevitablemente, alude al paisaje sonoro. Lurf, por su parte, articula una dialéctica entre los movimientos progresivos de la cámara y la lumindosidad de un solo paraje frondoso situado ante ella. Pone a prueba la tecnología incrementando la velocidad de travellings y zooms ópticos, hasta lograr un arrebato desenfrenado que alcanza la abstracción. Esta propuesta óptica vine acompañada por un tono puro en la banda sonora que aumenta gradualmente su volumen a medida que el efecto vertiginoso se agudiza.

Asumiendo la categoría estética del paisaje, estas películas interrogan la viabilidad de su representación en tanto que forma cinematográfica. Al hacerlo detectan dimensiones aún por descubrir. Para superar la limitación del encuadre y la bidimensionalidad de la imagen paisajística, indagan sobre la ilusión de profundidad y la capacidad de reconfiguración temporal. Dilatar el tiempo, comprimirlo o detenerlo son operaciones que, tras abstraer las figuras humanas, alcanzan lo sublime a través del vacío. Eliminando la presencia de personas, muchos de estos trabajos cinematográficos huyen de la harmonía humanística de manifestaciones previas como el paisajismo romántico. Esta ausencia constata un vacío, vertiginoso, que al cuestionar el antropocentrismo posibilita invocar nuevos horizontes, donde la autonomía de lo artificial insinúa la posibilidad de su propia subjetividad.


Sounding Glass (2011) Sylvia Schedelbauer
L'Arbre Bleu (2001) Marcelle Thirache
Elements (2008) Julie Murray
Routes (2011) Dan Brown
Iron Wood (2009) Richard Tuohy
In the Shadow of the Marcus Mountain (2011) Robert Schaller
Aspect (2004) Emily Richardson
Vertigo Rush (2007) Johann Lurf

4 de abril de 2017

Laboratori Audiovisual – Belles Arts UB


Present Continous Past(s) (1974) Dan Graham

Laboratori Audiovisual es el nombre de una asignatura del Grado de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Es una materia obligatoria para todos los alumnos de segundo que consiste en una primera aproximación a las herramientas audiovisuales desde el ámbito académico. El temario tiene un enfoque práctico y teórico así que, más allá de ser una "capacitación técnica" relativa al uso de los programas de edición por ordenador, la cámara y los aparatos de microfonía, también consiste en un aprendizaje introductorio sobre la teoría y la historia del cine y el vídeo, desde un punto de vista esencialmente artístico. Conocer las herramientas audiovisuales y tener un bagaje respecto al cine experimental y el videoarte son dos de los pilares de un temario cuyas prácticas pueden realizarse en el contexto del Lab Media, un laboratorio de creación a los que todos los alumnos de Bellas Artes tienen acceso tras una inscripción.

La realización de tres vídeos breves –entre 1 y 5 minutos– por parte de cada alumno, ligados a las nociones de Found Footage, Autorretrato y Reportaje trabajados en clase, es el núcleo práctico de una asignatura caracterizada por el hecho de establecer una introducción a algunas de las tendencias más paradigmáticas del arte de los sonidos y las imágenes en movimiento. Así, el cine de apropiación, el reciclaje audiovisual, el (des)montaje fílmico, las remezclas videográficas y el scratch video son algunas de las manifestaciones tratadas en el primer bloque del curso. El segundo viene marcado por el autorretrato fílmico, la performance grabada, la videoacción, el registro de la propia voz y demás nomenclaturas aptas para representar el propio sujeto mediante el video digital. El tercer bloque propone un planteamiento libre al concepto de reportaje audiovisual investigando recursos de la historia del cine documental y la televisión más creativa e informativa.

Respecto a la web –en construcción– realizada para la ocasión cabe mencionar la decenas de enlaces de películas y vídeos estructurados bajo enunciados específicos en las pestañas de Found Footage y Autoretrat. Todos esos recursos casi darían para impartir una asignatura a distancia. El link de la Bibliografía, el de los programas de Visionados Online y el del Treball Teòric –cargado de PDF sobre temáticas concretas–, completan un espacio online donde empieza a tomar relevancia la presencia de las primeras piezas de los alumnos. Todos ellas se pueden visionar en estas dos pestañas: (1) GRUP 3B y (2) GRUP 5B.


Crossroads (1977) Bruce Conner
Meshes of the Afternoon (1943) Maya Deren
Time Indefinite (1994) Ross McElwee

Recomendaciones para hoy







Portadas del libro Frieling, Rudolf y Garrels, Gary (Ed.) "Bruce Conner: It's All True". San Francisco: SFMOMA, 2016; el DVD "natural history / Ruhr" de James Benning. Vienna: Filmmuseum, 2017; "Visual Music 1947-1986" Los Angeles: Center for Visual Music, 2017 y Lebrat, Christina, "At Peter's / Chez Peter". París: Paris Expérimental, 2017.

24 de marzo de 2017

Acto reflejo

por Blanca Viñas





18 de marzo de 2017

Process – Experimental Film Festival


Resolved / Aufgelöst (2015) Stefanie Weberhofer

La ciudad de Riga (Letonia) acoge un nuevo festival de cine experimental llamado Process que se celebrará entre el 22 y el 25 de marzo. Ieva Balode, Lāsma Bērtule, Lauma Gailīte, Liene Hapanioneka y Jānis Putniņš son los organizadores de una muestra dedicada a proyectar, debatir y presentar una selección del cine analógico más libre realizado en la actualidad. Los cuatro bloques que estructuran las proyecciones vienen anunciados por los siguientes títulos: Essay Film, Found Footage, Structural Film y Baltic Films. Otro eje importante lo protagoniza la sección Process Expanded centrada en actuaciones fílmicas en directo, multiproyecciones y diversas formulaciones prácticas del concepto "cine expandido". Greg Pope, Ojoboca, Xavier Quérel, Karel Doing, Björn Speidel y Signe Birkova son algunos de los protagonistas de este apartado programa. Entre el listado de películas de las proyecciones destacamos las piezas Answer Print de Mónica Savirón, Konrad & Kurfurst de Esther Urlus, The Kiss de Luís Macias, 106 River Road de Josh Weissbach, Screen Test 1 (self portrait) de Scott Fitzpatrick, Overland (part 1) de James Edmonds, Under the Atmosphere de Mike Stoltz y Drifting Cities de Michael Higgins. Espectro cromático –realizada por uno mismo– estará en la sección Structural Film, un programa que demuestra la vigencia de las prácticas fílmicas de procesos sistemáticos, metodologías autorreflexivas y consideraciones memorísticas, detectadas por P. Adams Sitney en su artículo homónimo de finales de los años sesenta.


Twilight (2015) Björn Speidel
Cell Obelisks (2016) Signe Birkova
Drifting Cities (2016) Michael Higgins
I Was Lying in the Darkness (2017) Kate Krolle

12 de marzo de 2017

CRANC #07: Lluís de Sola


Un encanteri (2014)

El viernes 17 de marzo, a las 20:30h, tendrá lugar en L'Automàtica de Barcelona la séptima sesión de CRANC dedicada al trabajo de Lluís de Sola. Filmar película de 16 mm en blanco y negro –con una cámara Bolex– y revelar el material emulsionado en el propio laboratorio de casa –con un tanque Lomo y líquidos fotográficos– son dos de las acciones prioritarias de este cineasta. Su mirada lírica, sutilmente contemplativa, introduce sugerencias narrativas, a menudo de cadencia naturalista. Lo hace planteando cuestiones reflexivas, relativas a los mecanismos de representación del propio medio cinematográfico. 

Viernes 17 de marzo a las 20:30h
5€ con consumición
L'Automàtica
C/ de la Legalitat, 18
M L4 Joanic, L3 Fontana

Con la presencia del realizador.

Notas de Lluís de Sola:

Onades (2014), 16 mm, 3 min, estèreo
He filmat les onades trencar-se a la platja i gairebé dins la càmera, que he abandonat dins una carcassa improvisada feta amb un aquari. He accionat el motor i he fet un pas enrere. He observat com el mar jugava a venir i a marxar, en un sol pla i al llarg dels trenta metres disponibles a càmera. He revelat la pel·lícula amb químics preparats amb aigua de mar. I he fet el so amb tinta de calamar, traçant un dibuix a la banda de so, una filigrana de soroll òptic.

Bosc (2015), 16 mm, 3 min película, estèreo
He creuat un bosc per anar-hi a trobar senyals de cinema. I les he trobat sota d’alguns arbres, en forma d’ombres de branques i de fulles. He atrapat aquestes projeccions amb una pantalla de cinema plegable, movent-la d’un lloc a un altre. Precisament és en aquesta pantalla on es projecta la pel·lícula a cada sessió, acompanyada del so enregistrat en directe durant la filmació de les imatges.

(+ 3 min d’intervenció amb projeccions de branques microfonades)

Núvols (2015), 16 mm, 3 min, estèreo
Un seguit de núvols desfilen pel cel en diverses direccions, lentament i assossegada, poc abans d’una tempesta. He revel·lat aquesta pel·lícula amb dissolucions preparades amb aigua de pluja recollida en galledes durant algunes tempestes posteriors a la filmació. El so s’ha gravat durant una d’aquestes tempestes i correspon al soroll de les gotes de pluja que s’acumulen en tres galledes situades al mateix punt des d’on es van filmar les imatges.

Un encanteri (2014), 16 mm, 15 min.
He fet aquesta pel·lícula a partir del metratge descartat d'una altra pel·lícula més llarga i feixuga que encara no he acabat. Es tracta d'un estrany divertimento, de forma i idea elaborades, que explica de manera íntima uns misteriosos fets ocorreguts a Cerbère no fa gaire, quan un noi hi va anar a fer-hi cinema. Amb la mirada posada en el rastre d’aquest cinema, com un encanteri que es respira en l’aire i que ressona arreu, una veueta recorda, imagina i inventa un petit però transcendent episodi de la vida del poble, una anècdota amb categoria de mite.

Mirall (2014), Video 8, 4 min.
Què li passa a una videocàmera quan es mira massa estona al mirall?

Los mejores goles del mundial (2017), VHS, 5 min.
He volgut jugar a torturar les imatges de dues pelis porno que durant molt de temps he tingut gravades en una cinta de vídeo de la recopil·lació dels millors gols d’un mundial de futbol. Ha estat una tortura però també un exorcisme.

¡Están rodeados! ¡Salgan con las manos arriba! (sorpresa final)


Un encanteri (2014)

2 de marzo de 2017

Found Footage Magazine – Número #3




La revista impresa Found Footage Magazine publica un tercer número –enteramente escrito en inglés– que incluye un apartado especial dedicado a la trayectoria fílmica de los italianos Yervant Gianikian y Angela Ricci Lucchi. Un análisis profundo sobre su obra realizado por la investigadora Paula Arantzazu Ruiz, una serie de reflexiones de la propia Angela Ricci Lucchi sobre las indagaciones analíticas respecto al metraje encontrado usado por el dúo y una carta del director Atom Egoyan dirigida a Angela y Yervant forman el núcleo del monográfico de un cine interesado por la recuperación de materiales fílmicos sobre guerras y colonialismo a principios de siglo XX. Entre el listado de ensayos del segundo bloque cabe mencionar los estudios antropológicos y temporales de Miriam De Rosa y Arine Kirstein Høgel respecto a las videoinstalaciones y películas como Diario Africano (1994) de Yervant Gianikian y Angela Ricci Lucchi; la presencia del glitch en la pieza Monster Movie (2005) de Takeshi Murata a cargo de Michael Betancourt; los logros del cine del canadiense Arthur Lipsett según el criterio del también cineasta Stephen Broomer; la interrelación entre la escritura y los montajes de Harun Farocki por parte de Sergi Álvarez Riosalido y una exploración sobre el ya clásico estudio de Thom Andersen en Los Angeles Plays Itself (2003) escrito por David de Rozas. Un seguido de artículos, reseñas y reproducciones de fotogramas fílmicos completan un nuevo número que consolida la publicación Found Footage Magazine como una de las más relevantes del panorama internacional, ya no exclusivamente en relación a las prácticas experimentales y artísticas, sino con respecto a toda la dimensión cinematográfica de la actualidad.

El contenido completo es el siguiente:

SPECIAL ON YERVANT GIANIKIAN & ANGELA RICCI LUCCHI

Yervant Gianikian and Angela Ricci Lucchi: Archive, Technology and Body by Paula Arantzazu Ruiz
Our Analytical Camera, by Yervant Gianikian and Angela Ricci Lucchi
Pages of a Diary, by Angela Ricci Lucchi
A Letter to Angela and Yervant, by Atom Egoyan

ESSAYS

A Poetics of Care: Slowness, Ethics and Enchantment in Gianikian & Ricci Lucchi’s Oeuvre, by Miriam De Rosa
Re-routing the Image: The Use of Haptic Interventions in Gianikian and Lucchi´s Work, by Arine Kirstein Høgel
Glitched Media as Found/Transformed Footage: Post-Digitality in Takeshi Murata’s Monster Movie, by Michael Betancourt
The Success and Failure of Arthur Lipsett, by Stephen Broomer
Harun Farocki and the Archive. What Images Show, What Images Conceal, by Sergi Álvarez Riosalido
Depicting Cinema(s): Film History as Experiment. Thom Andersen's Los Angeles Plays Itself, by David de Rozas
Freude by Thomas Draschan

ARTICLES & INTERVIEWS
Odds & Ends, by Edwin Rostron
Benning Goes Digital: An Interview, by Scott MacDonald
Pretending the Camera Isn't There: Joshua Oppenheimer’s Postcard From Sun City, Arizona, by Matthew Levine
Dreams Rewired: A Conversation with Manu Luksch and Makul Patel, by Martin Zeilinger
Living Memories: Thinking Amateur Filmmaking Practices Through Archive Footage, by Antonin Charret

BOOK & DVD REVIEWS

Cinema by Other Means (Pavle Levi, 2012), by Nazare Soares
Verifica Incerta (Gianfranco Baruchello & Alberto Grifi, 1964-1965), by César Ustarroz

ACTIVE ENCOUNTERS
a Conversation Between Alejandro Bachmann and Kevin B. Lee

ARTWORKS by

Joseph Bernard, Jeroen Cluckers, Anja Dornieden & Juan David González


Su tutte le vette é pace (1998) Gianikian & Ricci Lucchi
Terrorismo (2008) Gianikian & Ricci Lucchi
The March of Man (2001) Gianikian & Ricci Lucchi

18 de febrero de 2017

Festival of (In)Appropiation # 9


Somebody was Trying to Kill Somebody Else (2014) Benjamin Verhoeven

El domingo 19 de febrero empieza a proyectarse el nuevo programa itinerante del Festival of (In)Appropiation. Los Angeles Filmforum es la primera sede que acoge la novena edición de este festival de cine de apropiación actual de ámbito internacional, inaugurado en 2009. La curadoría, a cargo de Jaimie Baron, Lauren Berliner y Greg Chen, ha seleccionado una quincena de trabajos videográficos que recuperan material de las reacciones del visionado de un teaser de Star Wars en YouTube; incluyen técnicas de animación para ofuscar el contexto militar del que parten ciertos registros documentales; reeditan capítulos de la serie televisiva Star Trek limitándose a coleccionar cómo se abren y cierran las puertas de sus naves o visitan el metraje de Blow Up de Michelangelo Anotioni, mediante un escaner que ofrece una lectura sostenida e improbable del enigma que su protagonista cree visualizar. Algunas de las piezas seleccionadas se pueden consultar en los canales de Vimeo de los propios artistas.

Programa:

Lying Women (Deborah Kelly, 2016).
Semiotics of Sab (Tina Takemoto, 2016).
Halimuhfack (Christopher Harris, 2016).
Take Me to Pemberley (Daniela Zahlner, 2015).
Every Feature Film On My Hard Drive, 3 Pixels Tall and Sped Up 7000% (Ryan Murray, 2013). 
Actual Case History (Tony Gault, 2015).
Official Teaser #2 Reaction!!! (Kevin McCarthy, 2016).
Sneeze (Yunjin Woo, 2015).
A Place I’ve Never Been (Adrian Flury, 2015).
[sic] series (Roger Beebe, 2014).
Somebody was Trying to Kill Somebody Else (Benjamin Verhoeven, 2014). 
Cut Out (Guli Silberstein, 2014).
Ectoplasmic Vision (Ricardo Salvador, 2016).
The Neutral Zone (LJ Frezza, 2015).
Doppelgänger (Tasman Richardson, 2016).


Lying Women (2016) Deborah Kelly
Cut Out (2014) Guli Silberstein
A Place I've Never Been (2015) Adrian Flury
Semiotics of Sab (2016) Tina Takemoto
The Neutral Zone (2015) LJ Frezza