Film Stills – Jon Behrens

Jon Behrens

En las imágenes: Anomalies of the Unconscious (2003), The Flickering of the Minds Eye (2001), The Production and Decay of Strange Particles (2008), Exposures (1989) y Kodachrome Revisted (1987).

Visionaries – Chuck Workman

El festival de cine de Tribeca (Nueva York) de este año 2010 ha organizado un conjunto de sesiones de cine innovador, visionario e inquieto vinculado a las prácticas del cine de vanguardia. Un programa dedicado al diario de viajes llamado The Travelogues y otro centrado en cortometrajes experimentales bajo el título Shorts: Experimental Collisions, son dos de los platos fuertes de un festival que presenta la última película del realizador Chuck Workman. "Visionaries" es un documental que sigue la trayectoria de Jonas Mekas y el cine de vanguardia norteamericano con decenas de entrevistas a cineastas y teóricos como Peter Kubelka, Kenneth Anger, Su Friedrich, Ken Jacobs, Scott MacDonald, Fred Camper y Flo Jacobs, entre otros. Conociendo la trayectoria del montador Chuck Workman, resulta evidente que el punto de vista planteado para documentar la escena del cine underground y el 'critical cinema' norteamericano distará de ser ortodoxo. Workman se ha especializado en frenéticos montajes fílmicos realizados específicamente para las galas de los Oscars de Hollywood, como resumen de las películas nominadas. Pero su trayectoria también incluye películas de ficción -producidos por Calliope Films- y cortometrajes sobre la historia del cine norteamericano como la celebrada y premiada Precious Images (1986). Su vínculo directo con el cine industrial le sitúa en una situación confusa en relación al cine de vanguardia. El hecho de aceptar proyectos industriales no evita que sus montajes asociativos de diferentes películas de ficción -títulos reconocidos del cine comercial-, mantengan un criterio estético cercano al que plantean los cineastas que practican el found footage. Es por eso que "Visionaries" promete ser más un resumen visual de las diferentes tendencias de la historia del cine de vanguardia americano, que un documental al uso de las perspectivas actuales sobre el pasado de sus protagonistas. Extractos de películas de Man Ray, Maya Deren, Stan Brakhage o Andy Warhol ilustran una escena que llega a la actualidad pero que parece mostrar especial atención a la figura omnipresente del cineasta, comisario y escritor Jonas Mekas, y al espacio físico y simbólico representado por el Anthology Film Archives de Nueva York.

Amazon – Recommendations For Today

En las imágenes portadas de los DVD: "Kurt Schwerdtfeger (Bauhaus Weimar): Reflektorische Farblichtspiele", "24 animation films of the HFBK Hamburg", "Another Tomorrow: Young Video Art from the Collection of the Neue Galerie Graz am Landesmuseum Joanneum" y "David Tudor Bandoneon!".

no.w.here – FILM without FILM

Color Bars, Simon Payne

no.w.here es un espacio artístico londinense dedicado a la exhibición, la formación y el desarrollo del arte audiovisual actual. Tal y como indican en su página web, su interés radica en fomentar la expansión y la exploración del vínculo entre el arte contemporáneo y la imagen en movimiento. Proyecciones, workshops, cursos, talleres, laboratorio, alquiler de espacios, publicaciones, proyectos innovadores, etc. son algunas de las estrategias desarrolladas para difundir piezas artísticas y elaborar discursos teóricos alrededor de ellas. Los artistas Brad Butler y Karen Mirza -junto al cineasta James Holcombe y el técnico de laboratorio Will Hanke- son los encargados de dinamizar un espacio que realiza ciclos cinematográficos, promueve actividades artísticas singulares y acepta presentaciones de proyectos de artistas para residencias temporales. Entre los eventos organizados se encuentran el One Minute Films Projects, el Independent film in Palestine -comisariado por Lara Khaldi y Yazan Khalili-, el acto FILM without FILM, No Soul for Sale -a celebrar el mes de mayo de 2010 en la Tate Modern de Londres-, la presentación de los trabajos 'Beating the Bridges' y 'Thames Film' del cineasta William Raban y la conversación con Helga Fanderl, realizadora de piezas en formato super 8.

Helga Fanderl

Annemarie Jacir

Art Make-Up – Bruce Nauman

Art Make-Up, No. 3: Green (1967-68)
Art Make-Up, No. 4: Black (1967-68)
16mm films, colour, silent, 10min.

Ciclo de proyecciones: Guía Secreta de La Rambla y Ocaña 1973-1983

Tam-Tam (1976) Adolfo Arrieta 

La Virreina Centre de la Imatge presenta un ciclo de películas organizado en paralelo a las exposiciones "Guía Secreta de La Rambla" y "Ocaña 1973-1983: accions, actuacions i activisme". Del 13 de abril al 20 de mayo de 2010 se proyectan en el Palau de la Virreina - Virreina Lab una serie de documentales y ficciones que explican las particularidades de un marco geográfico tan emblemático como el de la famosa calle de Barcelona y las vicisitudes de un personaje tan singular como el artista José Pérez Ocaña. Largometrajes de ficción como "Tam-Tam" (1976) de Adolfo Arrieta o "Manderley" (1979) de Jesús Garay, y ensayos audiovisuales como "La, re, mi, la..." (1980) de Carles Santos, son algunos de los filmes que, junto al documental "Ocaña, retrat intermitent" (1979) de Ventura Pons, reflexionan sobre la figura del pintor y performer desaparecido. Documentales como "Juguetes Rotos" (1968) de Manuel Summers o "Troll" (2005) de José González Morandi y Eva Serrats, y ficciones como "Bilbao" (1978) de Bigas Luna, son algunas de las películas escogidas para mostrar la otra cara del centro turístico de la Ciudad Condal y el barrio del Raval.

Programa:

OCAÑA 1973-83
Martes 13 de abril:
Presentación del ciclo: Carles Guerra, Pedro G. Romero y Alberto Gómez.
'Ocaña, la memoria del sol' de Juan José Moreno, año 2009, 90 m.

Martes 20 de abril:
'Tam-tam' d'Adolfo Arrieta (1976), 85 m.
'La Esmeralda, historia de una vida' de Joaquín Arbide (1981), 35 m.

Martes 27 de abril:
'El diputado' d'Eloy de la Iglesia (1979), 116 m.
'Informe sobre el FAGC' de Ventura Pons (1979), 15 m.

Martes 4 de mayo:
'Ocaña, retrat intermitent' de Ventura Pons (1979), 85 m.
'Manderley', de Jesús Garay (1979), 103 m.

Martes 11 de mayo:
'Vestida de azul', d'Antonio Giménez Rico (1983), 96 m.
'Silencis', de Xavier Daniel (1983), 14 m.

Martes 18 de mayo:
'Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón', de Pedro Almodovar (1980), 78 m.
'La, re, mi, la...', de Carles Santos (1980), 9 m.


GUÍA SECRETA DE LA RAMBLA
Jueves 15 de abril:
'A Corps Perdu' de Caroline Parent (1989), 16 min.
'La bandera' de Julien Duvivier (1935), 96 min.

Jueves 22 de abril:
'Mapes migrants' de David Batlle (2009), 17 min.
'Juguetes rotos' de Manolo Summers (1968), 76 min.

Jueves 29 de abril:
'Bilbao' de Bigas Luna (1978), 86 min.

Jueves 5 de mayo:
'El raval, l'últim esglaó' de Jaume Vilalta (1983), 30 min.
'Waha' de Roger Lapuente i Emilio Romero (2005), 60 min.

Jueves 6 de mayo:
'Con la bombona a cuestas.The Gas Man' de Iban del Campo y Elena Marí (2004), 25 min.
'Troll' de José González Morandi y Eva Serrats (2005), 66 min.

La, re, mi la... (1980) Carles Santos

Das Schweigen (Silence) – Joseph Beuys

Das Schweigen (Silence) (1973), Joseph Beuys, Five reels of 35 mm film, galvanized, 26.3 x 38 x 38 cm.

Videonautes. Panoràmica de la videocreació espanyola (2002-2008)

Ciudad Leve (2006) Annamaria Anderloni y Ángel Tirado

Del 6 de abril al 8 de mayo de 2010 el Canal Mediateca del CaixaForum de Barcelona muestra un ciclo de vidocreación de realizadores españoles actuales. El conjunto de piezas seleccionadas por parte del comisario Javier García Puerto provienen de las diferentes ediciones de la sección Videocreació del REC, Festival de Cinema de Tarragona. "Maniobras secuenciales" (2002-2005) e "InGenio InMotion" (2006-2008) son los dos títulos utilizados para englobar un listado heterogéneos de vídeos que van del carácter ensayístico y autobiográfico de obras como las de Elías Siminiani y Daniel Cuberta Touzón, a las animaciones figurativas en celuloide de Laboratorium (Laura Ginés y Pere Ginard) o los "videogrames" inquietantes de Gerard Gil.

Programa:
"Maniobras secuenciales" (2002-2005)

-Cada día paso por allí, Raúl Arroyo, (2004), 8 min 30 seg
-Margaritas, José Luis Tirado (2004), 4 min
-Digital, Elías Siminiani (2004), 6 min 50 seg
-Imagine, Luis Bezeta (2002), 5 min
-El hombre invisible, Daniel Cuberta Touzón (2003), 10 min
-Las bellas flores, Laura Ginés y Pere Ginard (2004), 1 min 10 seg

"InGenio InMotion" (2006-2008)

-Ciudad leve, Annamaria Anderloni y Ángel Tirado (2006), 4 min 30 seg
-Five Months Trying to Draw New York, Marcel Pie Barba (2005), 2 min
-Aprop, Aitor Echevarría (2007), 6 min 20 seg
-Al final de la vía, Gerard Gil (2006), 6 min
-Sonata in motion, Josep Antoni Duran y Laia Gil Balagueró (2006), 5 min
-Annabel, Rubén Latre (2006), 12 min 30 seg
-Timelapsus, Pablo Marquen, Marcos Coral y Mauro Gimferrer (2008), 2 min 36 seg
-Moby Dick, Laura Ginés y Pere Ginard (2006), 2 min 30 seg

Ciudad Leve (2006) Annamaria Anderloni y Ángel Tirado

The Society of the Spectacle (Now in 3D) (2009)

Pascual Sisto

Störung Festival 5.0. Festival de música electrónica experimental y artes visuales

Illuminated Music I (1972) Stephen Beck

El Störung Fest 5.0, el quinto festival de música electrónica experimental y artes visuales organizado por la plataforma Störung, se celebra durante los días 21 y 24 de abril de 2010 en Barcelona. La Farinera del Clot es el espacio escogido para acoger las actuaciones de músicos nacionales e internacionales del ámbito electrónico y experimental. Por lo que respecta al apartado visual, el festival presenta una serie de piezas cinematográficas de artistas pioneros del vídeo como es el caso del coreano Nam June Paik (del que se presenta una obra en colaboración con el músico John Cage). El cineasta norteamericano Stan VanDerBeek, inicialmente especializado en el collage y la animación de recortables, y posteriormente artífice de algunas de las innovaciones tecnológicas más emblemáticas del Expanded Cinema –como atestigua su Movie-Drome–, es otro de los nombres presentes en unas sesiones audiovisuales que también cuenta con la presencia de la obra de Stephen Beck, un reputado animador abstracto de vídeos situados entre la música visual, el arte cinético y el Op Art. El artista sonoro Zimoun, el colectivo inglés D-Fuse y el dúo Aleix Fernández + Asférico (que presentan "Once upon a point") son los otros nombres propios de unos pases de los que aún no se han especificado los títulos a proyectar. Todas ellos tendrán en común el estudio y la puesta en imágenes de relaciones insólitas entre tecnología, arte visual y sonido.

Illuminated Music I (1972) Stephen Beck

Homenaje a Iván Zulueta en Xcèntric

El martes 13 de abril de 2010 Xcèntric, el programa cinematográfico del CCCB, organiza un homenaje a la figura de Iván Zulueta. Dos de los cineastas actuales más relacionados con su obra y su modo de entender la práctica fílmica, Andrés Duque y David Domingo, serán los encargados de presentar una sesión especial en memoria del realizador vasco, recientemente fallecido. La proyección del valioso documental "Iván Z" (2004) de Andrés Duque, dará inicio a una velada en la que se recuperarán algunos de los super 8 más emblemáticos de Zulueta como "Mi ego está en Babia" (1975) o su primera película amateur "La fortuna de los Irureta" (1964).

Proyecciones:
En el hall: pases a las 18 h y 19 h
Iván Z, Andrés Duque, 2004, vídeo, 55 min

En el auditorio: 20 h
Tea for Two, Iván Zulueta. 1978, vídeo, 9 min
La taquillera, Iván Zulueta. 1978, súper-8, color, inacabada (10 min aprox.)
Na-da, Aquarium (versión reducida) y tráiler de Mi ego está en Babia, Iván Zulueta. 1976, vídeo, 19 min
La fortuna de los Irureta, Iván Zulueta. 1964, vídeo, 20 min
Mi ego está en Babia, Iván Zulueta. 1975, vídeo, 40 min

El cine de Jem Cohen

Instrument (1999)

Publicado en El Viejo Topo

"Ensayos fílmicos de un observador urbano"

En su sexta edición, Punto de Vista, el Festival Internacional de Cine Documental de Navarra, ha dedicado una retrospectiva a la obra del cineasta norteamericano Jem Cohen. Del 5 al 13 de febrero se han proyectado 34 títulos de su filmografía. Cada uno de ellos ha sido presentado por el propio autor. Una master class, una película filmada expresamente en Pamplona durante los días del festival -en homenaje al filme À propos de Nice (1930), del director francés Jean Vigo- y la publicación del libro Signal Fires. El cine de Jem Cohen, han rubricado una sección paralela cautivadora.

“Lo interesante, para mí, son las múltiples perspectivas que aportan los cineastas al espectador, cuando perciben el mundo real”. Esta frase culminaba la presentación con la que Jem Cohen inauguraba el festival. Lo hacía para indicar el amplio abanico de posibilidades que ofrece el medio cinematográfico a la hora de documentar el mundo visible. Consciente de la accesibilidad y del carácter impresionista de su cine –la connotación esteticista de unos planos hechos de superficies granuladas, cámara lenta, aceleraciones, ambientes sonoros abstractos e insistentes fundidos a negro- Cohen recomendaba al público asistente, enfrentarse sin nociones preconcebidas a las películas programadas en las demás secciones del festival. Aconsejaba borrar las concepciones aprendidas sobre lo que debería ser una película o un documental, y proponía entrar en la sala oscura con la mente abierta. Cuestiones sobre qué filmar, porqué hacerlo, cómo montar y desde qué punto de vista, son preguntas que este cineasta autodidacta, emparentado con la tradición del reportaje fotográfico de calle, se ha hecho repetidamente a lo largo de más de veinte años de carrera.

Instrument (1999)

Decenas de películas filmadas en celuloide conforman una prolífica trayectoria cinematográfica relacionada con la escena musical independiente. Los trabajos de Jem Cohen para bandas como R.E.M., Sparklehorse y Godspeed You Black Emperor!, cantautores como los desaparecidos Elliott Smith y Vic Chesnutt, o músicos vanguardistas como Andy Moor o Jace Clayton (DJ Rupture), le han permitido acercarse a los círculos del videoclip y el documental musical. Pero siempre desde una perspectiva muy particular. Una mirada reflexiva cercana a los desarrollos del cine ensayo y unas formas líricas vinculadas a cierto cine experimental han favorecido la elaboración de un sugerente corpus fílmico que, aún adentrándose en la ficción, siempre ha quedado regido por los parámetros del cine documental. Unos cuantos largometrajes y un innumerable listado de cortometrajes son el resultado de un obra coherente, un cine singular que empezó a gestarse en 1983, y que hoy en día continua investigando nuevas posibilidades de combinación entre sonidos e imágenes en movimiento.

Instrument (1999)

Desde principios de los años ochenta este realizador de orígenes armenios se ha relacionado con la escena de la música hardcore de Washington DC; y más concretamente con la banda Fugazi. De hecho Instrument (1999), el largometraje que documenta las incendiarias actuaciones del grupo, a la vez que demuestra el ideario político de sus componentes, es la película más conocida de Jem Cohen. Un archivo innumerable de fragmentos televisivos, videográficos y cinematográficos queda conjugado perfectamente como un collage certero sobre las concepciones y la actitud de unos músicos seguidores del do it yourself –esa voluntad por generar sus propios modos de distribución, oponiéndose diametralmente al negocio de la industria musical-. Sus imágenes filmadas principalmente en formatos súper 8 y 16 milímetros, se vislumbran como trazos oníricos que, mediante intervalos que aceleran o ralentizan la acción, transforman la percepción del transcurso del tiempo. Éste es uno de los reconocidos efectos fílmicos de un cineasta que confía en la textura del celuloide para seducir al espectador. Esta misma tecnología fotoquímica impregna la eficacia y la emotividad de documentales musicales heterodoxos como son Building a Broke Mousetrap (2006) y Evening’s Civil Twilight in Empires of Tin (2008). El primero de ellos se centra en un directo del grupo holandés The Ex, que demuestra la intensidad sonora y la presencia física de unos músicos comprometidos. En uno de sus temas más reconocidos reclaman apasionadamente la necesaria existencia de poetas y pintores -Listen to the Painters del disco Turn (2004)-. Son músicos que exigen manifestaciones artísticas expresadas libremente. Muestran una actitud punk presente también en el cine de Jem Cohen. Esa reivindicación de una comunicación escrita o visual que se aleje del paisaje mediático que acapara el ámbito cultural, también se aprecia en sus retratos de artistas plásticos y sus diarios de viajes analíticos.

Instrument (1999)

Este interés por el estado actual de la sociedad y las circunstancias que la determinan queda evidenciado en un largometraje de ficción como Chain (2004). La descripción actual de los no-lugares analizados por Marc Augé queda protagonizado en el filme por dos chicas jóvenes completamente a la deriva; entre hoteles y centros comerciales. Los escritos del filósofo alemán Walter Benjamin son una inspiración recurrente en su filmografía, especialmente la concepción del flânuer. La figura del observador que pasea por escenarios urbanos para perderse entre sus calles, percibiendo las contradicciones y los claroscuros, queda invocado por las calles de Nueva York en la autobiográfica Lost Book Found (1996). El libro de los pasajes de Benjamin se erige aquí como referente. Ese deambular contemplativo, algo inconsciente, por los espacios aislados de la ciudad; ese dejarse llevar por lo que sucede ante uno mismo, es una de las constantes de un cine completamente inspirador. La libertad con la que produce sus películas, observando por el visor de una cámara Bolex, lo emparentan con la obra fotográfica de artistas como Robert Frank. El fotógrafo suizo también compone de modo autorreflexivo, memorizando las huellas del pasado y visualizando el devenir del futuro mediante el uso de palimpsestos.

Instrument (1999)

Con el libro Signal Fires. El cine de Jem Cohen, Punto de Vista ha recogido acertadamente algunos textos escritos por amigos del director, como la cantante Patti Smith o el músico Guy Picciotto de Fugazi. Una reveladora entrevista realizada por Josetxo Cerdán y Gonzalo de Pedro, una selección de artículos analíticos escritos por periodistas -como el del reputado crítico neoyorquino Ed Halter- y un conjunto de polaroids inéditas del cineasta, configuran un excelente volúmen del todo recomendable. Es un conjunto de fotografías y textos confeccionados rigurosamente para homenajear un cineasta que, como Chris Marker, parece buscar constantemente la posibilidad de filmar “aquello que hace palpitar el corazón”.

Instrument (1999)

Travelling-Light. Juan Bufill en el Arts Santa Mònica

Green (1978)

El 6 de abril de 2010 se proyecta, en la sala de actos del Arts Santa Mònica de Barcelona, un conjunto de películas en vídeo y cine filmadas por Juan Bufill.
Eugeni Bonet presentará las dos últimas piezas de un realizador decantado hacia filmaciones líricas en super 8 elaboradas como poemas abstractos. «Travelling-Light», 2006-2008 y «Signaturas (síntesis)», 2006-2008 son los dos trabajos cortos, editados en video digital, con los que se iniciará la sesión. El programa se complementa con «Arena» (1979) y «Green» (1978) -dos piezas decepcionantes, recientemente editadas en un DVD loable pero insuficiente, y muy discutible-, la versión sonora de «Frontera» -adaptación para al programa «Souvenir» de la serie «Arsenal» (TV3, 1985)- y una conjunto de fragmentos de «El viatge de Robert Wyatt» («Arsenal», TV3, 1987). Cine de experimentación formal a proyectar en un espacio que, esperemos, albergue más actividades en torno al cine experimental.

Arena (1979)

Paraíso (1978) 

40 Frames - 16mm Directory

40 Frames es una plataforma estadounidense con sede en Portland (Oregon) dedicada a preservar el arte de la filmación y la exhibición en 16mm. Desde el año 2000 han presentado, junto a otros centros cinematográficos, sesiones fílmicas y workshops que han contado con las presencia de cineastas de reconocida trayectoria como son Bill Brown, Chick Strand, Peter Hutton, Yvonne Rainer, Su Friedrich, Alex MacKenzie, Bruce Baillie, Barbara Sternberg o James Benning. Entre sus proyectos actuales destacan la realización de una película en 16mm titulada Empty Quarter sobre las comunidades agrícolas del sudeste de Oregon y la reciente inauguración de una web dedicada específicamente al soporte fílmico de 16mm. 16mm Directory es una web acerca de los recursos técnicos para la producción y exhibición de obras en este formato. Direcciones sobre distribuidoras, espacios de exhibición y otros recursos técnicos -así como estudios y cursos universitarios referentes a este tipo de película subestándar-, pueden encontrarse en este útil directorio.

En las imágenes: polaroids de localizaciones para la producción del filme Empty Quarter.

Toronto's International Experimental Media Congress

Sound Over Water (2009) Mary Helena Clark

Del 7 al 11 de Abril de 2010 se celebra en Toronto el International Experimental Media Congress. El último congreso celebrado en la ciudad canadiense data de 1989. El programa diseñado para este año consta de un buen número de actividades destinadas a promover el cine y vídeo experimental actual. Un conjunto de mesas redondas, estructuradas para debatir el presente y el futuro de las prácticas experimentales de la imagen en movimiento, servirán para contrastar opiniones acerca de la producción, la exhibición, la expansión, la crítica, la pedagogía y la recepción del Experimental Media. Cincuenta realizadores, teóricos, comisarios y activistas formaran parte de un evento que coincidirá con las últimas sesiones fílmicas del 23rd Images Festival.

Love Objects (1971) Tom Chomont

Performances artísticas para un cine sin cámara – Jennifer West

Acicalar el celuloide

Durante el año 2001 la desaparecida cineasta de animación Helen Hill editó un libro titulado Recipes for Disaster: A Handcrafted Film Cookbooklet que recogía algunas de las recetas más ingeniosas de los practicantes del cine sin cámara. Decenas de cineastas canadienses situados entre la animación y el experimental escribieron consejos para llevar a cabo ejercicios con los que manipular directamente el soporte cinematográfico. Describiendo modos de empleo con anotaciones o dibujos hechos a mano, los colaboradores explicaban, epistolarmente, cómo alterar la superficie del celuloide mediante líquidos y técnicas varias, con intenciones más o menos artísticas. La aparición de esta ingeniosa recopilación de textos e ilustraciones amateur (maquetados siguiendo parámetros do it yourself) provocó que numerosos aficionados se lanzaran a la captura de bobinas en desuso. Reciclar trozos de película abandonados para manipular sus propiedades fotográficas y descubrir nuevas potencialidades fílmicas, manifestaba un deseo por crear imágenes en movimiento lejos de imperativos ortodoxos.

Una de las artistas más perseverantes e incisivas de este modo de hacer cine es la norteamericana Jennifer West. Desde la ciudad de Los Ángeles ha sabido llevar al límite de sus posibilidades una tradición que se remonta a los inicios del cine, cuando George Méliès coloreaba sobre el celuloide figuras filmadas en blanco y negro. Pero a diferencia del mago francés su cine no necesita de cámara para emulsionar el celuloide, ni de procesos de laboratorio para revelarlo. El suyo es un cine realizado directamente sobre los fotogramas de la película. Es un cine hecho a mano que, por su praxis artesanal y por la calidad de sus texturas, se sitúa inevitablemente cerca de las artes plásticas. Si la calidad pictórica de sus películas desvela una serie de tensiones metodológicas identificadas con el expresionismo abstracto y el cine experimental lírico, el método participativo y la documentación del acto creativo incurren en características constitutivas de la performance y el arte procesual. De este modo el arte contemporáneo parece ser el refugio más conveniente en el que encajar su práctica.

Jennifer West inicia su proceso creativo empapando tiras de celuloide de súper 8, 16mm, 35mm o 70mm sobre todo tipo de mezclas líquidas hechas de vinagre, lejía, cerveza, aceite, insecticida, leche, gasolina, ginebra, vino o ácido sulfúrico. Cualquier bebida, alimento o producto químico de uso cotidiano puede alterar un celuloide transparente, opaco o emulsionado. Dejar huella sobre la película, trazando manchas y deteriorando la superficie, es la consecuencia ineludible de unas pócimas que dibujan formas inéditas de colores vivaces y texturas sorprendentes. Exponer la emulsión a fuentes de luz, directa o indirecta, es otro de los recursos empleados para alcanzar una frenética imaginería psicodélica que remite a hallazgos del cine de animación experimental y la visual music. Estos tratamientos alquímicos vienen acompañados por otras aplicaciones más delirantes, pero igual de eficaces, que consisten en dar besos sobre el celuloide -para impregnarlo de pintalabios- o conducir en motocicleta -para dejar restos de neumático-. Son acciones hilarantes especificadas minuciosamente en los títulos de unas obras pensadas para transfigurar el soporte original.

Instituciones específicamente artísticas han sabido valorar la lucidez de sus procedimientos invitándola a organizar actuaciones con las que celebrar el carácter lúdico de su propuesta. El poder de convocatoria y el interés mediático de unos eventos participativos, es, finalmente, la razón de ser de piezas como Skate the Sky Film -sucedido hace pocos meses en la Turbine Hall de la Tate Modern de Londres-. Ahí Jennifer West dispuso largas tiras de celuloide en el suelo del museo para que skaters de los alrededores realizasen cabriolas sobre ellas. Documentar el acto performativo es pues parte esencial de unas piezas que, finalmente, quedan proyectadas en vídeo: el material fílmico resultante queda telecinado y transferido a DVD para facilitar la proyección en bucle, en galerías de arte como Vilma Gold o Marc Foxx. Son versiones digitalizadas para el circuito videoartístico que mantiene vínculos con cineastas singulares como Cécile Fontaine, Jürgen Reble o Johannes Hammel. Autores que, junto a Jennifer West, hallan sistemas de producción alternativos y estéticas insólitas para un arte, el cinematográfico, necesitado de ellas.

CINEMA ART

Article del Portal de Cultura Catalana
(o l'ABC del Cinema Art a Catalunya)

32. Cinema Art

El Cinema Art ha resultat ser un camp prolífic per l’experimentació del mitjà cinematogràfic. Un ampli ventall de cineastes catalans, més o menys vinculats a les arts plàstiques, s’han interessat per les possibilitats del suport fílmic, qüestionant els codis narratius i analitzant l’estructura de la imatge.

Les avantguardes artístiques de principis de segle marquen la pauta del cinema experimental internacional. Els moviments d’avantguarda que condicionen l’evolució de la pintura i l’escultura del segle XX també determinen la manera d’entendre la filmació i la projecció d’imatges en moviment. El surrealisme compte amb la figura del pintor català Salvador Dalí com un dels seus màxims exponents. La seves col·laboracions amb el cineasta Luís Buñuel, en les pel·lícules ‘El perro andaluz’ (1929) i ‘L’Age d’Or’ (1930), esdevenen obres singulars fetes d’impactes visuals, girs narratius onírics i elements subversius. El carácter líric d’aquestes dues produccions franceses mantenen punts de contacte amb cert cinema amateur realitzat a Catalunya.

Dins del camp del cinema d’animació experimental -sovint catalogat amb el nom de Fantasia-, cal fer referència al nom de Joaquim Puigvert i Pastells. Aquest cineasta practica durant els anys cinquanta una animació pictòrica influenciada per la del canadenc Norman McLaren; reconegut exponent del cinema pintat a mà sobre el cel·luloide. Jordi Artigas és un altre dels realitzadors de cinema d’animació abstracte, també dit cinema sense càmera.

Les idees del poeta visual Joan Brossa i les composicions musicals de Carles Santos fan que Pere Portabella desenvolupi una obra rica en matisos, relacionada amb les formes del New American Cinema de Nova York. El seu film més paradigmàtic és ‘Vampir-Cuadecuc’ (1970), una pel·lícula filmada en 16 mm, al marge de la indústria. ‘Esquizo’ (1970) de Ricard Bofill és una altra obra destacada realitzada a l’entorn de l’Escola de Barcelona. En aquesta època també emergeix el cinema underground del tarragoní Antoni Padrós i el cinema militant de Llorenç Soler.

A l’entorn de l’art conceptual dels anys setanta creixen una sèrie de col·laboracions fílmiques d’un grup d’artistes catalans afincats a París. Benet Rossell, Joan Rabascall, Antoni Miralda i Jaume Xifra en són els protagonistes. La crítica als mitjans de comunicació feta a partir del d’imatges reciclades i les investigacions formals del cinema estructural són dos dels interessos principals d’Eugènia Balcells i Eugeni Bonet; cineastes de films insòlits com ‘133’ (1978-79). El video art català té en Antoni Muntadas i Francesc Torres els seus artistes més internacionals.

Amb l’arribada del vídeo a Catalunya s’amplia el camp de visió d’uns artistes que mesclen els mitjans audiovisuals per posar en práctica inquietuds pròximes a la videocreació, la videoinstal·lació, el videoclip, el cinema de ficció, la televisió creativa i el documental heterodeox. Isaki Lacuesta, Lluís Escartín y Oriol Sánchez són alguns dels noms propis del Cinema Art actual.


ENLLAÇOS WEB

Web d’Eugeni Bonet sobre el cinema experimental per la UPF
http://www.iua.upf.es/recerca/sintesi_imatges/cinexp/cinexp.html

Web d’HAMACA, la distribuidora de video art espanyol
http://www.hamacaonline.net/

Web de l’Xcèntric, les programacions de cinema experimental del CCCB
http://www.cccb.org/xcentric/ca/

Cine electrónico en el CaixaForum

Del 25 de febrero al 3 de abril de 2010 el CaixaForum de Barcelona presenta un programa audiovisual en el Canal Mediateca comisariado por Andrew Davis. "Cinema electrònic" presenta cuatro realizadores de piezas de imágenes en movimiento directamente vinculadas a la escena de la música electrónica. La música visual digital del colectivo Semiconductor, los collages retro de People Like Us, el minimalismo gélido de Thomas Köner y las filmaciones ambientales en intervalos de tiempo de Emily Richardson son las propuestas de cuatro nombres que utilizan con osadía texturas electrónicas, ritmos techno, música ambiental y apropiaciones sonoras de todo tipo para envolver sus investigaciones cinemáticas.
El ciclo viene acompañado de las actuaciones en directo del músico y realizador Thomas Köner, y de la cineasta Emily Richardson junto a Benedict Drew, el artífice de sus bandas sonoras.

La selección de piezas a proyectar es la siguiente:

Semiconductor Films:
All The Time In The World, 2005, 5 min
Sound of Microclimates, 2004, 10 min
Acousticity, 2006, 3 min
200 Nanowebbers, 2005, 3 min
Brilliant Noise, 2006, 6 min

People Like Us:
Story Without End, 2005, 6 min
The Remote Controller, 2003, 9 min
We Edit Life, 2002, 11 min

Emily Richardson:
Redshift, 2001, 4 min
Nocturne, 2002, 5 min
Aspect, 2004, 9 min
Block, 2005, 11 min
Cobra Mist, 2008, 7 min

Thomas Köner:
Suburbs of the Void, 2004, 14 min
Peripheriques: Harar, 2005, 3 min
Nuuk, 2004, 6 min
Peripheriques: Buenos Aires, 2005, 5 min

Poética del celuloide # 3

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En las imágenes: carátula del DVD "By Brakhage. An anthology volume two" y portadas de los libros "Adventures of Perception. Cinema as exploration" de Scott MacDonald; "Film Curatorship. Archives, museum and the digital marketplace" y "Máquinas de mirar. O cómo se originan las imágenes. El arte contemporáneo mira a la Colección Werner Nekes".